El Teatro Gayarre organiza un festival de Pascua por segundo año consecutivo, con teatro familiar. Las entradas, a 5 euros, pero hay un 40% de descuento por la compra de cuatro entradas. También para familias numerosas en cada uno de los espectáculos. Este es el programa:
Lunes 9 de abril, a las 6 de la tarde. Circo Gran Fele con Xaloc.
Martes 10, a las 6 de la tarde. Pipi Calzaslargas.
Miércoles 11 (12 horas en euskera y 6 tarde en castellano). Producciones Golden Apple Cuartet y Kanpingags, con Galipotx.
Sábado 14, a las 12 horas, Comediants con El pequeño secreto.
Domingo 15, a las 6 de la tarde, T'Ombligo Teatro con En un mar de sueños.
viernes 30 de marzo de 2007
jueves 29 de marzo de 2007
"El barbero de Sevilla", ópera de Rosini en Baluarte.
BALUARTE acoge hoy jueves 29 y el sábado 31 de marzo, la ópera El barbero de Sevilla, de Rossini, producción que el Teatro Real de Madrid y el Teatro San Carlo de Lisboa realizaron el pasado año. Todas las entradas están agotadas para las dos funciones. Éstas tendrán lugar a partir de las 20.00 horas.
Reparto: María Bayo, Iñaki Fresán, Richard Bernstein, Dalibor Jenis, Mercé Obiol y Pablo Azpeitia.
Reparto: María Bayo, Iñaki Fresán, Richard Bernstein, Dalibor Jenis, Mercé Obiol y Pablo Azpeitia.
El elenco de cantantes es de primer nivel como no ha tenido en ninguna ocasión anterior en Baluarte, según los responsables de Baluarte. Emilio Sagi, director de escena de esta producción, no ha podido venir a Pamplona porque en estas mismas fechas está en Washington, así que la puesta en escena en Baluarte la ha realizado Javier Ulacia.
Antonio Pirolli, director musical de la producción y de otras muchas óperas como Aida o Rigoletto, considera que El barbero de Sevilla es una ópera muy compleja desde el punto de vista escénico, una obra "escrita en 13 días y que resume perfectamente la ópera rossiniana, que se caracteriza por un ritmo muy acusado y por su gran vena melódica".
Por su parte, el tenor José Manuel Zapata quiso recordar que "Pamplona es la ciudad en la que debuté en 2002, con La sonámbula, que fue mi primer personaje principal, así que vengo a esta ciudad como si fuera mi casa, ya que me encuentro muy a gusto".
Antonio Pirolli, director musical de la producción y de otras muchas óperas como Aida o Rigoletto, considera que El barbero de Sevilla es una ópera muy compleja desde el punto de vista escénico, una obra "escrita en 13 días y que resume perfectamente la ópera rossiniana, que se caracteriza por un ritmo muy acusado y por su gran vena melódica".
Por su parte, el tenor José Manuel Zapata quiso recordar que "Pamplona es la ciudad en la que debuté en 2002, con La sonámbula, que fue mi primer personaje principal, así que vengo a esta ciudad como si fuera mi casa, ya que me encuentro muy a gusto".
Como suele ser habitual, intervienen la Orquesta Sinfónica de Navarra y Coro Lírico de Navarra.
La primera parte de que dura 90 minutos y, tras el descanso, un parte final de otros 50 minutos.
La obra es de 2 actos y fue escrita en 1815. Hay otra ópera anterior, de Pasiello. Título original de la de Rosini, Almaviva o la precaución inútil. También basado en la comedia de Beaumarchais. El conde corteja a Rosina, la pupila del doctor Bartolo, que aspira a casarse con ella y disponer de su herencia. Fígaro es un barbero del que se sirve para su intento de seducción: el conde se disfraza de estudiante, con el nombre de Lindoro, y le hace la corte. También se disfraza de militar algo bebido con una falsa orden de alojamiento. Después se disfraza de profesor de música. Al final la consigue y Bartolo se resigna.
Es la más brillante de Rossini. Atentos a la obertura, arias como Largo al factotum, de Fígaro; Una voce poco fa, de Rosina, o La calumnia es un soplo de aire, de Bartolo y Basilio.
Precios: 54, 44 36 euros. La única posibilidad de entrar es ir a la taquilla a ver si alguien que compró las entradas antes de Navidad no puede acudir y quiere venderlas.
La primera parte de que dura 90 minutos y, tras el descanso, un parte final de otros 50 minutos.
La obra es de 2 actos y fue escrita en 1815. Hay otra ópera anterior, de Pasiello. Título original de la de Rosini, Almaviva o la precaución inútil. También basado en la comedia de Beaumarchais. El conde corteja a Rosina, la pupila del doctor Bartolo, que aspira a casarse con ella y disponer de su herencia. Fígaro es un barbero del que se sirve para su intento de seducción: el conde se disfraza de estudiante, con el nombre de Lindoro, y le hace la corte. También se disfraza de militar algo bebido con una falsa orden de alojamiento. Después se disfraza de profesor de música. Al final la consigue y Bartolo se resigna.
Es la más brillante de Rossini. Atentos a la obertura, arias como Largo al factotum, de Fígaro; Una voce poco fa, de Rosina, o La calumnia es un soplo de aire, de Bartolo y Basilio.
Precios: 54, 44 36 euros. La única posibilidad de entrar es ir a la taquilla a ver si alguien que compró las entradas antes de Navidad no puede acudir y quiere venderlas.
"Llama un inspector", de J.B. Priestley, en el Gayarre el viernes y el sábado
Este fin de semana, el TEATRO GAYARRE ofrece una gran obra, Llama un inspector, de J.B. Priestley. Un clásico contemporáneo. Uno de los más grandes autores británicos del siglo XX. Hoy quizá no llame tanto la atención, pero es el maestro en el dominio del tiempo, del flash-back, de cómo trasladar a escena el paso del tiempo, los tiempos muertos, lo de contar una historia al revés (que por cierto es algo que hizo Miguel Goikoetxandía el martes en el ciclo Pequeñas Obras de Nuevos Autores) que no se ha visto pero ha sucedido en los años que han discurrido entre acto y acto en distintas obras de teatro.
John Boynton Priestley nace en 1894, es un gran psicólogo y se nota en la caracterización de sus personajes. Sus obras más famosas son El tiempo y los Conway, que es un clásico; Yo estuve una vez aquí, Esquina peligrosa. En mi edición de viejo, de la editorial Losada, que era la buena en plena dictadura franquista, el título es Ha llegado un inspector.
El argumento: una cena de compromiso de una familia de clase alta y entra un inspector a investigar el suicidio de una muchacha. Y claro, cada miembro de la familia sabe algo o ha tenido un tipo de relación con la persona muerta.
Si se llenó este mes de enero para ver a Agatha Christie con Una visita inesperada, éste teatro que es mucho mejor, les va a gustar todavía mucho más.
Reparto: José Luis Pellicena, Paco Valladres, María José Alonso, Silke y otros. Dirección: Román Calleja.
Viernes 30 y sábado 31 de marzo a las 20 horas en el Teatro Gayarre. Precios: 21 euros (sala), 16 euros (palco) y 6 euros (anfiteatro).
El argumento: una cena de compromiso de una familia de clase alta y entra un inspector a investigar el suicidio de una muchacha. Y claro, cada miembro de la familia sabe algo o ha tenido un tipo de relación con la persona muerta.
Si se llenó este mes de enero para ver a Agatha Christie con Una visita inesperada, éste teatro que es mucho mejor, les va a gustar todavía mucho más.
Reparto: José Luis Pellicena, Paco Valladres, María José Alonso, Silke y otros. Dirección: Román Calleja.
Viernes 30 y sábado 31 de marzo a las 20 horas en el Teatro Gayarre. Precios: 21 euros (sala), 16 euros (palco) y 6 euros (anfiteatro).
Si podéis, no os la perdáis, porque vais a disfrutar.
AGENDA DEL TEATRO LOCAL para este fin de semana
JUEVES 29 de marzo.
CIVICAN. Besos, de Carles Alberola, a cargo de Bubulú. Dirección: Miguel Goikoetxandia. A las 20 horas en el Auditorio de Civican. Retirada de invitaciones el mismo día de la función desde las 19 horas en el servicio de información de Civican.
ZIZUR MAYOR. Da te Danza presenta Alonso Quijano El Bueno. Danza juvenil. Dirección: Valeria Frabetti-Omar Meza. A las 20 horas en la Casa de Cultura de Zizur Mayor. Danza contemporánea. Precio: 3 euros.
El sábado a las 18 horas en el Teatro de ANSOÁIN. Precio: 3 euros.
El domingo 1 de abril a las 18 horas en la Casa de Cultura de BURLADA.. Precio: 3 euros.
BURLADA. Ados Teatroa El vendedor de tiempo. Comedia musical, basada en el best seller de Fernando Trías de Bes, cuenta la historia de un tipo corriente que se ve obligado a realizar un trabajo que detesta para poder pagar una hipoteca de 35 años.
A las 20 horas. Servicio de guardería gratuito. Entradas: 8 euros.
TAFALLA. grupo La Trapera Teatro Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, de Valle-Inclán. Salón de actos de la Casa de Cultura de Tafalla a las 20.30 horas. Entrada: 5 euros.
NOAIN. Academia de danza de Almudena Lobón. A las 21 horas en el centro cultural de Noáin. Precio: 3 euros.
TEATRO DE ANSOAIN. Ambigú producciones presenta El secreto de las mujeres. Punto G. Dirección: Javier del Cura. A las 22 horas en el Teatro de Ansoáin. Precio: 5 euros.
FUNES. Tres hermanas, de Anton Chejov, dirigida por Miguel Munárriz, con Maiken Beitia, Marta Juániz, Raquel Ortega, Gabriel Latorre, Rafael Maza, Ibán Naval, Pilartxo Munárriz, Jesús Idoate, Néstor Arnas, Javier Aranda, José Mari Asín y Carol Verano. Casa de cultura de FUNES, el viernes 30 de marzo, a las 21 horas.
SÁBADO 31 DE MARZO.
CIVICAN. Pizzicatto Teatro: Una vida de cuento. Dirección: Gerardo Capobianco. A las 18 horas en el Auditorio de Civican. Espectáculos de títeres para niños desde 4 años acompañados por adultos. Es necesario retirar las invitaciones el mismo día de la actuación desde las 17 horas en el servicio de información. Sábado 31 de marzo, a cargo de
SANGÜESA. Xirriauiteula Teatro. Cuentos del cielo, A las 18 horas en la Casa de Cultura de Sangüesa. Precio: 3 euros. Venta anticipada: Casa de Cultura de martes a viernes de 12 a 14 y de 19 a 21 horas; taquilla los días de los espectáculos 1 hora antes del espectáculo.
DOMINGO 1 DE ABRIL.
NOAIN. Kanpingags & Golden Apple Quarte Galipotx. Domingo 1 de abril a las 18 horas en el centro cultural. Precio: 3 euros (2 euros hasta el viernes anterior a la función).
ESCUELA NAVARRA DE TEATRO. Teatro familiar en euskera. Abere hatsak eta beste animala batzuk (ganador del concurso de Textos teatrales dirigidos a público infantil 2006). Precio: 5 euros. Para el público en generalA las 18.30 horas Precio: 3 euros.
CICLO DE DANZA ESCENA 2007
Viernes 30 de marzo a las 21 horas en el centro cultural de Noáin, Aldanza: Aldanza 2007. Precio: 3 euros.
Sábado 31 de marzo a las 20.30 horas en el Auditorio de Barañáin, Marcos Vargas y Chloé Brulé: Cuando uno quiere y otro no. Precio: 6 euros.
CIVICAN. Besos, de Carles Alberola, a cargo de Bubulú. Dirección: Miguel Goikoetxandia. A las 20 horas en el Auditorio de Civican. Retirada de invitaciones el mismo día de la función desde las 19 horas en el servicio de información de Civican.
ZIZUR MAYOR. Da te Danza presenta Alonso Quijano El Bueno. Danza juvenil. Dirección: Valeria Frabetti-Omar Meza. A las 20 horas en la Casa de Cultura de Zizur Mayor. Danza contemporánea. Precio: 3 euros.
El sábado a las 18 horas en el Teatro de ANSOÁIN. Precio: 3 euros.
El domingo 1 de abril a las 18 horas en la Casa de Cultura de BURLADA.. Precio: 3 euros.
BURLADA. Ados Teatroa El vendedor de tiempo. Comedia musical, basada en el best seller de Fernando Trías de Bes, cuenta la historia de un tipo corriente que se ve obligado a realizar un trabajo que detesta para poder pagar una hipoteca de 35 años.
A las 20 horas. Servicio de guardería gratuito. Entradas: 8 euros.
TAFALLA. grupo La Trapera Teatro Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte, de Valle-Inclán. Salón de actos de la Casa de Cultura de Tafalla a las 20.30 horas. Entrada: 5 euros.
NOAIN. Academia de danza de Almudena Lobón. A las 21 horas en el centro cultural de Noáin. Precio: 3 euros.
TEATRO DE ANSOAIN. Ambigú producciones presenta El secreto de las mujeres. Punto G. Dirección: Javier del Cura. A las 22 horas en el Teatro de Ansoáin. Precio: 5 euros.
FUNES. Tres hermanas, de Anton Chejov, dirigida por Miguel Munárriz, con Maiken Beitia, Marta Juániz, Raquel Ortega, Gabriel Latorre, Rafael Maza, Ibán Naval, Pilartxo Munárriz, Jesús Idoate, Néstor Arnas, Javier Aranda, José Mari Asín y Carol Verano. Casa de cultura de FUNES, el viernes 30 de marzo, a las 21 horas.
SÁBADO 31 DE MARZO.
CIVICAN. Pizzicatto Teatro: Una vida de cuento. Dirección: Gerardo Capobianco. A las 18 horas en el Auditorio de Civican. Espectáculos de títeres para niños desde 4 años acompañados por adultos. Es necesario retirar las invitaciones el mismo día de la actuación desde las 17 horas en el servicio de información. Sábado 31 de marzo, a cargo de
SANGÜESA. Xirriauiteula Teatro. Cuentos del cielo, A las 18 horas en la Casa de Cultura de Sangüesa. Precio: 3 euros. Venta anticipada: Casa de Cultura de martes a viernes de 12 a 14 y de 19 a 21 horas; taquilla los días de los espectáculos 1 hora antes del espectáculo.
DOMINGO 1 DE ABRIL.
NOAIN. Kanpingags & Golden Apple Quarte Galipotx. Domingo 1 de abril a las 18 horas en el centro cultural. Precio: 3 euros (2 euros hasta el viernes anterior a la función).
ESCUELA NAVARRA DE TEATRO. Teatro familiar en euskera. Abere hatsak eta beste animala batzuk (ganador del concurso de Textos teatrales dirigidos a público infantil 2006). Precio: 5 euros. Para el público en generalA las 18.30 horas Precio: 3 euros.
CICLO DE DANZA ESCENA 2007
Viernes 30 de marzo a las 21 horas en el centro cultural de Noáin, Aldanza: Aldanza 2007. Precio: 3 euros.
Sábado 31 de marzo a las 20.30 horas en el Auditorio de Barañáin, Marcos Vargas y Chloé Brulé: Cuando uno quiere y otro no. Precio: 6 euros.
AGENDA MUSICAL. Música sacra.
El ciclo MÚSICA PARA UN TIEMPO DE ORACIÓN ofrece conciertos en los próximos días en diversas iglesias de Pamplona a las 20 horas, excepto el último.
Jueves 29 de marzo. Coro Mixto de Praga con Música litúrgica checa, en la iglesia PP Carmelitas.
Sábado 31 de marzo. Composiciones para órgano y voces con el Coro San Fermín Abesbatza que, bajo la dirección de Fermín Iriarte, estrenará una obra de José Mª Muneta e interpretará otras de Tomás Garbizu, Martín Zalba y Lorenzo Ondarra con la colaboración del joven y prestigioso organista Raúl del Toro y Nekane Piñuela (soprano) y Ana Montoya (alto), en la iglesia PP Carmelitas.
Domingo de Pascua 1 de abril. Sinfonietta Académica con La Passione y El Amor, en la parroquia de San Saturnino, con piezas de Greig, Haydn, Wagner y Johnstone.
Lunes 2 de abril. Camerata Cambrensis con Las siete últimas palabras de Cristo de la rusa Sofía Gubaidulina, con el acompañamiento de Francisco Javier López Jaso (acordeón) y David Johnstone (violoncello), en la iglesia de San Agustín.
Martes 3 de abril. Coro de Cámara de la Capella de San Petersburgo, Rusia con La Pascua Ortodoxa rusa a capella, en la iglesia MM Recoletas.
Miércoles Santo 4 de abril. Nova Lux Ensemble con Salmos de Juan Francés de Iribarren junto con varios instrumentistas y bajo la batuta de David Guindano, en la parroquia de San Saturnino.
Jueves Santo 5 de abril, a las 12.30 horas. Coral Liguori y Cuarteto de cuerda: Concierto sacro, en la iglesia de San Ignacio (PP Redentoristas).
Jueves 29 de marzo. Coro Mixto de Praga con Música litúrgica checa, en la iglesia PP Carmelitas.
Sábado 31 de marzo. Composiciones para órgano y voces con el Coro San Fermín Abesbatza que, bajo la dirección de Fermín Iriarte, estrenará una obra de José Mª Muneta e interpretará otras de Tomás Garbizu, Martín Zalba y Lorenzo Ondarra con la colaboración del joven y prestigioso organista Raúl del Toro y Nekane Piñuela (soprano) y Ana Montoya (alto), en la iglesia PP Carmelitas.
Domingo de Pascua 1 de abril. Sinfonietta Académica con La Passione y El Amor, en la parroquia de San Saturnino, con piezas de Greig, Haydn, Wagner y Johnstone.
Lunes 2 de abril. Camerata Cambrensis con Las siete últimas palabras de Cristo de la rusa Sofía Gubaidulina, con el acompañamiento de Francisco Javier López Jaso (acordeón) y David Johnstone (violoncello), en la iglesia de San Agustín.
Martes 3 de abril. Coro de Cámara de la Capella de San Petersburgo, Rusia con La Pascua Ortodoxa rusa a capella, en la iglesia MM Recoletas.
Miércoles Santo 4 de abril. Nova Lux Ensemble con Salmos de Juan Francés de Iribarren junto con varios instrumentistas y bajo la batuta de David Guindano, en la parroquia de San Saturnino.
Jueves Santo 5 de abril, a las 12.30 horas. Coral Liguori y Cuarteto de cuerda: Concierto sacro, en la iglesia de San Ignacio (PP Redentoristas).
miércoles 28 de marzo de 2007
28 compañías actuarán en el Festival de Almagro
La trigésima edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, que se celebrará del 28 de junio al 22 de julio, contará con 19 compañías españolas y 9 extranjeras, y dedicará gran importancia a los espectáculos en la calle, con 21 escenarios, la mayoría exteriores.
El Festival se abrirá con la entrega del séptimo premio Corral de Comedias a la actriz argentina Norma Aleandro, quien protagonizará un espectáculo sobre el amor con textos de Lope de Vega y otros autores, ya visto en Pamplona, y contará con talleres para niños pagados por la actriz Vanessa Redgrave.
El Festival se abrirá con la entrega del séptimo premio Corral de Comedias a la actriz argentina Norma Aleandro, quien protagonizará un espectáculo sobre el amor con textos de Lope de Vega y otros autores, ya visto en Pamplona, y contará con talleres para niños pagados por la actriz Vanessa Redgrave.
En la calle habrá espectáculos medievales y carnavalescos, gigantes y cabezudos, narradores y juglares.
La Compañía Nacional de Teatro Clásico estrenará Del Rey abajo ninguno, de Rojas Zorrilla, en versión de Laila Ripoll, y participará también con Sainetes, de don Ramón de la Cruz, dirigida por Ernesto Caballero y ya estrenado. La Joven Compañía Nacional de Teatro Clásico estrenará Las bizarrías de Belisa, de Lope de Vega, y Els Joglars participará con En un lugar de Manhattan, bajo la dirección de Albert Boadella (Se vio a finales del año pasado en Baluarte). Shanghai Pekin Opera Troupe estrenará en España Hamlet. La obra de Shakespeare se podrá ver también en la versión de Boyokani Company, con actores de Congo, Senegal, Malí y Togo. La compañía japonesa Ksec Act estrenará su versión de Numancia, de Cervantes. Rafael Álvarez El Brujo estará presente también en el programa, igual que Teatre Lliure, que pondrá en escena Otelo bajo la dirección de Carlota Subirós.
Javier Izcue, del Grupo de Escritura Teatro Gayarre, gana el premio Coca-Cola
Javier Izcue-Argandoña, amigo y compañero de escritura dramática, ha ganado el concurso El cuento de sus sueños, que promueve Coca-Cola sin cafeína para dormir niños, con el que escribió pensando en su hija Irene y titulado Cuento para tus orejas.
Javier ganó también hace unos meses el concurso de cuentos de invierno de Caja Navarra (pueden leer aquel trabajo buscando en este mismo blog) y ha estrenado dos piezas en el Teatro Gayarre.
El premio garantiza los estudios de su niña, una financiación que no está nada mal.
Podéis intentar leer el cuento en la página de Coca-Cola.
martes 27 de marzo de 2007
Programa del Festival Teatro Gayarre: Otras miradas, otras escenas
El escenario del Teatro Gayarre va a albergar, entre jueves 26 de abril y el sábado 2 de junio la segunda edición del FESTIVAL TEATRO GAYARRE: Otras miradas, otras escenas, que este año se presenta con novedades respecto a la primera edición y ofrece al público la posibilidad de acceder a quince funciones de trece espectáculos. El Festival alcanza su segunda edición y lo hace con novedades respecto a la primera: actúan grupos locales, se programa música y habrá teatro de calle. La vocación sigue siendo la de explorar los caminos por los que discurre la creación en las artes escénicas.
Así, entre las propuestas que recoge este festival, el espectador se va a encontrar con que uno de los escenarios va a ser la ciudad, con espectáculos de calle que harán soñar con mares y olas de espuma o nos trasladarán a universos cercanos a Julio Verne, con compañías como la francesa Malabar o la española Azar Teatro. La música nos traerá voces tan personales como las Pasión Vega o la música fronteriza mexicano/estadounidense de Lila Down.
Así, entre las propuestas que recoge este festival, el espectador se va a encontrar con que uno de los escenarios va a ser la ciudad, con espectáculos de calle que harán soñar con mares y olas de espuma o nos trasladarán a universos cercanos a Julio Verne, con compañías como la francesa Malabar o la española Azar Teatro. La música nos traerá voces tan personales como las Pasión Vega o la música fronteriza mexicano/estadounidense de Lila Down.
Este festival nos permitirá acercarnos a los nuevos montajes de dos compañías que ostentan el Premio Nacional de Teatro, y otros tantos premios Max, como Animalario y su Marat Sade y Ur Teatro con El chico de la última fila ,de Juan Mayorga. Un festival en el que tiene cabida la danza de la mano de compañías como la argelino/francesa de Heddy Maalem y su visión de La consagración de la primavera o la belga Ballets C. de la B. y su espectáculo Import-Export, paradigma de mestizaje de artes. También hay un sitio para nuevas experiencias… nunca una historia se ha contado tan cerca al espectador como la que cuenta la compañía Bramant Teatre en Construyendo a Verónica, una experiencia irrepetible y una función diferente para cada espectador, teatro directo.
Las compañías locales tendrán un espacio con los nuevos montajes La Ortiga T.D.S y Caracois, compañías premiadas en los Encuentros de Jóvenes Artistas del Gobierno de Navarra.
Para enriquecer el festival se ofrecen actividades complementarias que se concretan en una serie de conferencias con especialistas y en el desarrollo de las Teatrulias, tertulias abiertas para cambiar impresiones con los creadores de los espectáculos, preguntar dudas, criticar o aplaudir.
Todos los espectáculos
Las compañías locales tendrán un espacio con los nuevos montajes La Ortiga T.D.S y Caracois, compañías premiadas en los Encuentros de Jóvenes Artistas del Gobierno de Navarra.
Para enriquecer el festival se ofrecen actividades complementarias que se concretan en una serie de conferencias con especialistas y en el desarrollo de las Teatrulias, tertulias abiertas para cambiar impresiones con los creadores de los espectáculos, preguntar dudas, criticar o aplaudir.
Todos los espectáculos
Domingo 29 de abril 8 tarde
La consagración de la primavera
Compañía Heddy Maalem
La consagración de la primavera marcó el inicio de la contemporaneidad. La velada de estreno, en mayo de 1913 en un teatro parisino, se constituyó en el escándalo teatral del siglo: espectadores furibundos, pataleos y silbidos e intercambios de golpes de puño y retos a duelo entre los que encontraban que música y coreografía eran extraordinarias y los que las repudiaban como un disparate provocador. Stravinsky en su afán de describir un ancestral ritmo pagano creó un lenguaje musical que sorprendió a todos por sus intensas disonancias y por sus fuertes ritmos asimétricos. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones armónicas, rítmicas y tímbricas. La coreografía de Nijinsky supuso un vuelco total, abandonó los movimientos fluidos tradicionales del ballet, desgarró aquel refinamiento idealizado con sus ritmos caóticos y violentos, con movimientos angulares radicales con matices cargadamente sexuales. Aquel escándalo supuso el inicio del paso de lo clásico a lo contemporáneo.
De padre argelino y madre francesa, Heddy Maalem nace en Batna, en el centro de los Aurès (Argelia). Después de haber practicado durante mucho tiempo el boxeo y el aikido descubre la danza y en 1990 crea su propia compañía y con la única certeza de la confianza absoluta puesta en el cuerpo, comienza una búsqueda paciente y decidida de su propio movimiento. Ahora Heddy Maalem reúne a bailarines de origen africano nacidos en Francia junto a bailarines nigerianos y senegaleses. Este es un proyecto ambicioso y fiel a un cuestionamiento recurrente: el de la identidad.
Coreografía: Heddy Maalem
Música: Igor Stravinsky
Intérpretes: Simone Gomis, Hardo Papa Salif Ka, Amie Gomis, Marie-Pierre Gomis, Marie Diedhiou, Shush Tenin, Serge Anagonou, Awoulath Alougbin, Rachelle Agbosso, Alou Cissé, Dramane Diarra, Qudus Aderemilekun Onikeku, Kehinde Awaiye, Taiwo Awaiye
imágenes: Benoît Dervaux
diseño de la banda de sonido: Benoît Declerck
vestuario: Agathe Laemmel
Duración: 1 h.
www.heddymaalem.com
Martes 1 de mayo 8 tarde
La reina del Pay-Pay
PASIÓN VEGA
Educada desde niña en el mundo de la copla, Pasión Vega es una artista de enorme carácter que ha trascendido las limitaciones del género y ha creado un estilo único, nuevo y personal.
La reina del Pay-Pay nos habla de los eternos sufrimientos de los enamorados, los que son capaces de cantar o escuchar canciones así para aprender a sentir el desamor, trámite que, después de un mal amor, una vez cumplido, les permitirá, algún día, estar preparados para el buen amor. Pasión Vega se convierte en una narradora de sentimientos e historias en su nuevo trabajo, mezcla de lo mediterráneo, el jazz, la copla y el cabaret, La malagueña dedica estas sus nuevas canciones a las reinas de la posguerra simbolizadas en los hombres con alma de mujer, que actuaban en la sala de fiestas Pay-Pay, de Cádiz, local gaditano, muy de moda en los años 40 y 50.
Músicos: Jacob Sureda (piano, teclados y dirección musical), Paco Bastante (bajo eléctrico y coros), Roberto Jabonero (violín y mandolina), Tito Cartechini (bandoneón), Carlos Jiménez (guitarra elétrica/acústica, y coros), Vicente Climent (batería), J. Carlos Melián “Pana” (percusión), J.Juan Pantoja (guitarra flamenca), Coros: Maite Martínez.
Duración: 1 h. 30 m
www.pasionvega.info
Sábado 5 de mayo 8 tarde
Guerra de papel
COMPAÑÍA MIMIRICHI TEATRO
Mimirichi es una troupe de anarco-clowns, y su Guerra de papel una comedia melancólico-caótica, que se asemeja a esos sueños que siempre hemos tenido de pelearnos con mucha gente de forma divertida e inofensiva a papelazo limpio. La función hace un recorrido por varias historias sensibles y de gran ironía, pero estructuradas con creativas construcciones que el elenco realiza con papel. Figuras inverosímiles como animales y muebles se transforman para observar grandes escenarios que invitan literalmente al público a participar de ellas, en un estallido espontáneo de las risas y emociones más escondidas. Mimirichi es reconocido en toda Europa como uno de los colectivos más importantes de este género y está avalado para la gran cantidad de giras internacionales que han llevado a la compañía a Rusia, Suiza, República Checa, Eslovaquia, Austria, Bélgica, Polonia, Alemania, Francia, España, Portugal, Holanda, Inglaterra, Italia…
Guerra de papel es una parodia acerca de la megalomanía humana, de ese querer el control de todo y de todos. Cuenta de forma sencilla e ingeniosa la historia de un hombrecillo perseguido por todo el mundo, que, al entrar en contacto con el mundo exterior, se convierte en un aspirador humano. Es una original alegoría sobre una persona codiciosa que “aspira” todo para sí mismo, por cuya causa se infla hasta grandes dimensiones. Este hombrecillo hinchado se imagina a sí mismo como otro, un personaje importante, cuyas fantasías se desarrollan hasta tal punto que él maneja y gobierna el mundo. Pero la vida no solo puede enaltecer al dictador recién llegado, sino que puede devolverle a su lugar inicial.
Director: Igor Ivashchenko
Intérpretes: Igor Ivashchenko, Andrii Gonsales, Anatoliy Miroshnyk, Dmytro Zakaliuzhniy
Música: fonograma mezcla de Mimirichi
Duración: 1 h.
www.mimirichi.kiev.ua
Viernes 11 de mayo 8 tarde
La cantina… entre copa y copa
La consagración de la primavera
Compañía Heddy Maalem
La consagración de la primavera marcó el inicio de la contemporaneidad. La velada de estreno, en mayo de 1913 en un teatro parisino, se constituyó en el escándalo teatral del siglo: espectadores furibundos, pataleos y silbidos e intercambios de golpes de puño y retos a duelo entre los que encontraban que música y coreografía eran extraordinarias y los que las repudiaban como un disparate provocador. Stravinsky en su afán de describir un ancestral ritmo pagano creó un lenguaje musical que sorprendió a todos por sus intensas disonancias y por sus fuertes ritmos asimétricos. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones armónicas, rítmicas y tímbricas. La coreografía de Nijinsky supuso un vuelco total, abandonó los movimientos fluidos tradicionales del ballet, desgarró aquel refinamiento idealizado con sus ritmos caóticos y violentos, con movimientos angulares radicales con matices cargadamente sexuales. Aquel escándalo supuso el inicio del paso de lo clásico a lo contemporáneo.
De padre argelino y madre francesa, Heddy Maalem nace en Batna, en el centro de los Aurès (Argelia). Después de haber practicado durante mucho tiempo el boxeo y el aikido descubre la danza y en 1990 crea su propia compañía y con la única certeza de la confianza absoluta puesta en el cuerpo, comienza una búsqueda paciente y decidida de su propio movimiento. Ahora Heddy Maalem reúne a bailarines de origen africano nacidos en Francia junto a bailarines nigerianos y senegaleses. Este es un proyecto ambicioso y fiel a un cuestionamiento recurrente: el de la identidad.
Coreografía: Heddy Maalem
Música: Igor Stravinsky
Intérpretes: Simone Gomis, Hardo Papa Salif Ka, Amie Gomis, Marie-Pierre Gomis, Marie Diedhiou, Shush Tenin, Serge Anagonou, Awoulath Alougbin, Rachelle Agbosso, Alou Cissé, Dramane Diarra, Qudus Aderemilekun Onikeku, Kehinde Awaiye, Taiwo Awaiye
imágenes: Benoît Dervaux
diseño de la banda de sonido: Benoît Declerck
vestuario: Agathe Laemmel
Duración: 1 h.
www.heddymaalem.com
Martes 1 de mayo 8 tarde
La reina del Pay-Pay
PASIÓN VEGA
Educada desde niña en el mundo de la copla, Pasión Vega es una artista de enorme carácter que ha trascendido las limitaciones del género y ha creado un estilo único, nuevo y personal.
La reina del Pay-Pay nos habla de los eternos sufrimientos de los enamorados, los que son capaces de cantar o escuchar canciones así para aprender a sentir el desamor, trámite que, después de un mal amor, una vez cumplido, les permitirá, algún día, estar preparados para el buen amor. Pasión Vega se convierte en una narradora de sentimientos e historias en su nuevo trabajo, mezcla de lo mediterráneo, el jazz, la copla y el cabaret, La malagueña dedica estas sus nuevas canciones a las reinas de la posguerra simbolizadas en los hombres con alma de mujer, que actuaban en la sala de fiestas Pay-Pay, de Cádiz, local gaditano, muy de moda en los años 40 y 50.
Músicos: Jacob Sureda (piano, teclados y dirección musical), Paco Bastante (bajo eléctrico y coros), Roberto Jabonero (violín y mandolina), Tito Cartechini (bandoneón), Carlos Jiménez (guitarra elétrica/acústica, y coros), Vicente Climent (batería), J. Carlos Melián “Pana” (percusión), J.Juan Pantoja (guitarra flamenca), Coros: Maite Martínez.
Duración: 1 h. 30 m
www.pasionvega.info
Sábado 5 de mayo 8 tarde
Guerra de papel
COMPAÑÍA MIMIRICHI TEATRO
Mimirichi es una troupe de anarco-clowns, y su Guerra de papel una comedia melancólico-caótica, que se asemeja a esos sueños que siempre hemos tenido de pelearnos con mucha gente de forma divertida e inofensiva a papelazo limpio. La función hace un recorrido por varias historias sensibles y de gran ironía, pero estructuradas con creativas construcciones que el elenco realiza con papel. Figuras inverosímiles como animales y muebles se transforman para observar grandes escenarios que invitan literalmente al público a participar de ellas, en un estallido espontáneo de las risas y emociones más escondidas. Mimirichi es reconocido en toda Europa como uno de los colectivos más importantes de este género y está avalado para la gran cantidad de giras internacionales que han llevado a la compañía a Rusia, Suiza, República Checa, Eslovaquia, Austria, Bélgica, Polonia, Alemania, Francia, España, Portugal, Holanda, Inglaterra, Italia…
Guerra de papel es una parodia acerca de la megalomanía humana, de ese querer el control de todo y de todos. Cuenta de forma sencilla e ingeniosa la historia de un hombrecillo perseguido por todo el mundo, que, al entrar en contacto con el mundo exterior, se convierte en un aspirador humano. Es una original alegoría sobre una persona codiciosa que “aspira” todo para sí mismo, por cuya causa se infla hasta grandes dimensiones. Este hombrecillo hinchado se imagina a sí mismo como otro, un personaje importante, cuyas fantasías se desarrollan hasta tal punto que él maneja y gobierna el mundo. Pero la vida no solo puede enaltecer al dictador recién llegado, sino que puede devolverle a su lugar inicial.
Director: Igor Ivashchenko
Intérpretes: Igor Ivashchenko, Andrii Gonsales, Anatoliy Miroshnyk, Dmytro Zakaliuzhniy
Música: fonograma mezcla de Mimirichi
Duración: 1 h.
www.mimirichi.kiev.ua
Viernes 11 de mayo 8 tarde
La cantina… entre copa y copa
LILA DOWNS
Escuchar a Lila Downs en vivo es una experiencia absorbente, sobre todo por su privilegiadísima voz. Su música pertenece a las dos riberas del Río Grande: México y Estados Unidos. Heredera de dos culturas, la mexicana y la norteamericana, la cantante de Oaxaca recupera y reinventa la música tradicional mexicana. La ranchera, el corrido o el bolero adquieren en su voz una nueva dimensión. ¿Músicas del mundo? Downs acepta esta etiqueta en la medida en que también se aplica a la música de Madredeus, Cesária Evora o Marisa Monte. En cualquier caso, el canto indio mixteca, la ranchera, el corrido o el bolero adquieren en su voz una nueva dimensión a través de la fusión con instrumentos y arreglos procedentes de otros estilos musicales, como el jazz, el blues o la bosa nova.
Músicos: Lila Downs (voz, percusión), Paul Cohen (director musical, saxo tenor clarinete), Celso Duarte (arpa, Violín, jarana), Ghilherme Monteiro (guitarra), Yayo Serka (batería, cajón), Robert Curto (acordeón), Booker King (bajo)
Duración: 1h. 30m.
www.liladowns.com
Martes 15 de mayo 8 tarde
El chico de la última fila, de Juan Mayorga
Escuchar a Lila Downs en vivo es una experiencia absorbente, sobre todo por su privilegiadísima voz. Su música pertenece a las dos riberas del Río Grande: México y Estados Unidos. Heredera de dos culturas, la mexicana y la norteamericana, la cantante de Oaxaca recupera y reinventa la música tradicional mexicana. La ranchera, el corrido o el bolero adquieren en su voz una nueva dimensión. ¿Músicas del mundo? Downs acepta esta etiqueta en la medida en que también se aplica a la música de Madredeus, Cesária Evora o Marisa Monte. En cualquier caso, el canto indio mixteca, la ranchera, el corrido o el bolero adquieren en su voz una nueva dimensión a través de la fusión con instrumentos y arreglos procedentes de otros estilos musicales, como el jazz, el blues o la bosa nova.
Músicos: Lila Downs (voz, percusión), Paul Cohen (director musical, saxo tenor clarinete), Celso Duarte (arpa, Violín, jarana), Ghilherme Monteiro (guitarra), Yayo Serka (batería, cajón), Robert Curto (acordeón), Booker King (bajo)
Duración: 1h. 30m.
www.liladowns.com
Martes 15 de mayo 8 tarde
El chico de la última fila, de Juan Mayorga
Ur Teatro
Germán, un profesor de bachillerato de Lengua y Literatura, corrige las redacciones escritas por sus alumnos bajo el título Mi pasado fin de semana. Cada redacción le parece peor que la anterior. Hasta que llega a sus manos la firmada por Claudio, ese chico silencioso que se sienta en la última fila. Germán tendrá que leerla varias veces para convencerse de que sus ojos no le engañan. A partir de esa sorprendente redacción, entre el desencantado profesor y el extraño muchacho se establecerá un vínculo tan intenso como peligroso. Peligroso para ellos y para quienes les rodean.
Como es ya habitual en la escritura de Juan Mayorga, un autor que, a pesar de su juventud, se encuentra en una etapa de gran madurez artística, como lo acreditan las numerosas traducciones de sus obras a diferentes idiomas, los numerosos premios recibidos y la extraordinaria aceptación del público, es habitual, decía, una ruptura del tiempo y el espacio que provoca la acumulación de situaciones, de experiencias y de conflictos propia de la época en la que vivimos.
Directora: Helena Pimenta.
Escenografía y vestuario: José Tomé, Pedro Galván.
Intérpretes: Ramón Barea, José Tom, Carlos Jiménez-Alfaro, Ignacio Jiménez, Luisa Pazos, Natalie Pinot
Duración: 1h. 40 m.
www.emiliayague.com
Domingo 20 de mayo 6 y 8 tarde
Construyendo a Verónica
Germán, un profesor de bachillerato de Lengua y Literatura, corrige las redacciones escritas por sus alumnos bajo el título Mi pasado fin de semana. Cada redacción le parece peor que la anterior. Hasta que llega a sus manos la firmada por Claudio, ese chico silencioso que se sienta en la última fila. Germán tendrá que leerla varias veces para convencerse de que sus ojos no le engañan. A partir de esa sorprendente redacción, entre el desencantado profesor y el extraño muchacho se establecerá un vínculo tan intenso como peligroso. Peligroso para ellos y para quienes les rodean.
Como es ya habitual en la escritura de Juan Mayorga, un autor que, a pesar de su juventud, se encuentra en una etapa de gran madurez artística, como lo acreditan las numerosas traducciones de sus obras a diferentes idiomas, los numerosos premios recibidos y la extraordinaria aceptación del público, es habitual, decía, una ruptura del tiempo y el espacio que provoca la acumulación de situaciones, de experiencias y de conflictos propia de la época en la que vivimos.
Directora: Helena Pimenta.
Escenografía y vestuario: José Tomé, Pedro Galván.
Intérpretes: Ramón Barea, José Tom, Carlos Jiménez-Alfaro, Ignacio Jiménez, Luisa Pazos, Natalie Pinot
Duración: 1h. 40 m.
www.emiliayague.com
Domingo 20 de mayo 6 y 8 tarde
Construyendo a Verónica
Bramant Teatre
El proyecto rompe moldes en el espacio de representación y en su propia estructura, compuesta por tres piezas representadas de forma simultánea, pero independiente. Una obra que cambia el concepto tradicional del espacio escénico. Nunca una historia se ha contado tan cerca. El espectáculo, nominado al Mejor Espectáculo Teatral de los Premios Max 2007, toma como punto de partida la aparición de una mujer muerta. En el escenario se reparten 6 mesas en las que el único público de la sala se sienta y espera a que cada actor le cuente su relación con la fallecida. De esta manera cada espectador acaba construyendo su propia historia. La cercanía del dolor, la ternura, la esperanza, la risa, entre otras emociones, envuelven al espectador provocando en él todo tipo de sensaciones.
Construyendo a Verónica nace con el propósito de ser un espectáculo original: desde el espacio de representación hasta la estructura, compuesta por dos piezas escenificadas simultáneamente pero de manera independiente. Los espectadores podrán elegir uno de los recorridos: rojo o gris, dirigidos por directoras diferentes (el recorrido gris a cargo Gemma Miralles y el rojo a cargo de Inma Sancho). Cada uno de los recorridos incluye seis monólogos que serán interpretados en tiempos distintos. El público estará dividido en dos grupos de 60 personas sobre el escenario y, cada uno de ellos, verá la obra en diferente orden, sin que este hecho afecte a la comprensión y resolución de la historia.
Idea original y dramaturgia: Jerónimo Cornelles
Autores: Jerónimo Cornelles, Juli Disla, Alejandro Jornet, Jaume Policarpo, Patricia Pardo y Javier Ramos
Directoras: Gemma Miralles e Inma Sancho
Recorrido GRIS
Directora: Gemma Miralles
Intérpretes: Maria P.Bosch, Maribel Bayona, Begoña Tena, Toni Agustí, Carmen López, Victoria Salvador
Recorrido ROJO
Directora: Inmaculada Sancho
Intérpretes: Jessica Belda, Hector Fuster, Rosanna Espinós, Miguel Seguí, Tanya Beyeler, Teresa Crespo
Cantante: Pepa Dolz
Duración: 1 h. 20 m
www.construyendoaveronica.com
Miércoles 23 de mayo 8 tarde
Import Export
El proyecto rompe moldes en el espacio de representación y en su propia estructura, compuesta por tres piezas representadas de forma simultánea, pero independiente. Una obra que cambia el concepto tradicional del espacio escénico. Nunca una historia se ha contado tan cerca. El espectáculo, nominado al Mejor Espectáculo Teatral de los Premios Max 2007, toma como punto de partida la aparición de una mujer muerta. En el escenario se reparten 6 mesas en las que el único público de la sala se sienta y espera a que cada actor le cuente su relación con la fallecida. De esta manera cada espectador acaba construyendo su propia historia. La cercanía del dolor, la ternura, la esperanza, la risa, entre otras emociones, envuelven al espectador provocando en él todo tipo de sensaciones.
Construyendo a Verónica nace con el propósito de ser un espectáculo original: desde el espacio de representación hasta la estructura, compuesta por dos piezas escenificadas simultáneamente pero de manera independiente. Los espectadores podrán elegir uno de los recorridos: rojo o gris, dirigidos por directoras diferentes (el recorrido gris a cargo Gemma Miralles y el rojo a cargo de Inma Sancho). Cada uno de los recorridos incluye seis monólogos que serán interpretados en tiempos distintos. El público estará dividido en dos grupos de 60 personas sobre el escenario y, cada uno de ellos, verá la obra en diferente orden, sin que este hecho afecte a la comprensión y resolución de la historia.
Idea original y dramaturgia: Jerónimo Cornelles
Autores: Jerónimo Cornelles, Juli Disla, Alejandro Jornet, Jaume Policarpo, Patricia Pardo y Javier Ramos
Directoras: Gemma Miralles e Inma Sancho
Recorrido GRIS
Directora: Gemma Miralles
Intérpretes: Maria P.Bosch, Maribel Bayona, Begoña Tena, Toni Agustí, Carmen López, Victoria Salvador
Recorrido ROJO
Directora: Inmaculada Sancho
Intérpretes: Jessica Belda, Hector Fuster, Rosanna Espinós, Miguel Seguí, Tanya Beyeler, Teresa Crespo
Cantante: Pepa Dolz
Duración: 1 h. 20 m
www.construyendoaveronica.com
Miércoles 23 de mayo 8 tarde
Import Export
Les Ballets C. de la B.
Import-Export integra músicos y cantantes con bailarines, números de circo con solos de danza y música barroca con el jazz y melodías populares. Seis bailarines–acróbatas se unen a un cantante y cuatro músicos que actúan en vivo sobre el escenario. Un espectáculo que aúna ballet, danza contemporánea, break-dance, danza-teatro, circo… El tema principal es la impotencia respecto a un mundo que tiene dificultades para dejarse moldear en un sentido positivo; la impotencia que se siente cuando no se es capaz de cambiarlo ni contribuir en ningún modo a ello.
Import-Export integra músicos y cantantes con bailarines, números de circo con solos de danza y música barroca con el jazz y melodías populares. Seis bailarines–acróbatas se unen a un cantante y cuatro músicos que actúan en vivo sobre el escenario. Un espectáculo que aúna ballet, danza contemporánea, break-dance, danza-teatro, circo… El tema principal es la impotencia respecto a un mundo que tiene dificultades para dejarse moldear en un sentido positivo; la impotencia que se siente cuando no se es capaz de cambiarlo ni contribuir en ningún modo a ello.
El espectáculo incluye canciones profanas de compositores como Lambert, Charpentier, Clérambault… que contienen una calidad altamente emocional y apasionada. Guy Van Nueten, compositor y pianista, se ha encargado de los arreglos de la música y le ha añadido música electrónica. La química y el encuentro de la música barroca y la música electrónica contemporánea serán explorados en toda su intensidad.
Creación y dirección: Koen Augustijnen
Intérpretretes: Lazara Rosell Albear, Koen Augustijnen, Marie Bauer, Juan Benitez, Gaël Santisteva, Milan Szypura
Cantante: Steve Dugardin
Músicos : Cuarteto de cuerta Kirke. Eva Vermeeren (violín). Saartje De Muynck (violín). Evelien Vandeweerdt (alto). Herlinde Verheyden (cello).
Duración: 1 h. 30 m.
www.lesballetscdela.be
Martes 29 de mayo 8 tarde
El bazar de la langosta
Creación y dirección: Koen Augustijnen
Intérpretretes: Lazara Rosell Albear, Koen Augustijnen, Marie Bauer, Juan Benitez, Gaël Santisteva, Milan Szypura
Cantante: Steve Dugardin
Músicos : Cuarteto de cuerta Kirke. Eva Vermeeren (violín). Saartje De Muynck (violín). Evelien Vandeweerdt (alto). Herlinde Verheyden (cello).
Duración: 1 h. 30 m.
www.lesballetscdela.be
Martes 29 de mayo 8 tarde
El bazar de la langosta
Needcompany
El bazar de la langosta es una pesadilla en la cual podemos perdernos. Es una metáfora de la desesperación y la pena profundamente humana y devastadora, y también de la belleza del hombre. Una alucinación que huye de la realidad, una búsqueda de la seguridad humana, una búsqueda del objeto del deseo. Una imagen melancólica, que intenta perdurar en toda su belleza.
Teatro, música y danza. La compañía belga Needcompany destaca por añadir al teatro todos los medios posibles, entre ellos música, las videoproyecciones y danza. La tienda de la langosta, estrenada con gran éxito en el Festival de Avignon (Francia) de 2006, describe esa fracción de segundo en la que el dolor lo destruye todo y aparece la idea del suicidio.
Jan Lauwers pertenece al grupo de artistas que han propiciado un renacimiento de la escena belga, con la aparición de nombres como Jean Fabre, Anne Teresa De Keersmaeker o Vandekeybus. Como alguno de ellos, es un dramaturgo al que le gusta que las artes plásticas dialoguen con la danza, el teatro y el cine o el video.
Texto, puesta en escena y escenografía: Jan Lauwers
Música: Hans Petter Dahl, Maarten Seghers
Intérpretes: Hans Petter Dahl Axel, Gracia Ellen Barkey, Tijen Lawton Jef, Anneke Bonnema, Benoît Gob, Inge Van Bruystegem, Julien Faure, Maarten Seghers.
Duración: 90
Espectáculo en inglés y francés con subtítulos en castellano
www.needcompany.org
Viernes 1 y sábado 2 de junio 8 tarde
Marat Sade
El bazar de la langosta es una pesadilla en la cual podemos perdernos. Es una metáfora de la desesperación y la pena profundamente humana y devastadora, y también de la belleza del hombre. Una alucinación que huye de la realidad, una búsqueda de la seguridad humana, una búsqueda del objeto del deseo. Una imagen melancólica, que intenta perdurar en toda su belleza.
Teatro, música y danza. La compañía belga Needcompany destaca por añadir al teatro todos los medios posibles, entre ellos música, las videoproyecciones y danza. La tienda de la langosta, estrenada con gran éxito en el Festival de Avignon (Francia) de 2006, describe esa fracción de segundo en la que el dolor lo destruye todo y aparece la idea del suicidio.
Jan Lauwers pertenece al grupo de artistas que han propiciado un renacimiento de la escena belga, con la aparición de nombres como Jean Fabre, Anne Teresa De Keersmaeker o Vandekeybus. Como alguno de ellos, es un dramaturgo al que le gusta que las artes plásticas dialoguen con la danza, el teatro y el cine o el video.
Texto, puesta en escena y escenografía: Jan Lauwers
Música: Hans Petter Dahl, Maarten Seghers
Intérpretes: Hans Petter Dahl Axel, Gracia Ellen Barkey, Tijen Lawton Jef, Anneke Bonnema, Benoît Gob, Inge Van Bruystegem, Julien Faure, Maarten Seghers.
Duración: 90
Espectáculo en inglés y francés con subtítulos en castellano
www.needcompany.org
Viernes 1 y sábado 2 de junio 8 tarde
Marat Sade
Compañía Animalario y Centro Dramático Nacional
Animalario ha escogido, por considerarla la mejor, la versión que hizo Alfonso Sastre de Marat-Sade. Persecución y asesinato de Marat, el clásico contemporáneo que Peter Weiss escribió a partir de un hecho real: las representaciones que organizaba el marqués de Sade para público chic en el Sanatorio de Charenton, donde estaban recluidos los enfermos mentales de la sociedad parisina de después de la Revolución Francesa.
La función se organiza como la representación de una compañía teatral de un psiquiátrico que ha sido invitada a actuar en un teatro, y deja un amplio espacio a la improvisación de los actores, una idea que surgió en los preparativos del espectáculo. Más que nunca, este es un trabajo de creación colectiva de Animalario, compañía que no ha rebajado la profundidad intelectual del texto, pero sí ha querido hacerlo más accesible
La historia de Animalario comienza en 1996, cuando los actores Alberto San Juan, Guillermo Toledo, Nathalie Poza y Ernesto Alterio forman la compañía Ración de Oreja, con la que presentan el montaje Animalario, que sería el primer texto como autor de Alberto San Juan. Mientras representan Animalario conocen a Andrés Lima, y su afinidad en la manera de ver el teatro les lleva a realizar un nuevo montaje uniendo sus respectivas compañías. Un año más tarde, con los dos grupos ya unificados, adoptan el nombre de Animalario y estrenan El fin de los sueños, Tren de mercancías huyendo hacia el Oeste. Siete piezas, siete, Pornografía barata y Alejandro y Ana: todo lo que España no pudo ver del banquete de boda de la hija del presidente, por la que obtuvieron el Premios Max al mejor espectáculo de teatro, y a la mejor empresa de producción. Su anterior montaje, Hamelin fue galardonado en la edición de los Max 2006 con 4 premios MAX de las artes escénicas. Mejor Espectáculo, Mejor Autor, Mejor Director y Mejor Empresario Privado.
Dirección: Andrés Lima
Intérpretes: Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Virginia Nolting, Natalie Poza, Luís Bermejo, Javivi, Miguel Rellán, Roberto Álamo, Fernando Tejero, Cecilia Solaguren, Pepe Quero, Lola Casamayor, Tomás Pozzi, Alfonso Blanco, Luis Calero (contratenor), Maria Alfonsa Rosso.
Músicos: Miguel Malla (Director musical, clarinete, saxofón), Mauro Mieta (teclados y guitarra), Inma Crespo (percusión), Aurora Martínez (cello).
Duración: 2 h. 30 m.
www.animalario.net
www.cdn.mcu.es
ESPECTÁCULOS DE CALLE
Sábado 28 de abril de 2007 8 tarde
EL VIAJE DE LOS SUEÑOS DEL AGUA
Compañía Malabar
La nave de los sueños de agua arrastra al público, con sus olas de espuma. Extraños personajes muestran sus proezas trepando por los mástiles de un barco, entremezclándose en el público con impresionantes saltos desde zancos neumáticos. Sobre el barco, música en directo y bailarines recreando el movimiento y los sonidos del mar y la aventura. La compañía francesa Malabar crea un universo fantástico en la calle con espectáculos urbanos en movimiento y apostando siempre por la interactividad con el público.
Animalario ha escogido, por considerarla la mejor, la versión que hizo Alfonso Sastre de Marat-Sade. Persecución y asesinato de Marat, el clásico contemporáneo que Peter Weiss escribió a partir de un hecho real: las representaciones que organizaba el marqués de Sade para público chic en el Sanatorio de Charenton, donde estaban recluidos los enfermos mentales de la sociedad parisina de después de la Revolución Francesa.
La función se organiza como la representación de una compañía teatral de un psiquiátrico que ha sido invitada a actuar en un teatro, y deja un amplio espacio a la improvisación de los actores, una idea que surgió en los preparativos del espectáculo. Más que nunca, este es un trabajo de creación colectiva de Animalario, compañía que no ha rebajado la profundidad intelectual del texto, pero sí ha querido hacerlo más accesible
La historia de Animalario comienza en 1996, cuando los actores Alberto San Juan, Guillermo Toledo, Nathalie Poza y Ernesto Alterio forman la compañía Ración de Oreja, con la que presentan el montaje Animalario, que sería el primer texto como autor de Alberto San Juan. Mientras representan Animalario conocen a Andrés Lima, y su afinidad en la manera de ver el teatro les lleva a realizar un nuevo montaje uniendo sus respectivas compañías. Un año más tarde, con los dos grupos ya unificados, adoptan el nombre de Animalario y estrenan El fin de los sueños, Tren de mercancías huyendo hacia el Oeste. Siete piezas, siete, Pornografía barata y Alejandro y Ana: todo lo que España no pudo ver del banquete de boda de la hija del presidente, por la que obtuvieron el Premios Max al mejor espectáculo de teatro, y a la mejor empresa de producción. Su anterior montaje, Hamelin fue galardonado en la edición de los Max 2006 con 4 premios MAX de las artes escénicas. Mejor Espectáculo, Mejor Autor, Mejor Director y Mejor Empresario Privado.
Dirección: Andrés Lima
Intérpretes: Alberto San Juan, Pedro Casablanc, Virginia Nolting, Natalie Poza, Luís Bermejo, Javivi, Miguel Rellán, Roberto Álamo, Fernando Tejero, Cecilia Solaguren, Pepe Quero, Lola Casamayor, Tomás Pozzi, Alfonso Blanco, Luis Calero (contratenor), Maria Alfonsa Rosso.
Músicos: Miguel Malla (Director musical, clarinete, saxofón), Mauro Mieta (teclados y guitarra), Inma Crespo (percusión), Aurora Martínez (cello).
Duración: 2 h. 30 m.
www.animalario.net
www.cdn.mcu.es
ESPECTÁCULOS DE CALLE
Sábado 28 de abril de 2007 8 tarde
EL VIAJE DE LOS SUEÑOS DEL AGUA
Compañía Malabar
La nave de los sueños de agua arrastra al público, con sus olas de espuma. Extraños personajes muestran sus proezas trepando por los mástiles de un barco, entremezclándose en el público con impresionantes saltos desde zancos neumáticos. Sobre el barco, música en directo y bailarines recreando el movimiento y los sonidos del mar y la aventura. La compañía francesa Malabar crea un universo fantástico en la calle con espectáculos urbanos en movimiento y apostando siempre por la interactividad con el público.
Dirección y dramaturgia: Sylvestre JAMET
Música: Jean Michel DUBUC – Thierry MERCIER SADOU
Intérpretes:
Zancudos: Julien FAUCHER, Karim RANDE, David RAGOT, Gilles MOUGINOT
Acróbatas: Edouard DOYE (mástil chino), Bénédicte ENGELIBERT (tela)
Músicos: Thierry MERCIER SADOU, Jérôme CHAMPLET, Sylvestre JAMET
Salida: Plaza Merindades. 8 tarde
Recorrido: Plaza Merindades, Avda Carlos III y Plaza del Castillo
Duración: 1h. 15m.
www.ciemalabar.com
En colaboración con el Área de Educación, Juventud y Deporte del Ayuntamiento de Pamplona
Sábado 12 de mayo 8 tarde
SPANISH BLOOD (SANGRÍA)
Compañía Azar Teatro
Un espectáculo itinerante, sobre patines, donde se dan cita, recurriendo a la técnica de lo excesivo, toreros, cigarreras y sargentos de dragones. Acompañando al espectáculo, una cantante lírica pone al público en ambiente de ópera. Una peculiar y libre adaptación de la Carmen de Merimée, con una ligera reducción del número de personajes y un cambio en sus roles sexuales.
Dirección y dramaturgia: Javier Esteban Lamarca
Intérpretes: Francisco Mateo, Alejandro Cano, César Martín, Óscar de la Fuente, Isabel Zamorano.
Vestuario: Mario Pérez Tapanes.
Salida: Teatro Gayarre. 8 tarde (puerta principal)
Recorrido: Teatro Gayarre, Plaza del Castillo
Duración: 50m.
www.azar-teatro.com
NUEVAS COMPAÑÍAS, NUEVAS ESCENAS
Jueves 10 de mayo de 2007 8 tarde
PIC-NIC
Compañía La Ortiga T.D.S.
Pic-Nic es la primera obra del genial dramaturgo Fernando Arrabal. Podría ser definida como una tragicomedia escrita en clave surrealista en la que se habla de los hombres, de la soledad, de la muerte, de la familia, pero sobre todo de la guerra, del absurdo de la guerra. La compañía navarra. La Ortiga TDS, galardonada con el primer premio de Artes Escénicas de los Encuentros de Jóvenes Artistas 2006 con su obra El Maqui, cumple ahora cinco años y estrena este su quinto montaje
Autor: Fernando Arrabal
Dirección: Angel Sagüés
Intérpretes: Joseba Morrás, Iratxe García. Eneko Otermin, Ion Iraizoz, Santi Litago, Txori García
Duración: 1 h.
Entrada libre
Jueves 17 de mayo 8 tarde
CAMBALACHE
Compañía Caracois
Tras una primera propuesta tan arriesgada y poco convencional como A los hombres futuros, que le valió el primer premio de Artes Escénicas de los Encuentros de Jóvenes Artistas 2005, Caracois estrena este su segundo montaje, un espectáculo de creación propia basado en textos de autores como Benedetti o Cortazar con personajes que desnudan sus sentimientos y ofrecen sus impresiones sobre la felicidad, el amor, la religión o el sexo. Con música en directo, La Orquestina del Vodevil envuelve el ambiente y teje el hilo de una dramaturgia invisible.
Dramaturgia y dirección: Caracois
Intérpretes: Maria Moreno, Iratxe García, Juan Sam Segundo, Eneko Otermin, Maider Galarza, Inés Bengoa, Txori García, Elvira Caballero, Nerea Bonito.
Músicos: Jon Celestino, Iker Lorea
Duración: 1h
Entrada libre
TEATRULIAS
En paralelo a la exhibición de los diferentes espectáculos se van a desarrollar en el ambigú del Café Niza, como actividad complementaria, las TEATRULIAS, unas tertulias abiertas a las que los espectadores podrán asistir nada más acabar las representaciones para, en un ambiente distendido, poder interpelar a los creadores del espectáculo, comentar e intercambiar impresiones, preguntar dudas, criticar, reflexionar…
15 de mayo, martes
UR TEATRO
“El chico de la última fila”
Encuentro con miembros de la compañía
20 de mayo, domingo
BRAMANT TEATRO
“Construyendo a Verónica”
Encuentro con miembros de la compañía
23 de mayo, miércoles
LES BALLETS C. DE LA B.
“Import Export”
Encuentro con Koen Augustijnen (director) y Juan Benitez (actor-bailarin)
1 de junio, viernes
ANIMALARIO Y CENTRO DRAMATICO NACIONAL
“Marat Sade”
Encuentro con Andrés Lima (director) y miembros de la Compañía.
Moderador: Víctor Iriarte
ENTRADA LIBRE
Lugar: AMBIGÚ DEL CAFÉ NIZA
Horario: Después de cada función
CICLO DE CONFERENCIAS
El Festival Teatro Gayarre se complementa con una serie de conferencias enmarcadas dentro del título genérico de “Comedia”, que organiza la Escuela Navarra de Teatro, en las que destacados especialistas hablarán sobre la creación escénica.
2 de mayo, miércoles
Hora: 12,30h.
El destino trágico del clown (apuntes para una reflexión sobre los payasos)
Conferenciante: Hernán Gené, Actor, director, dramaturgo y pedagogo.
3 de mayo, jueves
Hora: 12,30 h
Los comediantes y su relación con la Comedia Áurea española
Maite Pascual Bonís. Investigadora de Artes Escénicas y Teatro de la Edad Áurea Española, profesora de la Escuela Navarra de Teatro
4 de mayo, viernes
Hora: 12,30 h.
Los mecanismos de la comedia
Ignacio García May, Dramaturgo, profesor de Escritura Teatral e Historia de las Artes del Espectáculo en la RESAD de Madrid.
7 de mayo, lunes
Hora: 12,30 h.
Lo cómico en el teatro de Malayerba
Arístides Vargas, Actor de teatro y cine, director y autor dramático,
Música: Jean Michel DUBUC – Thierry MERCIER SADOU
Intérpretes:
Zancudos: Julien FAUCHER, Karim RANDE, David RAGOT, Gilles MOUGINOT
Acróbatas: Edouard DOYE (mástil chino), Bénédicte ENGELIBERT (tela)
Músicos: Thierry MERCIER SADOU, Jérôme CHAMPLET, Sylvestre JAMET
Salida: Plaza Merindades. 8 tarde
Recorrido: Plaza Merindades, Avda Carlos III y Plaza del Castillo
Duración: 1h. 15m.
www.ciemalabar.com
En colaboración con el Área de Educación, Juventud y Deporte del Ayuntamiento de Pamplona
Sábado 12 de mayo 8 tarde
SPANISH BLOOD (SANGRÍA)
Compañía Azar Teatro
Un espectáculo itinerante, sobre patines, donde se dan cita, recurriendo a la técnica de lo excesivo, toreros, cigarreras y sargentos de dragones. Acompañando al espectáculo, una cantante lírica pone al público en ambiente de ópera. Una peculiar y libre adaptación de la Carmen de Merimée, con una ligera reducción del número de personajes y un cambio en sus roles sexuales.
Dirección y dramaturgia: Javier Esteban Lamarca
Intérpretes: Francisco Mateo, Alejandro Cano, César Martín, Óscar de la Fuente, Isabel Zamorano.
Vestuario: Mario Pérez Tapanes.
Salida: Teatro Gayarre. 8 tarde (puerta principal)
Recorrido: Teatro Gayarre, Plaza del Castillo
Duración: 50m.
www.azar-teatro.com
NUEVAS COMPAÑÍAS, NUEVAS ESCENAS
Jueves 10 de mayo de 2007 8 tarde
PIC-NIC
Compañía La Ortiga T.D.S.
Pic-Nic es la primera obra del genial dramaturgo Fernando Arrabal. Podría ser definida como una tragicomedia escrita en clave surrealista en la que se habla de los hombres, de la soledad, de la muerte, de la familia, pero sobre todo de la guerra, del absurdo de la guerra. La compañía navarra. La Ortiga TDS, galardonada con el primer premio de Artes Escénicas de los Encuentros de Jóvenes Artistas 2006 con su obra El Maqui, cumple ahora cinco años y estrena este su quinto montaje
Autor: Fernando Arrabal
Dirección: Angel Sagüés
Intérpretes: Joseba Morrás, Iratxe García. Eneko Otermin, Ion Iraizoz, Santi Litago, Txori García
Duración: 1 h.
Entrada libre
Jueves 17 de mayo 8 tarde
CAMBALACHE
Compañía Caracois
Tras una primera propuesta tan arriesgada y poco convencional como A los hombres futuros, que le valió el primer premio de Artes Escénicas de los Encuentros de Jóvenes Artistas 2005, Caracois estrena este su segundo montaje, un espectáculo de creación propia basado en textos de autores como Benedetti o Cortazar con personajes que desnudan sus sentimientos y ofrecen sus impresiones sobre la felicidad, el amor, la religión o el sexo. Con música en directo, La Orquestina del Vodevil envuelve el ambiente y teje el hilo de una dramaturgia invisible.
Dramaturgia y dirección: Caracois
Intérpretes: Maria Moreno, Iratxe García, Juan Sam Segundo, Eneko Otermin, Maider Galarza, Inés Bengoa, Txori García, Elvira Caballero, Nerea Bonito.
Músicos: Jon Celestino, Iker Lorea
Duración: 1h
Entrada libre
TEATRULIAS
En paralelo a la exhibición de los diferentes espectáculos se van a desarrollar en el ambigú del Café Niza, como actividad complementaria, las TEATRULIAS, unas tertulias abiertas a las que los espectadores podrán asistir nada más acabar las representaciones para, en un ambiente distendido, poder interpelar a los creadores del espectáculo, comentar e intercambiar impresiones, preguntar dudas, criticar, reflexionar…
15 de mayo, martes
UR TEATRO
“El chico de la última fila”
Encuentro con miembros de la compañía
20 de mayo, domingo
BRAMANT TEATRO
“Construyendo a Verónica”
Encuentro con miembros de la compañía
23 de mayo, miércoles
LES BALLETS C. DE LA B.
“Import Export”
Encuentro con Koen Augustijnen (director) y Juan Benitez (actor-bailarin)
1 de junio, viernes
ANIMALARIO Y CENTRO DRAMATICO NACIONAL
“Marat Sade”
Encuentro con Andrés Lima (director) y miembros de la Compañía.
Moderador: Víctor Iriarte
ENTRADA LIBRE
Lugar: AMBIGÚ DEL CAFÉ NIZA
Horario: Después de cada función
CICLO DE CONFERENCIAS
El Festival Teatro Gayarre se complementa con una serie de conferencias enmarcadas dentro del título genérico de “Comedia”, que organiza la Escuela Navarra de Teatro, en las que destacados especialistas hablarán sobre la creación escénica.
2 de mayo, miércoles
Hora: 12,30h.
El destino trágico del clown (apuntes para una reflexión sobre los payasos)
Conferenciante: Hernán Gené, Actor, director, dramaturgo y pedagogo.
3 de mayo, jueves
Hora: 12,30 h
Los comediantes y su relación con la Comedia Áurea española
Maite Pascual Bonís. Investigadora de Artes Escénicas y Teatro de la Edad Áurea Española, profesora de la Escuela Navarra de Teatro
4 de mayo, viernes
Hora: 12,30 h.
Los mecanismos de la comedia
Ignacio García May, Dramaturgo, profesor de Escritura Teatral e Historia de las Artes del Espectáculo en la RESAD de Madrid.
7 de mayo, lunes
Hora: 12,30 h.
Lo cómico en el teatro de Malayerba
Arístides Vargas, Actor de teatro y cine, director y autor dramático,
Lugar: ESCUELA NAVARRA DE TEATRO
(Calle San Agustín, 5)
(Calle San Agustín, 5)
Comenzaron los actos del Día Mundial del Teatro
La X edición de la Noche de Max Estrella comenzó puntual en el Pretil de los Consejos su singular recorrido por las calles de Madrid, seguido por una variopinta comitiva y reivindicando, esta vez, el "teatro de los ciudadanos y no de los consumidores".
La Noche de Max Estrella es un recorrido por el Madrid que Valle-Inclán retrató en Luces de bohemia y por otros lugares emblemáticos de la ciudad, que hasta ahora se ha celebrado en abril -con motivo del Día del Libro-, pero que este año se ha adelantado para conmemorar el Día Mundial del Teatro, que se festeja mañana.
"Después de 10 años, la Noche de Max Estrella está calando en la ciudadanía, porque el teatro es del ciudadano, no del consumidor", comentaba minutos antes de comenzar el recorrido Ignacio Amestoy, director de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) y uno de los fundadores de esta iniciativa que organiza el Círculo de Bellas Artes.
Tras la bienvenida con la que Amestoy, maestro de ceremonias, recibe a los cofrades -como se llaman a sí mismos los participantes en esta iniciativa-, el catedrático de la Universidad Complutense Javier Huerta dio el pistoletazo de salida al grito de "¡Larga vida a la Noche de Max Estrella!" y calificando a Luces de bohemia de "tragedia como la copa de un pino". Tras esta primera parada, los participantes disfrutaron del primer refrigerio de la noche, para continuar hacia la casa donde se suicidó Larra, donde cada año el crítico Enrique Centeno coloca unas flores. Y tras el sonido de repicar de una campana, los cofrades siguieron disfrutando de otras paradas por el Madrid más castizo, amenizados por las intervenciones de personalidades del mundo del teatro, como el director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Eduardo Vasco, quien recordó la diabólica vida de los comediantes, por tantos años perseguida, junto a la que fue la casa de Calderón de la Barca.
Frente a la Chocolatería de San Ginés, se midieron las nuevas tendencias de las artes escénicas con la tradición, gracias a la aplaudida intervención del director del Festival Escena Contemporánea, Roberto Cerdá, y el actor Alberto Giménez, mientras que el último Premio Nacional de Literatura Dramática, Santiago Martín Bermúdez, se vio ante el "aprieto incalculable" de hacer una loa a Lope de Vega en la Calle Mayor. Entre los participantes de esta noche figuran también el periodista Moncho Alpuente y el candidato socialista a la alcaldía de la Villa y Corte, Miguel Sebastián, según los organizadores. La comitiva termina su recorrido cantando El babilonio, el himno de los cofrades, en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes, que invita en el Salón de Baile a una chocolatada para reponer fuerzas.
Y, ahora, la noche de los teatros en Madrid
Las artes escénicas se vestirán de fiesta el jueves 29 de marzo en La Noche de los Teatros, una iniciativa pionera que ofrecerá ocho horas consecutivas de espectáculo en 45 teatros de Madrid y otras actividades especiales, desde danza en la calle, café-teatro, conferencias e improvisaciones. Al calor del Día Mundial del Teatro, que se celebra el 27 de marzo, y tras la experiencia de La Noche de los Libros, la Consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid ha puesto en marcha esta iniciativa a la que se han sumado teatros privados y públicos, incluidos los adscritos al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM) y al Ayuntamiento de Madrid, así como el Círculo de Bellas Artes, el Ateneo de Madrid y la Casa de América.
Desde las 17.00 horas y hasta la una de la madrugada, la Noche de los Teatros quiere ser una fiesta popular que fomente la asistencia del público a los espectáculos y rinda homenaje a la "excepcional" cartelera madrileña y a los teatros que tanto hacen por la cultura, explicó el consejero de Cultura y Deporte, Santiago Fisas.
103 autores, 110 directores, 14 compañías y 485 actores participan en esta fiesta, que busca "poner en valor" la programación habitual de las salas madrileñas, que el jueves 29 de marzo recibirán a los espectadores con música clásica o de jazz, y que después de la función propiciarán un brindis con los actores.
El pistoletazo de salida lo dará Josep Maria Pou, que estos días representa en Madrid La cabra y que regresará a la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) para leer el pregón, mientras que el director de escena Juan Carlos Pérez de la Fuente cerrará la velada con ¡Jugad, jugad! Esto es un escenario, un recorrido por los textos españoles más significativos del último siglo en la Real Fábrica de Tapices.
De manera especial, el Teatro Albéniz ofrecerá un doble programa de Danza, con Losdedae Danza y Provisional Danza -compañías dirigidas por Chevi Muraday y Carmen Wermer, respectivamente-, seguido de un Chat de Improvisación Teatral, a cargo de la compañía Impromadrid Teatro. Además, para complementar la programación habitual, se han organizado otras actividades como las charlas y conferencias que protagonizarán Calixto Bieito, presentado por Juan Mayorga en la Consejería de Cultura y Deportes, o Helena Pimenta y Roberto Cerdá, en el Complejo El Aguila, seguidos por Eva Yerbabuena y Mónica Valenciano, que hablarán de sus experiencias en el mundo del baile.
El Ateneo de Madrid se suma con la proyección de espectáculos de los últimos 25 años, mientras que el Círculo de Bellas Artes propondrá un combate de teatro joven y café-teatro, y la Casa de América ha organizado lecturas dramatizadas de autores latinoamericanos. Las artes escénicas invadirán la calle con un Festival que llevará a la Plaza de Sánchez Bustillo (junto al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) Cápsulas de teatro, una propuesta en la que participan siete compañías de creación contemporánea y que se desarrolla en containers, donde caben 20 espectadores y un actor.
Además, las plazas de Vázquez de Mella y Chueca acogerán las propuestas de danza de Dani Pannullo, Lola Jiménez, Valeria Alonso, Carlos Chamorro, Vero Cendoya, Guille Vidal-R.Belil, Ricardo Santana y Oscar Lozano. En el exterior del recién inaugurado Circo Price habrá lecturas dramatizadas de textos de la literatura universal relacionados con el circo, dirigidas por Marcus Von Watchel y acompañadas por un quinteto de cuerda.
Editada "La chica junto al flexo", de Víctor Iriarte, premio nacional de teatro Calderón de la Barca 2006
Hola. Os comento que ya está impresa la obra de teatro La chica junto al flexo, con la que gané el premio nacional de teatro Calderón de la Barca 2006. La obra se presentó públicamente el lunes en la sede del Ministerio de Cultura, en Madrid, en un acto presidido por el subdirector general del INAEM, Fernando Cerón. Si queréis saber algo más, pinchad aquí y aquí.
Hubo canapés, pero os los perdisteis. Y estaban muy buenos.
También se presentó la Revista Digital de la Escena 2006. Está muy bien, en formato CD (18 euros), pero está colgada en Internet. Tiene muchos contenidos y muy interesantes, con vídeos rodados ex profeso. Os recomiendo que le echéis un vistazo.
Mañana os pongo la portada de mi libro, que hoy ando un poco liado.
MENSAJE en el Día Mundial del Teatro
El mensaje este año 2007 en el Día Mundial del Teatro lo firma el sultán Sheikh bin Mohammed Al Qasimi.
Muy joven descubrí el amor por el mundo fascinante del teatro. Pude entender y aprovechar su verdadera esencia cuando empecé a crear, dirigir y actuar en una obra teatral de carácter político que provocó la cólera de las autoridades de la época. Confiscaron todo lo que se encontraba en el teatro, y procedieron a su cierre ante mis propios ojos. El espíritu del teatro que vivía en mí no tenía otra elección, frente a los soldados armados, que la de refugiarse y aferrarse a mi conciencia. En ese momento comprendí la fuerza y el poder del teatro frente a quienes no toleran la opinión de los otros, y aprendí, con certeza, el papel grave e importante que el teatro puede desempeñar en la vida de los pueblos.
Durante mis años de estudiante universitario en El Cairo, la escena penetró en lo profundo de mi conciencia y echó raíces, leí todo cuanto se escribía sobre el teatro y tuve ocasión de asistir a los espectáculos más diversos. Este descubrimiento profundizó en años posteriores y hoy, el teatro continúa interesándome de manera general.
He aprendido, gracias a mis lecturas desde la antigua Grecia hasta nuestros días, la magia potencial que el mundo del teatro contiene y su capacidad para descubrir las profundidades del alma humana y revelar sus misterios. El teatro constituye un factor de unificación de los seres humanos y el hombre puede, a través de él, llenar el mundo de amistad y abrir horizontes de diálogo entre los pueblos, sin distinción de raza, color o creencia.
Ha sido para mí un factor suplementario para aceptar al otro tal cual es. He comprendido, también, que el bien unifica a los seres humanos y que el mal los separa. Las guerras que han golpeado a la humanidad desde los viejos tiempos han encontrado profundas justificaciones en las intenciones maléficas de los que no saben apreciar la belleza. Y la belleza perfecta solo se encuentra en el arte del teatro, recipiente que contiene todas las bellas artes. El que no saborea la belleza no puede apreciar el valor de la vida y el teatro es la vida.
Necesitamos hoy rechazar las guerras, absurdas en todas sus formas, y las discrepancias dogmáticas que flagelan, en ausencia de un freno moral, los espectáculos de violencia y asesinatos ciegos que van a sumergir al planeta en un mundo siniestrado por epidemias endémicas o los problemas de desertización y sequía. Todo ello es causado por la ausencia de un diálogo auténtico que posibilite hacer de este mundo un lugar donde vivir juntos.
Amigos del teatro, una tempestad se desencadena sobre nuestro planeta causada por la violencia de un torbellino de sospechas y suspicacias, que amenaza con impedirnos tener una visión clara de las cosas. Nuestras voces son sofocadas y no llegan a todos los oídos a causa de la violencia y la división entre los pueblos. Esta tempestad amenaza con desviarnos para alejarnos a unos de los otros. Debemos oponernos a los que hacen sonar la corneta para desencadenar tempestades; no para destruirlos, sino para alejarnos de atmósferas contaminadas y consagrar nuestros esfuerzos a la comunicación y establecimiento de relaciones amistosas con quienes predican la fraternidad entre los pueblos. Si el teatro depende de la vida, nosotros estamos abocados a la desaparición.
viernes 23 de marzo de 2007
El martes, en el Gayarre, dos estrenos de autores navarros
El martes 27 de marzo (8 tarde. Entrada libre), el Teatro Gayarre quiere celebrar el DÍA MUNDIAL DEL TEATRO con el estreno absoluto de las obras Nunca jamás, de Miguel Goikoetxandia, y Amsterdam, de Pedro Charro. Las dos obras, que cuentan con la dirección de escena de Miguel Munárriz, son fruto del III Taller de Escritura Teatral del Teatro Gayarre que ha dirigido el escritor y guionista escocés Chris Dolan, y con ellas se pone fin a la presente edición del ciclo Pequeñas Obras de Nuevos Autores.
El escenario del Teatro Gayarre ha acogido, dentro de este ciclo, la puesta en escena de las obras escritas por los participantes, además de otras dos escritas por el director de escena de todas las obras del ciclo, Miguel Munárriz, y la coordinadora del Taller, Maite Pérez Larumbe. Esta experiencia, una vez más, ha permitido presenciar el estreno absoluto de unos textos, más o menos breves, inéditos hasta su puesta en escena.
El escenario del Teatro Gayarre ha acogido, dentro de este ciclo, la puesta en escena de las obras escritas por los participantes, además de otras dos escritas por el director de escena de todas las obras del ciclo, Miguel Munárriz, y la coordinadora del Taller, Maite Pérez Larumbe. Esta experiencia, una vez más, ha permitido presenciar el estreno absoluto de unos textos, más o menos breves, inéditos hasta su puesta en escena.
Con esta velada de celebración con la que se cierra el ciclo, nuestra escenario habrá servido para asistir al estreno absoluto de los siguientes títulos: Extremófilos, de Maite Pérez Larumbe; La última esperanza, de Miguel Munárriz; La definición de un genio, de Pablo Salaberri; En patera rumbo al sur, de Jesús Arana; Nunca jamás ; de Miguel Goikoetxandia; y Amsterdam, de Pedro Charro.
Tanto el texto de Miguel Goikoetxandia como el de Pedro Charro tienen como trasfondo el amor, o el desamor, de dos parejas. Nunca jamás es una historia de amor contada al revés. Es decir, el público conoce desde el principio cual es el desenlace y al ir la historia hacia atrás va mostrando las incompatibilidades que van apareciendo en cada miembro de la pareja. Amsterdam, sin embargo, parte de una pregunta que parece hacerse al público: “¿Recuperar un amor? No se sabe…”. Lo personajes hacen balance de su relación de sus encuentros y desencuentros y tratan de descubrir quién es realmente su hijo.
Tanto el texto de Miguel Goikoetxandia como el de Pedro Charro tienen como trasfondo el amor, o el desamor, de dos parejas. Nunca jamás es una historia de amor contada al revés. Es decir, el público conoce desde el principio cual es el desenlace y al ir la historia hacia atrás va mostrando las incompatibilidades que van apareciendo en cada miembro de la pareja. Amsterdam, sin embargo, parte de una pregunta que parece hacerse al público: “¿Recuperar un amor? No se sabe…”. Lo personajes hacen balance de su relación de sus encuentros y desencuentros y tratan de descubrir quién es realmente su hijo.
Tanto Nunca jamás como Amsterdam han sido dirigidas por Miguel Munárriz, que ha contado, para la primera con un elenco formado por Leire Ruiz e Imanol Espinazo, y para la segunda con los actores Imanol Espinazo, Marta Juániz y Ricardo Romanos.
Un musical basado en Joaquín Sabina, hoy en Beriain
La Casa de Cultura de Beriáin acoge el viernes 23 de marzo, a las 22.00 horas y con entrada a 3 euros, la representación del espectáculo músico-teatral Hotel, dulce hotel, interpretado por la compañía catalana Hotel Cochambre y basado en la vida y obra del poeta y músico Joaquín Sabina.
Casi tres años de éxito ininterrumpido avalan este montaje, que mezcla música, interpretación y humor, con Benito Inglada, actor y cantante que encarna a Sabina. También intervienen Kike Serrano (piano y teclados), Toni Roland (batería), Joan Vila (guitarra y voces), José Guerrero (bajo y voces) y Angelita (voces).
Casi tres años de éxito ininterrumpido avalan este montaje, que mezcla música, interpretación y humor, con Benito Inglada, actor y cantante que encarna a Sabina. También intervienen Kike Serrano (piano y teclados), Toni Roland (batería), Joan Vila (guitarra y voces), José Guerrero (bajo y voces) y Angelita (voces).
jueves 22 de marzo de 2007
AGENDA TEATRAL: Gronholm y Pequeñas Obras de Nuevos Autores
JUEVES 22 MARZO.
TEATRO GAYARRE. El método Gronholm, de Jordi Galcerán, con Carlos Hipólito, María Pujalte, Jorge Roelas y Eleazar Ortiz. Dirección: Tamzin Townsend.
Jueves 22, viernes 23, sábado 24 y domingo 25 de marzo a las 20 horas. Precios: 20 euros (sala), 15 euros (palco) y 6 euros (anfiteatro).
CASA DE LA JUVENTUD. El III Foro Pamplona Joven, dedicado esta vez a Drogas y Juventud, ha abierto hoy su programa con dos representaciones de entrada libre, la primera ha tenido lugar a las 12.30 horas y la segunda tiene lugar a las 20.00 horas, de la obra de teatro por la compañía cántabra Miriñaque Encadenados.
VIERNES 23 DE MARZO.
TAFALLA. Ciclo Noches de teatro. El grupo Almadía Teatro presenta Educando a Rita. Salón de actos de la Casa de Cultura de Tafalla a las 20.30 horas. Entrada: 5 euros.
PAMPLONA. Salón de Actos de los INSTITUTOS PLAZA DE LA CRUZ. El TALLER DE TEATRO presenta En la ardiente oscuridad, de Antonio Buero Vallejo. A las 18 horas. Entrada libre.
SÁBADO 24 DE MARZO.
ALSASUA. Tantaka Teatroa presenta El florido pensil. Sábado, a las 20.30 horas, en el centro cultural Iortia de Alsasua.
La misma obra, el domingo 25 de marzo a las 20 horas en la Casa de Cultura María de Maeztu de ARTICA (calle Camino de la Fuente, 1). Precio: 5 euros. Venta de entradas: anticipada en las oficinas generales del Ayuntamiento de Berrioplano de 9 a 14 horas y en taquilla una hora antes del espectáculo.
CIVICAN. Ángeles de Trapo, con Tres historias tres a cargo. Dirección: Julio Gallo. Espectáculos de títeres para niños desde 4 años acompañados por adultos. Es necesario retirar las invitaciones el mismo día de la actuación desde las 17 horas en el servicio de información. A las 18 horas. Entrada libre.
SALÓN DE ACTOS DEL INSTITUTO NAVARRO VILLOSLADA.
La posadera, de Carlo Goldoni, en comedia musical. Director: Ignacio Aranguren. Sábado 24, a las 20.00 horas, para el público general. Para asistir a estas representaciones, es necesario solicitar primero una invitación en el instituto, y el día de la función, una hora antes de que dé comienzo, canjearla por la entrada gratuita definitiva.
DOMINGO 25 DE MARZO.
ALSASUA. Un infantil. La cerillera. Domingo 25 de marzo, a las 17 horas, en el centro cultural Iortia.
NOAIN. Otro infantil. Markeliñe representa La vuelta al mundo en 80 cajas. a las 18 horas, Entrada: 3 euros/2 anticipada (hasta el viernes anterior a la función). Para niños a partir de 5 años.
VILLAVA. Spasmo Teatro representa Humorama. A las 20 horas en el Espacio Escénico de la Casa de Cultura de Villava (entrada por la travesía Esteban Armendáriz). Precio: 5 euros Venta de entradas: en la Casa de Cultura de lunes a viernes de 17 a 21 horas y los días de la función 20 minutos antes el Espacio Escénico).
MURCHANTE. El grupo Castejón de la Barca presenta La venganza de Don Mendo, de Pedro Muñoz Seca. Domingo a las 19 horas en la Casa de Cultura de Murchante. Precio: 2 euros.
MARTES 27, DÍA MUNDIAL DEL TEATRO.
TEATRO GAYARRE. PEQUEÑAS OBRAS DE NUEVOS AUTORES.
Estreno de Amsterdam, de Pedro Charro, y Sólo hay palabras, de Miguel Goikoetxandía. Dirige: Miguel Munárriz. 20:00 horas. Entrada libre.
TEATRO GAYARRE. El método Gronholm, de Jordi Galcerán, con Carlos Hipólito, María Pujalte, Jorge Roelas y Eleazar Ortiz. Dirección: Tamzin Townsend.
Jueves 22, viernes 23, sábado 24 y domingo 25 de marzo a las 20 horas. Precios: 20 euros (sala), 15 euros (palco) y 6 euros (anfiteatro).
CASA DE LA JUVENTUD. El III Foro Pamplona Joven, dedicado esta vez a Drogas y Juventud, ha abierto hoy su programa con dos representaciones de entrada libre, la primera ha tenido lugar a las 12.30 horas y la segunda tiene lugar a las 20.00 horas, de la obra de teatro por la compañía cántabra Miriñaque Encadenados.
VIERNES 23 DE MARZO.
TAFALLA. Ciclo Noches de teatro. El grupo Almadía Teatro presenta Educando a Rita. Salón de actos de la Casa de Cultura de Tafalla a las 20.30 horas. Entrada: 5 euros.
PAMPLONA. Salón de Actos de los INSTITUTOS PLAZA DE LA CRUZ. El TALLER DE TEATRO presenta En la ardiente oscuridad, de Antonio Buero Vallejo. A las 18 horas. Entrada libre.
SÁBADO 24 DE MARZO.
ALSASUA. Tantaka Teatroa presenta El florido pensil. Sábado, a las 20.30 horas, en el centro cultural Iortia de Alsasua.
La misma obra, el domingo 25 de marzo a las 20 horas en la Casa de Cultura María de Maeztu de ARTICA (calle Camino de la Fuente, 1). Precio: 5 euros. Venta de entradas: anticipada en las oficinas generales del Ayuntamiento de Berrioplano de 9 a 14 horas y en taquilla una hora antes del espectáculo.
CIVICAN. Ángeles de Trapo, con Tres historias tres a cargo. Dirección: Julio Gallo. Espectáculos de títeres para niños desde 4 años acompañados por adultos. Es necesario retirar las invitaciones el mismo día de la actuación desde las 17 horas en el servicio de información. A las 18 horas. Entrada libre.
SALÓN DE ACTOS DEL INSTITUTO NAVARRO VILLOSLADA.
La posadera, de Carlo Goldoni, en comedia musical. Director: Ignacio Aranguren. Sábado 24, a las 20.00 horas, para el público general. Para asistir a estas representaciones, es necesario solicitar primero una invitación en el instituto, y el día de la función, una hora antes de que dé comienzo, canjearla por la entrada gratuita definitiva.
DOMINGO 25 DE MARZO.
ALSASUA. Un infantil. La cerillera. Domingo 25 de marzo, a las 17 horas, en el centro cultural Iortia.
NOAIN. Otro infantil. Markeliñe representa La vuelta al mundo en 80 cajas. a las 18 horas, Entrada: 3 euros/2 anticipada (hasta el viernes anterior a la función). Para niños a partir de 5 años.
VILLAVA. Spasmo Teatro representa Humorama. A las 20 horas en el Espacio Escénico de la Casa de Cultura de Villava (entrada por la travesía Esteban Armendáriz). Precio: 5 euros Venta de entradas: en la Casa de Cultura de lunes a viernes de 17 a 21 horas y los días de la función 20 minutos antes el Espacio Escénico).
MURCHANTE. El grupo Castejón de la Barca presenta La venganza de Don Mendo, de Pedro Muñoz Seca. Domingo a las 19 horas en la Casa de Cultura de Murchante. Precio: 2 euros.
MARTES 27, DÍA MUNDIAL DEL TEATRO.
TEATRO GAYARRE. PEQUEÑAS OBRAS DE NUEVOS AUTORES.
Estreno de Amsterdam, de Pedro Charro, y Sólo hay palabras, de Miguel Goikoetxandía. Dirige: Miguel Munárriz. 20:00 horas. Entrada libre.
AGENDA MUSICAL para los próximos días
CONCIERTOS SACROS:
Hoy, jueves 22 de marzo, a las 20.30 horas, la Coral del Valle de Aranguren ofrece un concierto sacro mariano en la parroquia de San Nicolás.
El lunes 26 de marzo, el grupo Daga ofrece un recital con piezas de Vivaldi, Leo y Brunetti, en la iglesia de Recoletas.
OTRA CITA: en la Casa de Cultura de San Adrián. El viernes 23, a las 20 horas, el taller de ópera de Getxo representa La historia de la ópera.
El lunes 26 de marzo, el grupo Daga ofrece un recital con piezas de Vivaldi, Leo y Brunetti, en la iglesia de Recoletas.
OTRA CITA: en la Casa de Cultura de San Adrián. El viernes 23, a las 20 horas, el taller de ópera de Getxo representa La historia de la ópera.
Muy recomendable: "El método Gronholm" en Pamplona cuatro días
El Teatro Gayarre programa de jueves 22 a domingo 25 de marzo (20:00 horas, quedan entradas para todas las funciones) la puesta en escena de la obra de Jordi Galcerán El método Grönholm, uno de los mayores éxitos de público y crítica de las últimas temporadas teatrales. Se trata de una comedia que nace de una noticia aparecida en los periódicos en la que se aludía a una serie de documentos encontrados en un contenedor y pertenecientes al departamento de personal de una cadena de supermercados. En ellos había anotaciones racistas y groseras de las personas que habían acudido a realizar la entrevista de trabajo. La obra muestra cómo cuatro personas, en este caso directivos de bajo nivel, son capaces de pasar por cualquier humillación para conseguir el trabajo.
El método Grönholm cuenta con un reparto formado por Carlos Hipólito, María Pujalte (que sustituye a Cristina Marcos en la gira), Jorge Roelas y Eleazar Ortiz. El montaje, que recibió el Premio Ercilla 2004 a la Mejor Creación Dramática y el Premio Mayte de ese mismo año para Carlos Hipólito, así como el Max de 2005 a su autor, tiene como protagonistas a los cuatro últimos candidatos para una plaza de ejecutivo en una importante multinacional, reunidos para ser sometidos a las pruebas finales del proceso de selección. Esos candidatos se someten a unas pruebas que rayan el absurdo y que nada parecen tener que ver con el puesto de trabajo en sí. Unas pruebas terribles en ocasiones, denigrantes en otras, surrealistas, un verdadero tercer grado en el que nada es lo que parece. Una tortura psicológica que hay que superar, por encima de todo y de todos, pues el bien al que se aspira parece superior a ello: el trabajo. Además, todos sospechan que uno de los cuatro es un infiltrado: alguien que trabaja en la empresa y les está juzgando.
Sin embargo, todas las pruebas a las que son sometidos los aspirantes, y por increíble que parezca, están inspiradas en técnicas reales de selección de personal, documentadas de los volúmenes escritos por especialistas del tema. Lo único que hace la obra es llevarlas hasta el extremo sin ocultar la comicidad que llevan implícita.
El método Grönholm, según su autor, Jordi Galcerán, pretende hablar de la crueldad en las relaciones laborales. Y quiere hacerlo tomando como excusa uno de los procesos más crueles que se viven en el mundo laboral: una selección de personal. La idea del juego como metáfora de las relaciones humanas se convierte en un referente absoluto. Formalmente, la pieza juega a todos los niveles posibles: los personajes juegan entre sí y el público es invitado a participar con ellos, a intentar descubrir con ellos la verdad y la mentira, si eso es posible.
El método Grönholm cuenta con un reparto formado por Carlos Hipólito, María Pujalte (que sustituye a Cristina Marcos en la gira), Jorge Roelas y Eleazar Ortiz. El montaje, que recibió el Premio Ercilla 2004 a la Mejor Creación Dramática y el Premio Mayte de ese mismo año para Carlos Hipólito, así como el Max de 2005 a su autor, tiene como protagonistas a los cuatro últimos candidatos para una plaza de ejecutivo en una importante multinacional, reunidos para ser sometidos a las pruebas finales del proceso de selección. Esos candidatos se someten a unas pruebas que rayan el absurdo y que nada parecen tener que ver con el puesto de trabajo en sí. Unas pruebas terribles en ocasiones, denigrantes en otras, surrealistas, un verdadero tercer grado en el que nada es lo que parece. Una tortura psicológica que hay que superar, por encima de todo y de todos, pues el bien al que se aspira parece superior a ello: el trabajo. Además, todos sospechan que uno de los cuatro es un infiltrado: alguien que trabaja en la empresa y les está juzgando.
Sin embargo, todas las pruebas a las que son sometidos los aspirantes, y por increíble que parezca, están inspiradas en técnicas reales de selección de personal, documentadas de los volúmenes escritos por especialistas del tema. Lo único que hace la obra es llevarlas hasta el extremo sin ocultar la comicidad que llevan implícita.
El método Grönholm, según su autor, Jordi Galcerán, pretende hablar de la crueldad en las relaciones laborales. Y quiere hacerlo tomando como excusa uno de los procesos más crueles que se viven en el mundo laboral: una selección de personal. La idea del juego como metáfora de las relaciones humanas se convierte en un referente absoluto. Formalmente, la pieza juega a todos los niveles posibles: los personajes juegan entre sí y el público es invitado a participar con ellos, a intentar descubrir con ellos la verdad y la mentira, si eso es posible.
miércoles 21 de marzo de 2007
El lunes, presentación del libro "La chica junto al flexo", de Víctor Iriarte, premio "Calderón de la Barca" 2006
Hola, incluyo en mi blog la tarjeta con la invitación que ha remitido el Ministerio de Cultura la pasada semana en la que se dice textualmente, y cito por si no se lee:
"La ministra de Cultura, y en su nombre, el director del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, y el director del Centro de Documentación Teatral, tienen el placer de invitarle a la presentación de la Revista Digital de la Escena 06 (publicación multimedia del año teatral) y el Premio Nacional de Teatro "Calderón de la Barca" 2006, La chica junto al flexo, de Víctor Iriarte. Lunes 26 de marzo de 2007, 13 horas. Sala de Columnas. Ministerio de Cultura. Plaza del Rey 1, 5ª planta. Madrid".
Como podéis apreciar, la invitación incluye la portada y la solapa del libro. El Ministerio se adelanta así con esta doble presentación, al Día Mundial del Teatro, el martes 27 de marzo.
Pues eso.
Día Mundial del Teatro de Títeres
Estamos en la semana más teatral del año, por lo menos en cuanto a festejos se refiere. Hoy miércoles, 21 de marzo, se celebra el Día Mundial del Títere, una iniciativa de la Unión Internacional de la Marioneta (UNIMA).
La mecánima es la misma que con los otros días mundiales: un mensaje escrito por una figura de talla internacional, que todas las asociaciones rebotan. Este año lo lanza el japonés Sennosuke Takeda y titula su texto La nostalgia y lo nuevo. Dice así:
La mecánima es la misma que con los otros días mundiales: un mensaje escrito por una figura de talla internacional, que todas las asociaciones rebotan. Este año lo lanza el japonés Sennosuke Takeda y titula su texto La nostalgia y lo nuevo. Dice así:
La nostalgia y lo nuevo. Me gusta pensar que la ciudad de Iida, que ha transmitido a las subsiguientes generaciones sus antiguas tradiciones y las ha llevado hasta la era moderna, ha alcanzado un reconocimiento mundial. Nuevas formas teatrales, provenientes particularmente de Europa y América, invadieron Japón, y la cultura única que esta isla-nación había alimentado durante los años, se transformó como en un pequeño bote navegando en medio de una enorme tormenta y, a veces, desapareciendo.
Por aquel tiempo, floreció y se desarrolló en la isla de Awaji una gran familia con excepcionales aptitudes para el teatro de títeres que recorrió todo el país ofreciendo representaciones. Los terratenientes locales facilitaban a los titiriteros un lugar para vivir y ellos, a cambio, enseñaban a los lugareños su oficio y les ayudaban en la fundación de un teatro de títeres que todavía sobrevive en nuestros días.
En años recientes, muchos de los pueblitos y aldeas entorno a Iida han sido absorbidas por la ciudad. Teatros de títeres de compañías como los de Kuroda e Imada fueron remodelados, con la ayuda de las instituciones locales, usando técnicas arquitectónicas clásicas japonesas para poder ofrecer sus representaciones sin preocuparse de las condiciones climatológicas. Al estilo de la era Edo, el nuevo teatro de Kuroda tiene un escenario cubierto para representaciones de títeres, pero sigue manteniendo la tradición de situar a la audiencia en un anfiteatro exterior. La característica más destacable de los títeres de Kuroda es su pelo, el cual es colocado de nuevo, al parecer, antes de cada representación. Personalmente creo que el pelo de los títeres de Kuroda es el más hermoso de cuantas variedades existen de títeres manipulados por tres titiriteros, incluyendo los de bunraku y awaji, y siento una profunda admiración cada vez que los veo. Espero sinceramente que, sea cual sea la evolución que pueda sufrir, el pelo sea preservado para siempre.
Hace cincuenta años fui invitado por la ciudad de Iida, cuyas autoridades construyeron el Sennosuke Takeda International Marionette and Puppet Museum en Zakoji, rodeado por los Alps centrales y del sur, en un lugar con una belleza natural poco frecuente en el Japón actual. Hace cuarenta años, asistiendo a una representación en la Comédie Française de París, un niño, que supongo estaría estudiando en la escuela primaria, me miraba con una mirada de preocupación. Como yo me reía solo con los gestos de los actores, el niño quería que también lo hiciera con sus diálogos. Este acto de amabilidad del niño preocupado porque no entendía, me impactó profundamente. En lugar de esperar a que sean adultos, es a su temprana edad cuando deberíamos presentar la belleza y la cultura a nuestros niños. Continúo con mi trabajo en el museo con la esperanza de que un día niños y niñas pequeños, como éste, llenarán todo los teatros de títeres de todo el mundo.
Sennosuke Takeda nació en Iida City en 1939. Trabajó intensivamente en el arte de la marioneta, en televisión, cine y teatro. Fue miembro del comité ejecutivo de UNIMA, presidente honrario de UNIMA Japón y director del Takeda Memorial International Marionnete Museum.
Los amigos de ARTEZ inauguran oficialmente la Librería Yorick
El próximo martes 27 de marzo, a partir de las 12 del mediodía y hasta las 13,30 horas, tendrá lugar la inauguración oficial de la Librería Yorick, en la calle san Francisco de Bilbao, frente al número 15, entre las calles Conde de Mirasol y Aretxaga, a la espalda del restaurante El perro chico.
Me invitan personalmente, y yo transmito la invitación a los aficionados navarros, porque además existirá me dicen una "happy hour", en donde se aplicarán atractivos descuentos en los libros.
Se espera la asistencia de artistas, creadores y autoridades patrias, aprovechando que el lunes es el Día Mundial del Teatro.
Pues que sea un éxito. La librería Yorick lleva varios meses funcionando en el corazón de Bilbao y complementa a la Yorick virtual, a la que se accede desde www.artezblai.com.
Me invitan personalmente, y yo transmito la invitación a los aficionados navarros, porque además existirá me dicen una "happy hour", en donde se aplicarán atractivos descuentos en los libros.
Se espera la asistencia de artistas, creadores y autoridades patrias, aprovechando que el lunes es el Día Mundial del Teatro.
Pues que sea un éxito. La librería Yorick lleva varios meses funcionando en el corazón de Bilbao y complementa a la Yorick virtual, a la que se accede desde www.artezblai.com.
sábado 17 de marzo de 2007
20 MARZO: Día Mundial del Teatro para niños y jóvenes
El 20 de marzo, desde el 2001, se celebra el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes, organizado por ASSITEJ y, al igual que con el Día Mundial del Teatro, cada año se hace público un mensaje, que este blog reproduce.
Lo ha escrito Penina Mlama, profesor de Artes Escénicas de la Universidad de Dar es Salaam (Tanzania).
Celebramos el Día Internacional del Teatro para Niños y Jóvenes de ASSITEJ 2007, permítanme saludar a toda la gente que alrededor del mundo ha mantenido encendida la antorcha del Teatro para Niños y Jóvenes. Un tributo especial para los maravillosos niños y jóvenes de la familia de ASSITEJ, quienes con sus sonrisas, risas, alegría y entusiasmo por el teatro continúan dándonos esperanza por un mundo mejor.
Celebramos el crecimiento de ASSITEJ cuyo maravilloso trabajo se ha extendido a más de 80 países a través de todos los continentes. Nuestros corazones se han enternecido con las muchas caras felices de nuestra joven audiencia, cuyos corazones tocamos de una manera muy especial mediante nuestra creatividad. Felicitamos a los miles de artistas que han hecho una elección consciente para dedicar sus vidas a mostrar las preocupaciones de los niños y los jóvenes de nuestro mundo, aún en situaciones donde el público adulto podría haber sido más atractivo económicamente.
Nosotros sonreímos con orgullo cuando vemos a los niños y jóvenes decirnos en voz alta o comentar entre ellos sobre sus visiones del mundo y desarrollar sus talentos artísticos en sus propios espectáculos. Nosotros conformamos una gran familia, que es especial, porque nosotros nos ocupamos por el bienestar de nuestros niños y jóvenes. Somos una familia orgullosa y feliz porque, con nuestro trabajo, hacemos la vida de nuestras jóvenes generaciones más significativa.
No hay que negar el hecho de que la familia de ASSITEJ, a lo largo de sus 42 años de existencia, le ha dado a las nuevas generaciones la oportunidad de hacer las elecciones correctas, de estar atentos a los temas sociales que afectan sus vidas, de construir su autoestima y confianza tanto como de tener la posibilidad de dar sus opiniones. La magia del teatro, como nosotros sabemos, le da a nuestros niños y jóvenes la oportunidad de soñar con el mundo que ellos desean y, por un momento, los hace olvidar las tristezas del mundo real en el que están.
Todas las personas, especialmente los jóvenes, merecen una tregua de los desafíos del mundo que, desafortunadamente, están creciendo en intensidad todos los días. Es gratificante darse cuenta que ASSITEJ está siempre ahí, para los jóvenes. Como celebramos el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes de ASSITEJ tengamos también un pensamiento para los millones de niños y jóvenes cuyas circunstancias no les permiten disfrutar ninguna función de teatro o tener la oportunidad de desarrollar su creatividad. Pensemos en los niños y los jóvenes en diferentes partes del mundo afectados por conflictos armados que están por eso luchando por sus vidas, en campos de refugiados o demasiado asustados salir de sus hogares. Dediquemos un pensamiento a esos niños y jóvenes que son demasiado pobres para costearse ver una función de teatro. ¿Y qué de los millones de jóvenes demasiado inmersos en la drogadicción como para prestar atención a lo que está sucediendo en el mundo alrededor de ellos, incluido el teatro? Están aquellos sometidos a diferentes formas de abusos, con frecuencia por los miembros de sus propias familias, a resulta de lo cuál ellos sienten que no valen nada. Están aquellos niños y jóvenes que no se sienten amados por el mundo adulto porque sus padres y su familia no tienen tiempo para ellos.
¿Qué acerca de los millones de niños y jóvenes que viven en las calles simplemente porque el mundo ha dejado de preocuparse, al punto de que los padres pueden abandonar a sus niños en la calle y el resto de la sociedad pude soportar caminar entre ellos como si los niños de la calle fueran simples postes de luz. No deberíamos olvidar a los millones de niños y jóvenes que han quedado huérfanos por la guerra o la epidemia de SIDA que asola muchas partes del mundo. Como trabajadores del teatro para niños y jóvenes, dediquemos un minuto a esos niños que están en estas situaciones por faltas que ellos no cometieron.
Después que hayamos celebrado el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes, propongámonos a nosotros mismos el desafío de ver como podemos dedicar nuestro tiempo y nuestra creatividad a esos niños y evitar estar dentro de la categoría de aquellos que quieren creer que los niños y jóvenes en circunstancias difíciles no existen. Dejemos que el predicamento de esos niños y jóvenes nos empuje hacia nuevas formas de creatividad, que no sólo llegarán a esta extensamente inalcanzada nueva generación sino que también les dará la esperanza para una vida mejor para ellos y un mundo mejor para las futuras generaciones. Todos los ríos de la creatividad fluyen para colmar el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes de ASSITEJ con alegría e inspiración por un mañana más grande.
Profesor Penina Mlama
Carta del Presidente para el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes:
Despertar Interés y Entrenar para Ver. Donde quiera que haya empezado la Filosofía, es concebible que la persona que podría ser considerada como el primer filósofo, fue alguien que golpeó su dedo del pie contra una piedra y este accidente lo o la llevó a las siguientes preguntas: ¿por qué está esta piedra tirada acá y por qué es algo y no nada? ¿Por qué es la piedra tan dura y cuál es la esencia de la piedra? ¿Por qué me tropecé con ella y cómo debería actuar? ¿Hay algo mal con mis ojos, y qué es ver, en primer lugar? Nosotros no sabemos cómo esas preguntas fueron contestadas originalmente en términos filosóficos, pero sí sabemos, que no todo el mundo que mira, también ve. Porque mirar es probablemente siempre, cuestión de mirar como al descuido, de mirar por arriba y apartar la mirada. Mirar, uno podría decir, es el intento de percibir de tal forma que el transparente campo de la visión permita que un hecho no-transparente se haga claro. Lo cuál, por supuesto, nos lleva a la pregunta, ¿cómo debemos realmente mirar para ver? En tiempos donde las señales nos están atacando continuamente, tiene sentido entrenar a la gente para ver. Y el mejor método para hacer esto parecería ser, todavía, despertando el interés en lo que hay que ver.l teatro hace posible integrar el ver dentro del proceso de comunicación, que codifica y decodifica las señales de los tiempos entre los actores y el público. El pre-requisito para esto, de todas formas, es que el teatro sea suficientemente interesante, que tal vez, incluso, despierte la curiosidad, y lo más importante, que ofrezca algo significativo. Necesita un tema que atraiga la atención, que no sólo arañe la superficie, pero que movilice a los espectadores, impulsándolos y comprometiéndolos. Necesita una motivación, un “mutuo compromiso” como se define en psicología. Necesita sustancia, importancia y relevancia para permitir a los espectadores sentirse tocados, para permitirles ver, para permitirles pensar.La filosofía del teatro para Niños y Jóvenes es despertar el interés y entrenar para ver. En el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes queremos atraer la atención otra vez, en 82 países alrededor del mundo, en todos los continentes, en miles de teatros. Deseo a todos aquellos que están involucrados un marvilloso día, que encuentren mucho para interesarse y mucho para ver.
Profesor Dr. Wolfgang Schneider.
President of ASSITEJ International
Lo ha escrito Penina Mlama, profesor de Artes Escénicas de la Universidad de Dar es Salaam (Tanzania).
Celebramos el Día Internacional del Teatro para Niños y Jóvenes de ASSITEJ 2007, permítanme saludar a toda la gente que alrededor del mundo ha mantenido encendida la antorcha del Teatro para Niños y Jóvenes. Un tributo especial para los maravillosos niños y jóvenes de la familia de ASSITEJ, quienes con sus sonrisas, risas, alegría y entusiasmo por el teatro continúan dándonos esperanza por un mundo mejor.
Celebramos el crecimiento de ASSITEJ cuyo maravilloso trabajo se ha extendido a más de 80 países a través de todos los continentes. Nuestros corazones se han enternecido con las muchas caras felices de nuestra joven audiencia, cuyos corazones tocamos de una manera muy especial mediante nuestra creatividad. Felicitamos a los miles de artistas que han hecho una elección consciente para dedicar sus vidas a mostrar las preocupaciones de los niños y los jóvenes de nuestro mundo, aún en situaciones donde el público adulto podría haber sido más atractivo económicamente.
Nosotros sonreímos con orgullo cuando vemos a los niños y jóvenes decirnos en voz alta o comentar entre ellos sobre sus visiones del mundo y desarrollar sus talentos artísticos en sus propios espectáculos. Nosotros conformamos una gran familia, que es especial, porque nosotros nos ocupamos por el bienestar de nuestros niños y jóvenes. Somos una familia orgullosa y feliz porque, con nuestro trabajo, hacemos la vida de nuestras jóvenes generaciones más significativa.
No hay que negar el hecho de que la familia de ASSITEJ, a lo largo de sus 42 años de existencia, le ha dado a las nuevas generaciones la oportunidad de hacer las elecciones correctas, de estar atentos a los temas sociales que afectan sus vidas, de construir su autoestima y confianza tanto como de tener la posibilidad de dar sus opiniones. La magia del teatro, como nosotros sabemos, le da a nuestros niños y jóvenes la oportunidad de soñar con el mundo que ellos desean y, por un momento, los hace olvidar las tristezas del mundo real en el que están.
Todas las personas, especialmente los jóvenes, merecen una tregua de los desafíos del mundo que, desafortunadamente, están creciendo en intensidad todos los días. Es gratificante darse cuenta que ASSITEJ está siempre ahí, para los jóvenes. Como celebramos el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes de ASSITEJ tengamos también un pensamiento para los millones de niños y jóvenes cuyas circunstancias no les permiten disfrutar ninguna función de teatro o tener la oportunidad de desarrollar su creatividad. Pensemos en los niños y los jóvenes en diferentes partes del mundo afectados por conflictos armados que están por eso luchando por sus vidas, en campos de refugiados o demasiado asustados salir de sus hogares. Dediquemos un pensamiento a esos niños y jóvenes que son demasiado pobres para costearse ver una función de teatro. ¿Y qué de los millones de jóvenes demasiado inmersos en la drogadicción como para prestar atención a lo que está sucediendo en el mundo alrededor de ellos, incluido el teatro? Están aquellos sometidos a diferentes formas de abusos, con frecuencia por los miembros de sus propias familias, a resulta de lo cuál ellos sienten que no valen nada. Están aquellos niños y jóvenes que no se sienten amados por el mundo adulto porque sus padres y su familia no tienen tiempo para ellos.
¿Qué acerca de los millones de niños y jóvenes que viven en las calles simplemente porque el mundo ha dejado de preocuparse, al punto de que los padres pueden abandonar a sus niños en la calle y el resto de la sociedad pude soportar caminar entre ellos como si los niños de la calle fueran simples postes de luz. No deberíamos olvidar a los millones de niños y jóvenes que han quedado huérfanos por la guerra o la epidemia de SIDA que asola muchas partes del mundo. Como trabajadores del teatro para niños y jóvenes, dediquemos un minuto a esos niños que están en estas situaciones por faltas que ellos no cometieron.
Después que hayamos celebrado el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes, propongámonos a nosotros mismos el desafío de ver como podemos dedicar nuestro tiempo y nuestra creatividad a esos niños y evitar estar dentro de la categoría de aquellos que quieren creer que los niños y jóvenes en circunstancias difíciles no existen. Dejemos que el predicamento de esos niños y jóvenes nos empuje hacia nuevas formas de creatividad, que no sólo llegarán a esta extensamente inalcanzada nueva generación sino que también les dará la esperanza para una vida mejor para ellos y un mundo mejor para las futuras generaciones. Todos los ríos de la creatividad fluyen para colmar el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes de ASSITEJ con alegría e inspiración por un mañana más grande.
Profesor Penina Mlama
Carta del Presidente para el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes:
Despertar Interés y Entrenar para Ver. Donde quiera que haya empezado la Filosofía, es concebible que la persona que podría ser considerada como el primer filósofo, fue alguien que golpeó su dedo del pie contra una piedra y este accidente lo o la llevó a las siguientes preguntas: ¿por qué está esta piedra tirada acá y por qué es algo y no nada? ¿Por qué es la piedra tan dura y cuál es la esencia de la piedra? ¿Por qué me tropecé con ella y cómo debería actuar? ¿Hay algo mal con mis ojos, y qué es ver, en primer lugar? Nosotros no sabemos cómo esas preguntas fueron contestadas originalmente en términos filosóficos, pero sí sabemos, que no todo el mundo que mira, también ve. Porque mirar es probablemente siempre, cuestión de mirar como al descuido, de mirar por arriba y apartar la mirada. Mirar, uno podría decir, es el intento de percibir de tal forma que el transparente campo de la visión permita que un hecho no-transparente se haga claro. Lo cuál, por supuesto, nos lleva a la pregunta, ¿cómo debemos realmente mirar para ver? En tiempos donde las señales nos están atacando continuamente, tiene sentido entrenar a la gente para ver. Y el mejor método para hacer esto parecería ser, todavía, despertando el interés en lo que hay que ver.l teatro hace posible integrar el ver dentro del proceso de comunicación, que codifica y decodifica las señales de los tiempos entre los actores y el público. El pre-requisito para esto, de todas formas, es que el teatro sea suficientemente interesante, que tal vez, incluso, despierte la curiosidad, y lo más importante, que ofrezca algo significativo. Necesita un tema que atraiga la atención, que no sólo arañe la superficie, pero que movilice a los espectadores, impulsándolos y comprometiéndolos. Necesita una motivación, un “mutuo compromiso” como se define en psicología. Necesita sustancia, importancia y relevancia para permitir a los espectadores sentirse tocados, para permitirles ver, para permitirles pensar.La filosofía del teatro para Niños y Jóvenes es despertar el interés y entrenar para ver. En el Día Mundial del Teatro para Niños y Jóvenes queremos atraer la atención otra vez, en 82 países alrededor del mundo, en todos los continentes, en miles de teatros. Deseo a todos aquellos que están involucrados un marvilloso día, que encuentren mucho para interesarse y mucho para ver.
Profesor Dr. Wolfgang Schneider.
President of ASSITEJ International
viernes 16 de marzo de 2007
Un anodino ciclo MÚSICA PARA UN TIEMPO DE ORACIÓN
Va terminando la legislatura y parece claro que han sido cuatro años perdidos en el Área de Cultura del Ayuntamiento de Pamplona. No hay más que ver la falta de imaginación en la programación y en cómo van dejando moribundos ciclos que tuvieron en su día prestigio.
Ahí va el programa del ciclo Música para un tiempo de oración, los conciertos sacros, que hubo años en que se cuidaron de verdad.
Este es el programa:
lunes 19 de marzo. Coloquio de Amor II, que ya pudo verse en la ciudad en 2004. Se trata de un recital de poemas de Santa Teresa de Jesús, San Juan de la Cruz y la beata Ana de San Bartolomé sobre música popular española del siglo XVI, con Sonia L. Rivas-Caballero, Juan Carlos de Mulder y Belén Yuste, en la iglesia PP Carmelitas.
jueves 22 de marzo, a las 20.30 horas. Concierto sacro mariano (Coral Valle de Aranguren) en la parroquia de San Nicolás.
lunes 26 de marzo. Grupo Daga con piezas de Vivaldi, Leo y Brunetti, en la iglesia MM Recoletas.
jueves 29 de marzo. Coro Mixto de Praga con Música litúrgica checa, en la iglesia PP Carmelitas.
sábado 31 de marzo. Composiciones para órgano y voces con el Coro San Fermín Abesbatza que, bajo la dirección de Fermín Iriarte, estrenará una obra de José Mª Muneta e interpretará otras de Tomás Garbizu, Martín Zalba y Lorenzo Ondarra con la colaboración del joven y prestigioso organista Raúl del Toro y Nekane Piñuela (soprano) y Ana Montoya (alto), en la iglesia PP Carmelitas.
domingo de Pascua 1 de
Ahí va el programa del ciclo Música para un tiempo de oración, los conciertos sacros, que hubo años en que se cuidaron de verdad.
Este es el programa:
lunes 19 de marzo. Coloquio de Amor II, que ya pudo verse en la ciudad en 2004. Se trata de un recital de poemas de Santa Teresa de Jesús, San Juan de la Cruz y la beata Ana de San Bartolomé sobre música popular española del siglo XVI, con Sonia L. Rivas-Caballero, Juan Carlos de Mulder y Belén Yuste, en la iglesia PP Carmelitas.
jueves 22 de marzo, a las 20.30 horas. Concierto sacro mariano (Coral Valle de Aranguren) en la parroquia de San Nicolás.
lunes 26 de marzo. Grupo Daga con piezas de Vivaldi, Leo y Brunetti, en la iglesia MM Recoletas.
jueves 29 de marzo. Coro Mixto de Praga con Música litúrgica checa, en la iglesia PP Carmelitas.
sábado 31 de marzo. Composiciones para órgano y voces con el Coro San Fermín Abesbatza que, bajo la dirección de Fermín Iriarte, estrenará una obra de José Mª Muneta e interpretará otras de Tomás Garbizu, Martín Zalba y Lorenzo Ondarra con la colaboración del joven y prestigioso organista Raúl del Toro y Nekane Piñuela (soprano) y Ana Montoya (alto), en la iglesia PP Carmelitas.
domingo de Pascua 1 de