martes, 29 de noviembre de 2011

Concierto de la Coral de Cámara de Pamplona el jueves en el Museo de Navarra, con entrada gratuita

El jueves, 1 de diciembre, se celebra el primero de los conciertos de temporada de la Agrupación Coral de Cámara de Pamplona. La cita tendrá lugar a las 19.30 horas en el Museo de Navarra con entrada libre hasta completar aforo. En esta ocasión, la Coral de Cámara de Pamplona ofrecerá el programa Missa de Nostra Dona (Juan de Antxieta, 1462-1523). Bajo la dirección de Josep Cabré, el recital correrá a cargo de Nova Lux Ensemble y del grupo de Voces Femeninas de la Coral de Cámara de Pamplona.

Respecto a la temporada en general, y gracias a la renovación del convenio entre la Agrupación y el Gobierno de Navarra, firmado el pasado mes de octubre, la institución consigue dar continuidad a esta actividad "largamente ansiada, y muy especialmente en estos tiempos difíciles que atravesamos, lo cual para nosotros es incluso más significativo", en palabras de su presidente, Jesús Hernández Aristu. Así, se ha podido planificar y cerrar una temporada propia de conciertos con periodicidad mensual, en la capilla del Museo de Navarra. Todos los conciertos de este ciclo se ofrecerán, tal y como ocurrió la pasada temporada 2010-2011, con entrada libre para los asistentes, hasta completar aforo, a las 19.30 horas, tras el cierre del horario de visitas del espacio expositivo.

Crítica de "Drácula", en el Teatro Gayarre de Pamplona

Drácula. Dirección: Eduardo Bazo, Jorge de Juan. Intérpretes: Emilio Gutiérrez Caba, Amparo Climent, Ramón Langa, María Ruiz, César Sánchez, Martín Rivas, María Ruiz, Mario Zorrilla. Lugar y fecha: Teatro Gayarre, 18 y 19/11/11.

Susto o no muerte

CONFIESO que hay obras de teatro que me han producido miedo. Pero suele ser antes de verlas. Luego ya, cuando uno está en la sala y se enfrenta al oscuro objeto de ese temor, el sentimiento suele ser otro; negativo, pero otro. De Pascuas a Ramos ha podido ser positivo, cuando uno se da cuenta de que sus prejuicios no eran justos, aunque suelen ser las menos de las veces. En fin, a lo que íbamos: el miedo en el teatro. Difícil. La tensión, la intriga, el suspense… eso sí. Pero miedo, lo que se dice miedo, pues es complicadillo. Jorge de Juan en la dirección y Emilio Gutiérrez Caba en la interpretación lo intentaron hace unos años en La mujer de negro, obra de la que, algo emborronado por el tiempo, guardo un buen recuerdo, como un texto bien construido y ejecutado de manera imaginativa. Aunque se vendía como un espectáculo terrorífico, sigo pensando que conseguir eso en teatro es muy difícil. En cine, tal vez cuente uno con más armas.

Bueno, sea como sea, el caso es que el equipo de La mujer de negro obtuvo un éxito notable y esto les ha animado a seguir en la senda del terror. Del relato gótico, por lo que tiene este de clásico dentro del género. En concreto, se han decidido por su obra cumbre: Drácula, de Bram Stoker; una novela que recomendaría leer (o, si no se tiene tiempo o ganas, al menos ver la versión cinematográfica de Coppola), porque supera las convenciones más superficiales de ese tipo de relatos al enfrentarnos con una auténtica reflexión sobre nuestra propia perversidad.

Habrá que decir que, en esta versión, esas sutilezas se han dejado de lado para tirarse a la yugular del entretenimiento. Eso no está mal. De hecho, suele ser mejor entretenimiento sin reflexión que viceversa. Drácula lo admite sin problemas, porque es una buena historia. Tiene un problemilla, que es el de ser archiconocida, lo que dificulta bastante la posibilidad de provocar alguna clase de suspense. Como bien me apuntaba alguien a la salida del espectáculo: ¿qué clase de intriga se puede provocar si el público sabe de la trama más que los personajes? Certísimo. Tratar de hacer lo imposible provoca escepticismo, algo que se hizo patente entre el patio de butacas en algún momento. Esto es muy peligroso. Como también lo es que las escenas basadas en cierto uso de la fuerza resulten tan teatrales en el mal sentido, tan forzadas, que terminen provocando la risa. Estoy pensando prácticamente en cada aparición del personaje de Renfield, y también en la escena en la que se acorrala finalmente al vampiro, bastante confusa y torpemente amañada.

Para reconducir el asunto, este Drácula intenta provocar el escalofrío a través del sobresalto artificioso. Con el grito amplificado, principalmente. Esto, además de conducir al respetable a la hipoacusia, son recursos faciloncillos, francamente. Algo más de interés me parece que tiene echar mano del ilusionismo para provocar la sorpresa en algunas escenas, pero queda como un intento aislado de revitalizar un espectáculo que, como su protagonista, tiene el alma de los no muertos. Sí me gustaron razonablemente los intérpretes, especialmente un Emilio Gutiérrez Caba capaz de defender a fuerza de experiencia cualquier propuesta, incluso cuando le obligan a ejecutar en escena actitudes bastante forzadas.

domingo, 27 de noviembre de 2011

Alfredo Sanzol estrena "En la luna" en el Teatro de la Abadía

El pamplonés Alfredo Sanzol, autor y director de teatro, propone al espectador en su nuevo montaje, En la luna, estrenado el miércoles en Madrid, un viaje a sus primeros recuerdos, los que viven en el fondo de la memoria y que, en su caso, están impregnados de la España de la Transición. Los primeros recuerdos son "un terreno pantanoso y nebuloso", pero son la base "sobre la que construimos el resto de nuestra memoria", aseguró Sanzol durante la presentación de esta obra, una producción que se podrá ver en el Teatro de la Abadía hasta el 8 de enero.

Ese viaje a sus primeros recuerdos es también a la infancia de la democracia en España, que Sanzol pone en marcha a través de 15 piezas teatrales en las que, con su habitual dinámica de encadenar historias cortas, retrata las sensaciones de su infancia. El resultado, según aseguró el director de este teatro madrileño, José Luis Gómez, "deslumbra" pues los actores tejen la memoria personal y colectiva de esos años provocando la sonrisa en el espectador. "Más que historia es pura intrahistoria", recalcó. La obra sitúa al espectador en la Luna, con vistas a la Tierra, y aunque los personajes no saben bien dónde están, más o menos les da igual, como ocurre cuando se es niño, indicó Sanzol.

Como reflejo de la década de 1970, En la luna pone en escena las diferencias entre hombres y mujeres y el papel de estas últimas en la sombra, "aunque mandaban mucho", subrayó Lucía Quintana. La actriz indicó que los hombres y mujeres de este espectáculo presentan notables diferencias. "Nuestras madres y tías vivían en la sombra, pero gestionaban mucho, aunque no acababan de liberarse y tenían muchas frustraciones. Su papel es necesario reivindicarlo. El miedo a la soledad une un poco a todos los personajes y eso sigue siendo algo muy actual", apuntó. La actriz opina que esta función tiene la virtud de "reconciliar" y "sanar".

También está presente el recuerdo de la violencia que acompañó el transcurrir de esos años: "Había mucha pistola, las fuerzas del orden público, ETA, el GRAPO...", rememoró Sanzol de sus primeros años en Pamplona. "Yo no entendía nada de la Transición, sólo sabía de los comentarios de los adultos sobre una realidad que no sabía qué era y que me producía mucha inquietud". El autor explicó que escribir esta obra le ha reconciliado con los placeres que tenía de niño, aunque reconoció también que "los recuerdos están dormidos y mirar el recuerdo duele".

viernes, 25 de noviembre de 2011

Crítica de "Bestiario" de la compañía La llave maestra

Bestiario. Compañía: La Llave Maestra. Dirección: Álvaro Morales. Intérpretes: Edurne Rankin, Patxi Larrea, Ion Barbarin, Aintzane Baleztena, Izaskun Mujica. Música: Gorka Pastor. Lugar y fecha: Casa de cultura de Villava. 13/11/11. Público: Dos tercios de entrada.

Biología teatral

RELEO lo que publiqué en octubre de 2010 sobre Bestiario, de la compañía que entonces actuaba bajo el nombre de Trotacómicos y que ahora lo hace bajo el más sugerente de La Llave Maestra: apunto a la excelencia de una materia prima de la que sería interesante hacer una selección y acrisolar las escenas escogidas para conseguir un magnífico espectáculo que ya estaba allí en potencia. Veo ahora Bestiario, un año después de ese borrador ofrecido en el Teatro Gayarre a lo largo de tres sesiones. Lo primero, me alegro por la supervivencia del montaje, aunque sea con períodos de hibernación, ahora que la mala situación general hace que la mayor parte de las obras sean especies amenazadas o en peligro de extinción. Lo que me lleva a pensar que, remedando el darwinismo, la calidad es (y debería ser) un buen factor de adaptación al medio y favorece la selección natural en un hábitat difícil.

Pero, además de alegrarme por la longevidad del montaje, veo con agrado que las virtudes vislumbradas en su primera versión se encuentran ahora todavía con más brillo. Este Bestiario actual se nutre casi exclusivamente de los números realizados para la primera parte de la trilogía del Gayarre que he señalado previamente (con la tercera parte se montó Delirios de papel, otra pieza deliciosa).

Son sketches de duración variable, no demasiado largos, de un estilo que bascula entre lo humorístico y lo poético, y que tienen como leitmotiv el mundo animal. Recordaré que lo de La Llave Maestra es teatro sin palabras, basado en el uso de máscaras, inspiradas en este caso en animales. El mérito (tremendo, desde mi punto de vista) está precisamente en lo que no es la máscara, en autoobligarse a prescindir de las herramientas principales con las que un actor está acostumbrado a trabajar, es decir, la voz y el rostro, y sin ellas ser capaz de contar una historia y de transmitir todo un catálogo de sensaciones. Esto lo consiguen gracias a un dominio absolutamente pasmoso de la técnica corporal, mediante la que reproducen los signos externos de la biomecánica de los animales que imitan; que encarnan, más bien. Leo a Peter Brook hablar sobre las máscaras: "Si uno quiere que un actor sea consciente de su cuerpo, en lugar de explicárselo, […] bastará con que le coloque sobre la cara un pedazo de papel en blanco". Diríase que, en algunos, las máscaras sacan el animal que llevan dentro.

Bestiario obtiene un resultado muy equilibrado en la mezcla de los dos estilos que inspiran los números. Como ya hemos comentado, hay una línea más humorística, en la que los números se construyen sobre una base narrativa; simple, pero imaginativa, con espacio siempre para la sorpresa, que es lo que mantiene la atención del espectador. Tanto la escena inicial de las ranas como la de la oruga gigante y el domador (el único personaje humano de la función) son pequeñas piezas cómicas de una precisión inatacable. Y hay, por otro lado, una línea más poética; o tal vez poética no sea la palabra más exacta para algunas partes que son más descriptivas, más imitativas y menos narrativas, pero que adquieren cierto tono lírico gracias sobre todo al precioso y variado acompañamiento musical; algo que constituye más que un envoltorio elegante para un buen espectáculo.

Así nos luce el pelo: Los ayuntamientos no pagan las representaciones teatrales

El teatro empieza a plantar cara a los ayuntamientos morosos

Artículo de ROSANA TORRES publicado en El País el 23 de noviembre de2011

Kamikaze Producciones, la productora de profesionales de primerísimo nivel que están viviendo momentos de gloria, como Miguel del Arco y Aitor Tejada, ha plantado cara al Ayuntamiento de León. "Si no nos pagan no acudimos". La medida ha sido recibida con algarabía por toda la profesión que no oculta su hartazgo porque se les quite el dinero que les pertenece. Otra idea que ha empezado a circular entre los damnificados es acordar con los ayuntamientos que se les pague en el descanso de las funciones, cuando ya han recogido el dinero de taquilla, y de no cumplir el compromiso no terminan la función, explicando al público el por qué de esa medida

Cada vez son más voces las que denuncian la paradójica y desesperada situación por la que está pasando el teatro en España. No el teatro público, sino las compañías que suelen ser programadas en los casi 200 teatros que hay repartidos por toda España y cuya titularidad en la práctica totalidad es de los municipios donde se encuentran.

Se ha hecho común la práctica, salvo poquísimas excepciones, que los grupos programados se queden sin cobrar sus honorarios, a pesar de llenar los teatros y de que el público ha pagado religiosamente su entrada para verlos. Pero como el interventor del teatro suele depender del Ayuntamiento, con la escusa de que tiene que pasar el cobro por gerencia, se suelen quedar esos dineros que tardan meses y hasta años en llegar a sus legítimos dueños.

De hecho ya hay compañías con el agua al cuello, o arruinadas, como el caso de Teatro El Cruce y otras, a pesar de atraer cada vez más espectadores, por la gran calidad de sus montajes. Y otro tanto les pasa a productores como Jesús Cimarro, Concha Busto o Juanjo Seoane, todos ellos con larguísima experiencia en el sector, que se ven ahogados por los impagos.

"Nos ha pasado algo curioso y muy, muy triste", señala el director de montajes como La función por hacer o Los veraneantes. "Hoy, día 23 de noviembre, tendríamos que haber ido a León a hacer bolo [nombre que reciben las representaciones sueltas] con La función por hacer. Como estábamos informados de que el Ayuntamiento de esta ciudad debía mucho dinero a otras compañías optamos, en primera instancia, por declinar la invitación", señala el director cuya actitud es la que están tomando muchos grupos para no seguir acumulando la deuda que, de seguir creciendo, es muy altamente probable que les obligue a dejar la actividad. "Pero el Ayuntamiento de León, a través de su programador, nos llama, insistentemente, para asegurarnos que, si vamos, nos pagará, lo cual es tremendo que esté en tela de juicio, pero en fin...", dice Tejada, socio del director y quien ya lleva encima unas cuantas de estas, según cuentan, "le propuse que si quieren que vayamos tienen que poner en el contrato una cláusula comprometiéndose a que el pago por la actuación sea ingresado en nuestra cuenta dos días antes de la fecha del bolo", a lo que añade del Arco: "Parecía imposible que fueran a aceptar pero, tachán, aceptaron, pero ¡no ha servido de nada!".

El caso es que ayer, día marcado para que se produjera el ingreso no hubo manera de localizar a los responsables y finalmente hoy miércoles Tejada logró hablar con ellos ante la negativa de la compañía a desplazarse a León debido a su incumplimiento de contrato. "Nos juran 'por su honor' que recibiremos el dinero. ¿Quién se puede fiar de su palabra cuando no han cumplido el contrato que habían firmado con nosotros?", argumenta del Arco.

Ambos responsables de Kamikaze Teatro cuentan lo obvio. Que cuando una compañía sale de bolos se producen infinidad de gastos: desplazamiento de los trabajadores, seguridad social, dietas, sueldos etc. "La administración nos pide el IVA de esa factura aunque no la hayamos cobrado. Si esto lo vas sumando al número de ayuntamientos que se retrasa o que, directamente no paga, no es muy difícil llegar a la conclusión de que es una actividad insostenible".

"Sólo puedo decir que mi compañía es muy pequeña, pero muy 'honrá'. Pagamos a nuestros trabajadores puntualmente aunque sea quitándonoslo de nuestro propio sueldo porque amamos lo que hacemos e intentamos cuidarlo con esfuerzo, mimo y dedicación. Una forma de cuidarlo es también no dejar que terceros se pasen por el arco del triunfo nuestra dignidad como trabajadores", apunta del Arco, "Lo siento mucho por los aficionados al teatro de León que ya me habían mostrado con mensajes la alegría que le producía nuestra inminente visita, pero la situación es esta y es muy dura para nosotros".

Lo cierto es que además de "honrá" la compañía goza de un gran prestigio que ha venido avalado por los siete Premios Max (mejor dirección, espectáculo, adaptación, actor y actriz de reparto, diseño de luz, mejor empresario) que les han sido concedidos este año por La función por hacer, un espectáculo humilde basado en Seis personajes en busca de autor, de Luigi Pirandello, que empezó su recorrido no en un escenario, sino en el hall de un pequeño teatro como es el Lara de Madrid cosechando grandes y elogiosas críticas.

Así nos luce el pelo: LA ALARMANTE SITUACIÓN DE LA ESCENA

Teatro español: el viaje a ninguna parte

Artículo de MARCOS ORDÓÑEZ publicado en El País el 24 de noviembre de 2011.

Querido amigo: Mal que bien, seguimos con la gira, cada vez más anémica. La verdad es que nos están dando por todos lados. El bolo en el sur se ha ido a hacer puñetas. Por lo menos el tío del Ayuntamiento tuvo el detalle de decirnos (o se le escapó, no sé) que allí no iba a cobrar ni el Tato.
- Es que no tenemos dinero. ¿Qué se os ocurre?
- Pues lo que se nos ocurre es no ir.
"No, tíos, no podéis hacernos eso, que nos dejáis sin programación... Mira, os haremos un contrato, pero para cobrar dentro de un año y medio". "Vale, muy bien, aceptamos el contrato pero si nos llevamos una parte de la taquilla para cubrir gastos". Y va y nos dice: "Huy, hijo mío, qué más quisiera yo, con la de agujeros que tengo que tapar". O sea, que no fuimos. Parece que los cómicos, que hemos sido pobres de solemnidad toda la vida, ahora tenemos que levantar el país.

Sabrás que en las últimas temporadas se han producido en España unos 1.200 estrenos al año en más de 1.500 espacios. La mayoría son teatros públicos de provincia, lo que quiere decir que buena parte de la actividad de las compañías se produce en gira, no en las temporadas de las grandes ciudades. Desde que comenzó la famosa crisis, un elevado tanto por ciento de los teatros municipales no pagan lo que compran. Algunos, los más sensatos, no compran porque no tienen dinero. Y otros, como en el pueblo del sur, utilizan el dinero de la taquilla para pagar los contratos de la luz o los sueldos de los empleados del Ayuntamiento. Taquilla que, por cierto, tampoco es ninguna bicoca, porque las entradas se venden "a precios políticos", o sea, muy por debajo de su precio real.

Durante una época, cuando de las arcas públicas manaba leche y miel, la baratura de las entradas no nos afectaba porque la mayoría cobrábamos unos cachés más que potables y unos pocos los cobraban potabilísimos, pero ahora ni cobramos cachés; ni la taquilla, cuando la cobramos, nos permite salir de apuros. Y ya veremos qué pasa con el público, porque se han acostumbrado a esos precios y no pueden subírselos de repente. Bueno, poder pueden, pero la gente se va a quedar en casa.

Así las cosas, muchas compañías no tienen funciones y han de echar el cierre, o no les pagan y han de echar el cierre también. Tú calcula que un empresario de compañía o un promotor privado ha de costear todos los gastos del bolo (que van desde los viajes y el transporte de la escenografía hasta, a menudo, los programas de mano) así como los sueldos, Seguridad Social y dietas de actores y técnicos. Y lo más chocante de todo, el IVA, a menudo sin haber cobrado la actuación. No puede haber mayor paradoja: por un lado, la Administración no te paga y por otro te exige el IVA de un dinero que no has recibido. Hay empresarios que han ido a los ayuntamientos con un notario para que levantara acta del impago, pero son los menos, porque eso supone perder más tiempo y más dinero.

Hace poco, una concejala de Cultura de un Ayuntamiento de Levante encontró la piedra filosofal para recortar presupuestos: "A partir de ahora", dijo, "la programación la haremos con las compañías de aficionados de cada localidad". Pensamos que era una salida de pie de banco, pero encontró eco. A los cuatro días, otro consejero de Cultura dijo que a partir de ahora los bolos se pagarían a 1.500 euros, que o lo tomaban o lo dejaban. Yo no tengo nada en contra del teatro amateur, pero la jugada está muy clara: miseria absoluta. No les importa que el teatro sea bueno o malo, amateur o profesional. Lo único que les importa es pagar a precios de derribo. ¿Qué puedes montar con esa cantidad? Claro, tendrán que ir ilegales todos, sin Seguridad Social, sin nada, con cuatro focos porque no puedes ni pagar al técnico de luces. Eso es volver a los días de El viaje a ninguna parte.

Dicen que la industria privada va a "entrar", todavía no se sabe muy bien cómo, en muchos de esos teatros municipales. Puede que sea una buena idea, aunque pienso que si no nos han llamado nunca no veo por qué van a hacerlo ahora, ni sé si me va a convenir. A unos compañeros les contrataron la primavera pasada para actuar tres semanas en un teatro de empresa privada. Les dijeron que tenían que estar muy contentos porque aquello no pasaba todos los días. Y lo estaban, porque cada noche veían la sala bastante llena. La felicidad se acabó cuando comenzaron a llegar las liquidaciones: el promedio indicaba que entre ofertas, descuentos, promociones y jubilados (que no es que sea el mejor público) estaban vendiendo las entradas a nueve euros. O sea, que llenar llenaron, pero acabaron perdiendo dinero.

Lo peor es que se te queda cara de tonto cuando te dicen que el teatro español vive uno de los momentos más brillantes de su historia. Es cierto que sigue habiendo mucha creatividad y mucho empeño, pero con esa excusa están recortando a tajo. Yo digo que más que crisis hay caudales muy mal repartidos, porque con los presupuestos públicos se siguen haciendo espectáculos carísimos. Los teatros nacionales no han cambiado su estructura paquidérmica, con montajes grandes (que no es lo mismo que grandes montajes), casi siempre para lucimiento de sus responsables, escenografías inamovibles y, por tanto, escasa o nula posibilidad de gira: se ven uno o dos meses allá donde se hicieron y se acaba la historia.

Y luego se te pone todavía más cara de tonto cuando te dicen: "No te quejes, que con eso de las subvenciones vivís de la sopa boba". Es como lo de los maestros, que no llegan a fin de mes pero tienen tres meses de vacaciones. Hablando de subvenciones: ahora, en noviembre, están a punto de hacerse públicas las que pedimos, porque son anuales. Lo cual quiere decir que para poder cobrar has de estrenar antes del 31 de diciembre: por tanto, tienes un mes y pico para montar y presentar un espectáculo. Y antes no has podido prepararlo, obviamente, porque no tenías la pasta, y ya no te arriesgas a pedir otro crédito. Y tampoco puedes decirles a tus actores: "No cojáis esa serie o esas sesiones de doblaje, que un verdadero actor ha estar haciendo teatro aunque se muera de hambre: ya cobraréis una décima parte cuando llegue la limosna del ministerio o de la comunidad". Porque eso es lo que es, llámale limosna o llámale pedrea. Y fíjate que, pese a todo, a muchas compañías les sale más a cuenta pedir una subvención y hacer un nuevo espectáculo que seguir con el del año pasado, porque no tienen dónde colocarlo: por eso también se hacen tantas funciones innecesarias y tienen una vida tan corta. Yo siempre he recelado de la cultura subvencionada, pero todavía desconfío más de la famosa ley del mercado. El mercado es una apisonadora que lo iguala todo. Lo primero que un programador te va a pedir son nombres: actores "populares", mayormente de televisión. Es muy, pero que muy difícil, estrenar una obra con actores desconocidos. Y tanto si eres director como autor te van a pedir comedia, comedia por encima de todo, que la gente lo que quiere es divertirse y olvidarse de la que está cayendo, y si es con tres personajes mejor que con cuatro, y si es un monólogo con ese chico o esa chica que presenta un concurso, pues mejor que mejor. Y luego, a esperar, porque no hay bastantes salas. Un proyecto puede tardar dos años en estrenarse, y pilla tú a los actores pasado ese tiempo. Y los programadores quieren ver la obra en Madrid o en Barcelona antes de llevarla de gira, cuando antes era al revés: primero ibas de gira y luego "entrabas" en la capital.

Nosotros no es que hagamos un teatro raro ni difícil, pero en tiempo de crisis todo lo que no sea instantáneamente rentable pasa a ser raro y difícil. Yo no sé cuál es la solución, porque no soy político ni empresario, pero sé que bajo el imperio de la rentabilidad inmediata nunca se hubiera estrenado Esperando a Godot ni muchas otras. Ni, ya puestos, se hubiera escrito el Ulises ni se hubiera rodado jamás Los Soprano.

Quizás todo lo que está pasando sirva para aguzar nuestro ingenio y encontrar nuevas formas de supervivencia. Quizás muchos nos quedemos en el camino y tengamos que dedicarnos a otra cosa. Corto y cambio, porque los temas son muchos y ya está bien de quejas. Mi padre, que es cómico viejo, dice que peores crisis vivió él, y que el teatro es como un corcho en mitad del mar: parece frágil y minúsculo pero no hay ola que se lo lleve al fondo. Ya se irá viendo. Recibe un fuerte abrazo.

jueves, 24 de noviembre de 2011

Casting en Pamplona para buscar a los tres niños que protagonicen el musical "Sonrisas y lágrimas"

Mañana viernes tendrá lugar un casting para elegir a los tres niños que interpretarán los papeles de los tres hijos menores de la familia Trap, protagonista del musical Sonrisas y lágrimas que Fundación Baluarte ofrecerá en el mes de febrero.

La nueva producción de este musical se estrenará las próximas navidades en Canarias, y Pamplona será una de las primeras ciudades de la gira. La audición se realizará a partir de las 16.00 hrs. en la Sede del Orfeón Pamplonés en la Calle Pozoblanco.

Los productores del musical elegirán en cada una de las ciudades que visite el musical los niños que interpretaran los papeles de los hijos menores de la familia Trap: Kurt (apariencia de 8-13 años) Marta (apariencia de 6-9 años) y Gretl (apariencia de 4-7 años).

Para la prueba, los aspirante deberán preparar la canción del Do, re, mi y una breve escena, además de realizar una inscripción previa.

Toda la información está disponible en http://www.sonrisasylagrimas.com/audiciones-pamplona.html.

"El Ratoncito Pérez" en Ansoain, "Momo" en Lodosa y "Ondina Glups" en Artica, teatro para los más pequeños

TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR.

ANSOAIN. Misión Imposible. El ratoncito Pérez contra la Bruja Caries, escrita y dirigida por Víctor Iriarte. Producción del Teatro Gayarre y Olazar Gestión con el patrocinio del Gobierno de Navarra. Sábado a las 18 horas en el Teatro de Ansoáin. Precio: 3,60 euros.

ARTICA. Caleidoscopio ONDINA GLUPS. a partir de 4 años Domingo a las 18:00 horas. Entrada 3 euros.

LODOSA. La ortiga con Momo. Domingo a las 18 horas en la Casa de Cultura. Precio: 3 euros

Agenda teatral: Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez en el Gayarre, Suripanta y Malaje con su humor y Leo Bassi

TEATRO HOY JUEVES.

GRUPO DE TEATRO ZARRAPASTRA. EL MIEDO QUE ME HABITA. Con MARIABEL BALLAZ, NIEVES OTEIZA, Manolo Almagro, Alejandro Arizkun, César Garbayo, Carmen Izal, Jaime Malón, Adelaida Santesteban y Puy Tirapu,
Casa de Cultura de Villava. Jueves a las 20 horas, 3€
Cines Los Llanos de Estella. Viernes a las 20,45 horas. 2€
Teatro Gayarre de Pamplona. Atención: Domingo a las 12 horas. 5€

CICLO ANTZERKI AROA. Representaciones en euskera para adultos. Dar Dar ofrece Ezti. Jueves las 20.30 horas en la Escuela Navarra de Teatro. Precio: 8 euros (5 euros para grupos de enseñanza).


EL VIERNES.

TEATRO GAYARRE.
Elling y Jarne. Con Carmelo Gómez y Javier Gutiérrez. Dirección: Andrés Lima. Una pareja recluida durante años en un sanatorio psiquiátrico con la única enfermedad de no ser capaces de adaptarse a la vida en sociedad. Quizá su enfermedad sea que no quieren dejar de ser niños y salir a convivir en un mundo donde sólo los más fuertes pueden sobrevivir. Elling y Jarne son dos cuarentones. Ninguno de los dos tiene un diagnóstico claro, por lo que su gobierno, decide llevarlos a un piso de adaptación donde se preparen para la vida normal. Viernes 25 y sábado 26 de noviembre a las 20 horas en el Teatro Gayarre. Precios: 23 euros (sala), 18 euros (palco) y 8 euros (anfiteatro).

MÉDICOS DEL MUNDO. Clan de bichos ofrece Caperucitas: esclavas del lobo. Viernes a las 18.30 horas en la Escuela Navarra de Teatro. Entrada libre.

ANSOAIN. Suripanta Teatro con Torero. Viernes a las 22 horas en el Teatro de Ansoáin. Dirección: Esteve Ferrer. Precio: 12,75 euros.
- el domingo a las 8 en MUTILVA. Entrada: 6 euros.

ZIZUR. Iluna Producciones con Nosotros que crecimos odiando a la movida. Viernes a las 22 horas y sábado 26 de noviembre a las 20 horas en la Casa de Cultura de Zizur Mayor. Venta de entradas: www.entradas.com. Precio: 6 euros.
- el domingo a las 8 de la tarde en VILLAVA. Entrada. 6 euros.

NOAIN. Un paseo por el musical. Concierto a cargo de Sandra Domínguez, Iñigo Irigoien y Francesca Croccolino. Viernes a las 22 horas. Entrada: 4 euros.

VILLAVA. El principito, de Antoine de Saint-Exupery, versión de Luis López Arribas y dirección de Joaquín Calderón. A las 17.30 horas en euskera y a las 20.00, en castellano.

TAFALLA. Sex Peare con ¡Qué pelo más guay! Viernes a las 20.30 horas en la Casa de Cultura de Tafalla. Precio: 6 euros.

LODOSA. Malaje solo con Humor platónico. Viernes a las 21.30 horas en la Casa de Cultura de Lodosa. Precio: 6 euros.


EL SÁBADO.

AUDITORIO BARAÑAIN.
Leo Bassi con Utopía. Sábado 26, a las 20.30 horas con entrada a 15 euros. Una critica a la falta de pasión y desconcierto de los políticos de izquierdas progresistas.

SANGUESA. TXALO PRODUCCIONES Café chino. Con Manuel Galiana y Asier Hormaza, que interpretan a dos amigos que aspiran a convertirse en reconocidos escritores. Estreno en Navarra. Sábado a las 20:00 horas en el Auditorio del Carmen. Entradas: 8 €


TEATRO ESTE DOMINGO.

SARRIGUREN.
Kolectivo Monstrenko: Tenemos que hablar. Domingo a las 19 horas en el colegio Maristas de Sarriguren. Precio: 4 euros. Se pueden adquirir desde una hora antes del comienzo de la actuación.

ESCUELA NAVARRA DE TEATRO. Ciclo FESTA 2011, con patrocinio del Gobierno de Navarra. Todas las funciones a las 20 horas. Entradas a 12 euros. Domingo 27 y martes 29 de noviembre. La navarra Lorena Arangoa, ex alumna de la ENT, con Ensimismada, dirigida por Patxi Larrea.

"La sílfide" por el Ballet de Minsk y Laida Azcona con su estreno "Mu-To", citas de danza este fin de semana en Pamplona

BALUARTE. Ballet del Gran teatro de Minsk. La Sílfide. Viernes a las 20 horas en Baluarte. Precios: 32, 27 y 22 euros.
La Sílfide es uno de los ballets más importantes del siglo XIX y la obra cumbre del ballet romántico. Se estrenó en 1832 en la Ópera de París con música de Herman Lovenskjold y coreografía de Filippo Taglioni, que la realizó en función de las cualidades de su hija, la célebre bailarina Marie Taglioni, quien bailó por primera vez sobre la punta de los pies y marcó el inicio de la era romántica en la danza y la supremacía de la figura de la ballerina. El argumento original, creación de Adolphe Nourrit, cuenta la historia trágica de un joven escocés que se enamora de una etérea sílfide, símbolo del amor inalcanzable. El ballet es una obra llena de pasión por la que desfilan escoceses, sílfides y hechiceras, y se incluye en el repertorio de las compañías de danza más activas, como lo es el Ballet del Gran Teatro de Minsk, creado en 1933 y ligado al Teatro de Opera de la capital de Bielorrusia.

CIVIVOX ITURRAMA. Ciclo Espacio de DanZ. Compañía HierbaRoja. Mu-To, de Laida Azcona. Sábado a las 19:30 horas. Entrada: 6 euros.
Es una exploración en torno a la memoria. El proceso creativo lo comenzó Laida en solitario tras la petición de Civivox Iturrama de compartir con el público un sólo en proceso. Esta primera muestra ocurrió en abril 2010. En la segunda fase, la artista plástica Verónica Eguaras se unió al proyecto. Junto a Verónica mu-to se representó en Vitoria, Barcelona, Madrid y Recife. Esta fase se cerró el pasado agosto tras la actuación en Pamplona dentro de la programación Ciudadelarte 2011. Mu-to (excavar un túnel hasta China), se estrena el 26 de noviembre de 2011 En esta ocasión Laida ha vuelto a asumir la dirección del proyecto en solitario y ha contado con Pablo Gisbert como dramaturgo. Su pre-estreno ocurrió el pasado 5 de noviembre en el Festival BAD de Bilbao.

Agenda musical: "Tosca" semiescenificada, un homenaje a Lorenzo Ondarra y concierto de la OSE con la coral Andra Mari

BALUARTE. AGAO presenta Tosca, de Puccini. Versión semiescenificada. Tosca: Carmen Solís (soprano), Cavaradossi: José Ferrero (tenor), Scarpia: Christopher Robertson (barítono), Angelotti: Javier Borda (bajo), Spoletta: Vicenç Esteve (tenor), Sacristán: Fernando Latorre (bajo). Coro "Premier Ensemble" de AGAO. Dirección del coro: Jordi Freixa. Coro infantil "Leioa Kantika Korala". Olsztyn Philarmonic Orchestra. Dirección musical: Piotr Sulkowski. Dirección escénica: Lander Iglesias. Coproducción AGAO-AMAK. Sábado a las 20 horas. Entradas: 56, 39 y 29 euros.


SALA DE CÁMARA DE BALUARTE. Organizado por el Ayuntamiento de Pamplona. Concierto homenaje Una vida dedicada a la música, Lorenzo Ondarra, 80 cumpleaños. Viernes a las 20 horas, en la sala de Cámara del Auditorio Baluarte, Orfeón Pamplonés, Coro San Fermín, Conservatorio Superior de Navarra, Conservatorio profesional Pablo Sarasate y asociación de txistularis. Precio: 2 euros.

ORQUESTA SINFÓNICA DE EUSKADI. Concierto de ciclo en Baluarte. Lunes 28, a las 20 horas. Ana Quintans, soprano. Ida Aldrian, mezzosprano. José Luis Sola, tenor. Klemens Sander, barítono. Coral Andra Mari. Andrés Orozco-Estrada, Director.
F. Schubert: Misa nº 5 en la bemol mayor.
C. Saint-Saëns: Sinfonía nº 3 en do menor, opus 78, “Avec Orgue”. Entradas a 12,5 euros, 20 y 26 euros.

Estrenan "El principito" en castellano, vasco e inglés

La casa de cultura de Villava programa este viernes sendas funciones de estreno de El principito, adaptación de la obra de Antoine de Saint-Exupéry de Luis López Arribas dirigida por Joaquín Calderón. La escenografía es de Asun Requena y el vestuario de Arkaitz Mina.

Las representaciones serán a las 17.30 horas en euskera y a las 20.00, en castellano.

La obra se representará el lunes en inglés para colegios. Cada idioma cuenta con un reparto diferenciado. La producción cuenta con proyecciones audiovisuales y música original. El director señala que la obra pretende transmitir valores "como la amistad, la solidaridad, la autenticidad y el compañerismo".

La llave maestra y su "Bestiario" reciben un sello de calidad

La obra Bestiario, de la compañía navarra La Llave Maestra, ha sido premiada con el sello de calidad Quality Label 2012, otorgado por la Red Europea de Teatro Visual y Mimo (E-Mix).

Este reconocimiento se ha concedido a este espectáculo por la "calidad poética y visual de su puesta en escena" y por la "innovadora mezcla de elementos escénicos gestuales como las máscaras de rostro entero y la animación de objetos.

El Quality Label ha sido otorgado a ocho compañías de toda Europa.

El grupo de teatro Aran Aran, premiado en Álava

La compañía navarra Aran Aran ganó el premio a mejor montaje del Festival de Teatro de Alegría Dulantzi (Álava), con la obra De cómo moría y resucitaba Lázaro, el lazarillo, así como el galardón a la mejor actriz principal para Eva Azpilicueta.

Aran Aran, fundada en 2007, pone en escena en este espectáculo una versión muy personal y divertida del Lazarillo de Tormes, en la que su autor, Arístides Vargas, acerca a este mítico personaje al siglo XXI. La obra se ensayó en el otoño de 2010 en Ecuador, adonde se trasladó el equipo artístico y técnico.

Zarrapastra estrena "El miedo que me habita", una denuncia sobre la violencia sexista y el feminicidio

El grupo de teatro pamplonés Zarrapastra estrena hoy El miedo que me habita, un espectáculo de denuncia de la violencia contra las mujeres en el Día Internacional de la lucha contra esta lacra. El grupo fue entrevistado en el programa El Apuntador el jueves 17 de noviembre.

Representaciones:

Casa de Cultura de Villava. Jueves a las 20 horas, 3€
Cines Los Llanos de Estella. Viernes a las 20,45 horas. 2€
Teatro Gayarre de Pamplona. Atención: Domingo a las 12 horas. 5€

En la obra se recuerda que este tipo de violelncia ha dejado doce víctimas en Navarra en los últimos diez años. En España, solo en 2011, ya son 63 las asesinadas. En el mundo, una de cada cinco mujeres ha denunciado haberla padecido, según las estadísticas que manejan las asociaciones Andrea y Lunes Lilas.

"Desde el arte también se puede trabajar por los derechos humanos", aseguró ayer Tere Sáez, técnica de Igualdad del Ayuntamiento de Estella, y miembro de Andrea y Lunes Lilas. "El tema no es fácil y no resulta sencillo hacerlo, pero sí era muy necesario", reflexionó. "La base del problema es la desigualdad y, por ello, la única vacuna posible es la igualdad", añadió.

El montaje dirigido por Assumpta Bragulat participan en el equipo artístico y técnico Manolo Almagro, Alejandro Arizkun, Mariabel Ballaz, César Garbayo, Carmen Izal, Jaime Malón, Nieves Oteiza, Adelaida Santesteban y Puy Tirapu.

La obra está dividida en dos partes. En la primera, cuatro mujeres exponen a través de monólogos cómo se vive este tipo de violencia en el ámbito del hogar. En la segunda, se abre el zoom y el foco se pone en los feminicidios que se están dando en todo el mundo. Por ejemplo, el de Ciudad Juárez, a través de grabaciones en las que hablan madres de jóvenes muertas o desaparecidas.

Nieves Oteiza, miembro de Zarrapastra, explicó que era un tema que habían querido abordar desde hacía tiempo, pero que no ha sido hasta ahora cuando lo han puesto en marcha. César Garbayo, miembro del reparto, hizo hincapié en que la obra recoge a los hombres como parte fundamental en el proceso de concienciación y denuncia.

Dar Dar ofrece en euskera "Etzi" hoy jueves en la ENT

La compañía Dar Dar abre hoy jueves una nueva temporada de Antzerki Aroa, el ciclo de teatro en euskera organizado por el Ayuntamiento de Pamplona en colaboración con la Escuela Navarra de Teatro. La obra representada es Etzi (Pasado mañana), una adaptación del cuento homónimo de Karlos Linazasoro.

La actuación comienza a las 20.30 horas. Precio: 8 euros (5 euros para grupos de enseñanza).

Uno de los papeles principales de Etzi lo representa el veterano actor José Ramón Soroiz, quien ha trabajado en películas como Vacas-Behiak o Maite. Le acompaña Gorka Zufiarre, uno de los pocos actores profesionales de compañías nacionales con síndrome de Down, que ha participado en distintas películas y series de televisión. Zufiaurre interpreta al protagonista, Bruno.

En esta nueva temporada de Antzerki Aroatambién subirán al escenario Ramón Agirre e Inazio Tolosa, quienes representarán Xentimorik gabe (Sin un puñetero euro) el 15 de diciembre.

miércoles, 23 de noviembre de 2011

"Sonrisas y lágrimas", "Norma", "La flauta mágica", Sara Baras, Els Joglars y dos orquestas en Baluarte el próximo curso

La Fundación Baluarte ha presentado hoy la nueva temporada de febrero a mayo de 2012, compuesta por once espectáculos de ópera, zarzuela, música clásica, danza, teatro y teatro musical.

9 de febrero. Un espectáculo de teatro musical que comenzará en Baluarte su gira por España antes de llegar a Madrid y Barcelona: Sonrisas y lágrimas, de Rodgers y Hammerstein II.

19 de febrero se pondrá en escena la ópera Norma, de Vincenzo Bellini, en versión de concierto con la orquesta Europa Galante y su director Fabio Biondi al frente de un grupo de solistas y del Coro de la Catedral de Valencia.

24 marzo. La Orquesta Nacional de Francia interpretará la novena sinfonía de Gustav Mahler, bajo la dirección de Daniele Gatti.

30 y 31 marzo, la Compañía Nacional de Teatro Clásico representará El Alcalde de Zalamea, de Calderón de la Barca.

14 de abril, con el Orfeón Pamplonés y la Orquesta Sinfonía Varsovia interpretando la Missa Solemnis de Beethoven bajo la dirección del maestro Rafael Frühbeck de Burgos.

27 abril. El pianista Krystian Zimerman homenajeará a Claude Debussy en su 150 aniversario.

4 y 6 de mayo se podrá ver la producción del Gran Teatro del Liceo de Barcelona de la ópera mozartiana La flauta mágica, que cuenta con la puesta en escena de Joan Font (Els Comediants).

13 de mayo será el turno del Ballet de Zurich, que ofrecerá un programa dedicado a las Suites para violonchelo de Bach, En el viento, en la nada.

15 mayo llegará Amadeu, de Albert Boadella (Els Joglars), que hace un repaso por las zarzuelas de Amadeo Vives.

21 de mayo regresarán Les Grands Ballets Canadiens para presentar la historia de los amores de Leoncio y Lena.

1 y 2 de junio con el nuevo espectáculo de Sara Baras y su ballet flamenco, que volverá a los escenarios con una gran producción dedicada a conmemorar la Constitución de Cádiz de 1812, La Pepa.

lunes, 21 de noviembre de 2011

Concierto en homenaje a Guridi en Civivox Condestable

Finaliza hoy el ciclo Melodías del XIX y del XX, organizado por civivox Condestable, con el concierto Variaciones musicales, un homenaje a Jesús Guridi a cargo del dúo compuesto por Roberto Casado (flauta) y Francesca Croccolino (piano).

La entrada a la actividad es libre, previa retirada de invitación una hora antes, máximo dos por persona.

El dúo interpretará Tirana, de Jesús Guridi; Solo en do m y Solo en Sib M, de Emilio Arrieta; Divertimento sobre Lucia di Lammemor, de Joaquín Gaztambide; Jota aragonesa, de Isaac Albéniz; Oinazez, de Aita Donostia; Ofrenda a Falla, de Jesús Arambarri; Sardana, de Eduard Toldrá; Meditació, de Josep Mª Ruera; Divertimento, de Vicente Echevarría; Dedicatoria, de Fedrico Moreno; Aria antigua, de Joaquín Rodrigo; y Sonatina de J. Fermín Gurbindo.

El dúo Casado-Croccolino se formó en 1998 con la intención de dedicar una especial atención al repertorio escrito para la formación de flauta y piano en el siglo XX.

El II Congreso de la Gestión Cultural de Navarra, que comienza mañana, debate planificación, públicos y profesionalización

La Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Navarra (APGCNA) celebra el martes 22 y el miércoles 23 de noviembre el II Congreso de Gestión Cultural de Navarra. Retos del sector cultural en el contexto actual: planificación, públicos y profesionales.

Las sesiones se desarrollarán en la Casa de Cultura de Villava durante la mañana y tarde del martes 22 y la mañana del miércoles 23 de noviembre.

PRESENTACIÓN
La cultura se perfila como uno de los pilares básicos de la sociedad actual y se convierte en elemento de cohesión, de innovación y de desarrollo. La cultura es por lo tanto una herramienta estratégica indiscutible en el desarrollo sostenible del territorio y este valor cobra especial relevancia en el actual contexto de crisis.

La cultura, en este sentido, es capaz de asumir las diversidades, los cambios definitorios de nuestro mundo actual y ofrecer nuevas fórmulas de expresión acordes con los tiempos inciertos y cambiantes que nos ha tocado vivir. Además, se manifiesta, desde un punto de vista económico, como un sector cada vez más relevante en las economías de los países desarrollados.

Planificar las políticas culturales, identificar a unos públicos variados y cada vez más formados en el hecho cultural y valorar el papel de gestor cultural como ejecutor de dichas políticas culturales e intermediario entre la creación y los públicos, son elementos claves para validar el papel de la cultura en nuestra sociedad.

En este II Congreso de Gestión Cultural de Navarra pretendemos reflexionar sobre los retos que el sector cultural y las políticas culturales afrontan en el actual contexto de crisis económica; crear un espacio de encuentro entre profesionales de la Gestión Cultural de Navarra que sirva para afianzar la especificidad de la profesión y dar a conocer el Pacto por la Cultura promoviendo la adhesión al mismo.

Destinarios/as: profesionales de la Gestión Cultural (ámbitos público, privado y asociativo), responsables de equipamientos culturales, docentes de áreas relacionadas con la Gestión Cultural, concejales y responsables políticos de áreas de Cultura, estudiantes de Gestión Cultural, artistas, creadores/as y periodistas interesados/as en la acción cultural.

MARTES 22

9:00 Acreditaciones y entrega de documentación
9:30 Acto inaugural. José Vicente Urabayen, Presidente de la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Navarra. Juan Luís Sánchez de Muniáin, Consejero de Cultura, Turismo y Relaciones Institucionales del Gobierno de Navarra.

Ámbito: ACCIÓN CULTURAL Y PLANIFICACIÓN ESTRATÉGICA

10:00 Planificación estratégica de la cultura en España: balance y retos actuales. Félix Manito, Presidente de la Fundación Kreanta.
11:00 Los procesos de planificación estratégica en la CAV. Mikel Etxebarria, Servicio de Acción Cultural de la Diputación Foral de Bizkaia.
11:30 Donostia-San Sebastián 2016: una apuesta estratégica por la cultura y los valores democráticos. Eva Salaberria, Coordinadora Gerente.

12:00 Pausa-café

12:30 El Plan Estratégico de Cultura del Ayuntamiento de Pamplona. Teresa Lasheras, Directora del Área de Cultura del Ayuntamiento de Pamplona.
13:00 Debate – Coloquio con los/las ponentes. Modera: Félix Manito, Presidente de la Fundación Kreanta.

14:15 Almuerzo. Hotel Villava

Ámbito: ESTRATEGIAS DE DESARROLLO DE PÚBLICOS

16:15 Una propuesta de ocio y cultura para una sociedad en profunda transformación. Roberto San Salvador, Vicerrector de la Universidad de Deusto.
17:15 Nuevos públicos, nuevas vías, nuevas fronteras. Josep Alcaina, Teatre Auditori de San Cugat del Vallés.

18:15 Pausa-café

18:30 Debate – Coloquio con los ponentes. Modera: Marisol Martínez, Técnica de Cultura del Ayuntamiento de Aoiz.

19:15 Futuro de la política cultural en Navarra. Grupos Parlamentarios de Navarra. Modera: José Vicente Urabayen, Técnico de Cultura del Ayuntamiento de Villava.


MIÉRCOLES 23

Ámbito: PROFESIONALIZACIÓN DE LA GESTIÓN CULTURAL

9:30 Presentación de la Federación Estatal de Asociaciones de Gestores
Culturales (FEAGC). Rafael Burgos, Presidente de FEAGC.
10:00 Pacto por la Cultura
10:30 El gestor cultural en tiempos de crisis. Xavier Marcé, Universidad Pompeu Fabra.

12:00 Pausa-café

11:30 Debate – Coloquio con los ponentes. Modera: Sonia Ezquerrena, Vocal de la Junta de la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Navarra.
13:00 Adhesión al Pacto por la Cultura.
13:30 Clausura Congreso.

Así nos luce el pelo: La provisionalidad de la gerencia del Gayarre

Comunicado de la ASOCIACIÓN DE GESTORES CULTURALES ANTE LA PROVISIONALIDAD DE LA GERENCIA DEL GAYARRE.

Desde principios de agosto, los ciudadanos de Pamplona asisten, entre atónitos y asombrados, a una virulenta discusión sobre el nombramiento del nuevo Director/a-Gerente del Teatro Gayarre. Lamentablemente el Teatro municipal que tanto costó recuperar para los pamploneses y que tiene una importancia vital en la “salud cultural” de la ciudad y en el desarrollo de los sectores profesionales y amateur de las artes escénicas en Navarra, está siendo noticia durante estos meses por la incapacidad de los miembros de la Junta del Patronato de la Fundación Municipal Teatro Gayarre de sacar adelante el nombramiento del Director-Gerente.

Ante esta situación la Junta Directiva de la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Navarra quiere manifestar públicamente:

1-Su apoyo a José Mª Asín, quien es un excelente gestor cultural de dilatada y prestigiosa trayectoria, además de un actor de primer nivel. Sus compañeros pensamos que puede realizar una solvente labor desde la dirección-gerencia del Teatro Gayarre.

2-Que mantener al Teatro Gayarre en la actual situación de provisionalidad es una actitud de irresponsabilidad. El Teatro necesita una dirección dedicada en exclusiva, con claras líneas estratégicas de fomento de la producción de espectáculos que sirva de apoyo al castigado sector escénico navarro. Tampoco se puede descuidar al público que es un ente frágil, la labor de siembra de estos 14 años podría correr el riesgo de perderse.

3-Solicitar a la Junta del Patronato que consensue y designe cuanto antes un/a Director/a-Gerente de la Fundación Teatro Gayarre.

Firmado: Junta Directiva de la Asociación de Profesionales de la Gestión Cultural de Navarra (Lorenzo García, Virginia Hernández, Raúl Iglesias, Elena Iriarte, Marisol Martínez, Patxi Mikeo, Javier Paz y José Vicente Urabayen).

viernes, 18 de noviembre de 2011

Así nos luce el pelo: sobre la zafiedad del país

"España, nación donde el plebeyismo y la zafiedad en sus sucesivas variantes (pensemos, a modo de ejemplo, en los programas actuales de televisión de mayor audiencia) han encontrado, incluso en las capas cultas de la sociedad, terreno propicio desde hace varios siglos. El ambiente populachero, de vulgaridad asumida, perjudica no menos el arraigo social de la formas artísticas de alto rumbo que a las personas privadas de conocerlas y disfrutarlas. Vocablos como intelectual, estilista, lírica, retórica, bellas letras, se han impregnado en la lengua española de nuestros días de connotaciones peyorativas. Se dijera, en conclusión, que un tío que escribe inspira más confianza que un literato".

"La remuneración en dinero o en especie no significa que el escritor haya despachado la tarea con mérito ni que dicho mérito, de haber existido, sea cuantificable, aunque no falten en el gremio literario quienes crean que valen lo que se les paga. En rigor, no hay recompensa más digna que la de comprobar que no se ha trabajado en vano, que lo que uno hizo con perseverancia y esmero en su soledad laboriosa resulta útil, significativo, quizá deleitoso, para los demás. Esta expectativa no tiene por qué estar morbosamente ligada a la vanidad, reproche común allí donde los gustos populares, elevados a norma, toleran a regañadientes la excelencia. Al profano le sale más fácil admirar a quien emplea para fines estéticos instrumentos o materiales costosos cuyo manejo requiere, por añadidura, un arduo aprendizaje. Pienso en el caballete y los trebejos de pintar, en los mármoles del escultor, en el arpa, en la cámara cinematográfica. Sin embargo, ni el lector más cerrado de mollera duda en juzgar, tasar y aun corregir las obras de quienes se propusieron hacer arte con esa cosa vulgar, cotidiana y sin dueño que hasta los niños llevan a la boca: la palabra".

Fernando Aramburu en La literatura y los que la leen, Babelia-El País (8-10-2011)

Así nos luce el pelo: ante las negras perspectivas económicas

"La humanidad sólo produce optimistas cuando ha dejado de producir seres felices" (Chesterton).

Más triste que ver a un joven pesimista es encontrar a un viejo optimista" (Mark Twain).

"Llegó la hora del optimismo, guardemos el pesimismo para días mejores" (pintada en un muro).

"Me siento muy optimista acerca del porvenir del pesimismo" (Rostand)

La adaptación española de un musical sobre Bob Esponja se podrá ver el 28 de diciembre en el Anaitasuna de Pamplona

Un espectáculo musical que tiene como protagonista a Bob Esponja se podrá ver en Pamplona el miércoles 28 de diciembre. Será a las 16.30 y a las 19.00 horas en el pabellón Anaitasuna.

Las entradas ya están a la venta en las oficinas de Caja Rural por 15 euros, en las oficinas de Diario de Navarra para los suscriptores de Diario de Navarra por un precio de 11 euros, o 18 euros comprando la entrada en la taquilla del Pabellón Anaitasuna.

Bob Esponja es uno de los dibujos animados preferidos de la audiencia infantil española. La popular serie animada fue ideada por el biólogo marino Stephen Hillenburgh y se emite en todo el mundo. La esponja amarilla y su universo surrealista se han convertido en un clasico de la animación infantil y ha traspasado fronteras convistiéndose en la licencia con mayor desarrollo en productos de consumo de los últimos años.

Smiley Entertainment, empresa de gestión cultural de Pamplona formada por los gestores culturales Arturo Cisneros, Rubén Jauregui, Mikel Martikorena (anteriormente en la empresa Artsaia), ha traído a España la adaptación de este musical creado en Broadway por Nickelodeon Theatricals en Broadway.

Smiley se ha encargado de dirigir desde Pamplona la adaptación artística y técnica de la obra así como del diseño y explotación de la gira por España y Portugal, dirección de casting, adaptación de escenografía y atrezzo, desarrollo de un nuevo sistema de vuelos "flying trust", diseño de la gira, coordinación logística o dirección financiera. Se estrenó la pasada Navidad en Madrid.

El Teatro Gayarre ofrece este viernes y el sábado "Drácula", con Ramón Langa y Emilio Gutiérrez Caba

El Teatro Gayarre programa este fin de semana Drácula , dirigida por Eduardo Bazo y Jorge de Juan, y con el actor Ramón Langa encarnando al mítico conde, mientras que Emilio Gutiérrez Caba da vida al doctor Van Helsing.

Viernes y sábado a las 20 horas en el Teatro Gayarre. Precios: 19 euros (sala), 16 euros (palco) y 8 euros (anfiteatro).

Esta versión de Jorge de Juan recoge la experiencia acumulada en más de mil representaciones de La mujer de negro, obra que también se pudo ver en temporadas pasadas en el escenario del Teatro Gayarre, junto a Emilio Gutiérrez Caba y Eduardo Bazo, quienes se han confesado reincidentes en trasladar a un escenario uno de los sentimientos más difíciles de generar: el miedo. Junto a los actores ya mencionados, sobre el escenario estarán Martiño Rivas, María Ruiz, Amparo Climent, César Sánchez y Marío Zorrilla.

El 18 de mayo de 1897 (ocho días antes de la publicación de la novela), se hizo una lectura de Drácula por un grupo de actores en el Lyceum Theatre. Esta representación fue organizada por Stoker, al parecer para garantizarse los derechos de autor sobre la novela y su personaje. Hamilton Deane adaptó la novela al teatro y en 1924 estrenó la obra en Londres, en 1927 en Broadway, después en Nueva York y en otras ciudades.

Desde Bela Lugosy hasta Frank Langela, numerosos actores han llevado al Conde Drácula a escena con esta versión teatral. En este Drácula de Hamilton Deane se han basado las tres versiones de la Universal Pictures: los dos Drácula de 1931 (Tod Brownin y George Melford) y el que dirigiera John Badham en 1979.

En el cine, y ya con otras versiones, directores de la talla de F. W. Murnau, Terence Fisher, Robert Siodmak, Werneg Herzog, Francis Ford Coppola y Neil Jordan, forman parte de la extensa nómina de directores que se han enfrentado al mito del vampiro a lo largo de la historia. Incluso Orson Wells llegó a rodar una versión de Drácula, con él mismo, como protagonista.

Numerosas adaptaciones para televisión (True Blood) hasta las recientes adaptaciones cinematograficas (Crepúsculo) confirman que el sueño del vampiro continúa en la cultura popular como uno de lo más ancestrales miedos de la humanidad.

Sinopsis. Mina, la hija del doctor Seward, tiene pesadillas con un horrendo ser de ojos rojos y con lobos y murciélagos. Su amiga del alma, Lucy, hija a su vez del amigo de su padre, el profesor Van Helsing, ha muerto en extrañas circunstancias. Mina está enferma, es una enfermedad desconocida, está débil, necesita sangre. Su novio, Jonathan Harker, está dispuesto a todo para salvarla. Su padre avisa a su viejo amigo Van Helsing y le comunica el triste fallecimiento de su hija, Lucy.
Van Helsing llega al sanatorio psiquiátrico del Doctor Seward dispuesto a enterrar a su hija y salvar a Mina. El profesor es experto en ciencias y en materias ocultas. Pronto se da cuenta de que de un conde rumano, recién llegado de sus lejanas tierras en Transilvania, y que visita a la familia Seward desde que llegó, esconde un secreto que solo el profesor Van Helsing es capaz de descubrir y enfrentarse a él. El mito del vampiro ha sido fuente de estudio del viejo profesor durante muchos años. Ahora se enfrenta a uno. Al más antiguo y al más cruel de todos: El Conde Drácula.

Aracaladanza ofrece su premiada coreografía "Nubes" para público familiar en Barañain y Burlada este fin de semana

La compañía Aracaladanza presenta en Navarra Nubes, un espectáculo de danza para público familiar para niños a partir de 6 años estrenado en diciembre de 2009 y premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud 2010, Premio Fetén 2010 al Mejor Espectáculo, Premio Max 2011 al Mejor espectáculo Infantil y Premio Max 2011 a Mejor Figurinista.

Dos oportunidades para verlo.

AUDITORIO BARAÑAIN. Sábado a las 20.30 horas en el Auditorio Barañáin. Precio: 8 euros.

CASA DE CULTURA DE BURLADA. Domingo a las 18 horas. Precio: 3 euros.

Enrique Cabrera es el creador y director de la coreografía que ejecutarán 6 bailarines al compás de la música de Mariano Lozano P. Ramos. El espectáculo, además contará con proyecciones de Álvaro Luna y un original vestuario y escenografía de Elisa Sanz y Ricardo Vergne.

El espectáculo está inspirado en el universo onírico, surreal, mágico y fantástico del pintor René Magritte y su forma de tratar los objetos son una invitación a abrir la puerta a la imaginación. Nubes es un trabajo en el que el absurdo se convierte en motor artístico y en el que se profundiza en la “marca de fábrica” de la compañía: la relación de la danza con objetos a los que se convierte en protagonistas.

Aracaladanza había estrenado anteriormente Pequeños paraísos, obra a su vez basada en El jardín de las delicias, un cuadro de El Bosco.

jueves, 17 de noviembre de 2011

El grupo Kilkarrak escenificará el sábado 26 de noviembre el entierro de la cultura en Estella

El grupo de teatro Kilkarrak de Estella ha organizado para el sábado 26 de noviembre un entierro de la cultura debido a los recortes de UPN en este área. Así, los actores de Kilkarrak han programado una representación que está abierta a todas las personas que deseen acudir a esta manifestación en la que cada asistente se convertirá en un participante activo en el entierro. Para ello se anima a los asistentes a que acudan vestidos de negro y con una vela.

La marcha saldrá a las 20 horas desde el hospital viejo, cuna de muchos ámbitos de la cultura de Estella, y se dirigirá hasta los cines Los Llanos pero por el camino, el humor negro será el protagonista.

El director de Kilkarrak, Pedro Echávarri, explica que fue una situación concreta la que "indignó" al grupo de teatro. "Todo comenzó cuando a raíz de los recortes Begoña Ganuza (alcaldesa de UPN) eliminó el ciclo de teatro. Este hecho nos indignó pero poco a poco fuimos viendo que esta situación se extendía hacia todo el ámbito de la cultura más cercana al ciudadano, así que decidimos hacer esta protesta", explica Echávarri. Por esto, aunque la convocatoria de manifestación parte de Kilkarrak, este grupo de teatro quiere denunciar los recortes que ha habido en el Ayuntamiento en todo el ámbito cultural.

Además de la decisión, los miembros de Kilkarrak se quejan también por las formas en las que se tomó la iniciativa. "Se ha hecho por decreto sin pararse a pensar en alguna otra solución. Estamos convencidos de que esta actividad, que tiene gran acogida, se podría haber autofinanciado de habernos parado a pensarlo unos minutos. En estos tiempos difíciles es mejor tener la cabeza serena", critica Echávarri.

"Drácula", "40, El musical", "Santa Perpetua", Nats Nus Danza ofrecen buenos espectáculos este fin de semana

UN MUSICAL EN BALUARTE, DE JUEVES A DOMINGO. BALUARTE. 40, EL MUSICAL. Guión del cineasta Daniel Sánchez Arévalo. Desde hoy, jueves 17, al domingo 20 de noviembre. Horarios: Jueves, 20.00 h.; Viernes y Sábado, 18.00 y 22.00 h.; Domingo, 17.00 y 21.00 h. Entradas: Entre 30€ y 50€

40. El Musical es una historia hilada por los grandes éxitos de ayer y de hoy de Los 40 Principales. Cerca de un centenar de canciones de las últimas cuatro décadas, entre fragmentos y piezas completas, son interpretadas en directo por cuarenta actores, bailarines y músicos. Este musical, que fue y sigue siendo la banda sonora de muchas personas, cuenta la historia de Joaquín, un radioaficionado, y sus amigos, unos jóvenes que intentan madurar y encontrar su lugar en el mundo. El mismo equipo de Hoy no me puedo levantar, empeñado en hacer musicales españoles, que acaba de estrenar un musical sobre canciones de Sabina.


TEATRO EL VIERNES.

TEATRO GAYARRE.
Drácula. Con Emilio Gutiérrez Caba, Ramón Langa, Amparo Climent, César Sánchez, María Ruiz, Martín Rivas, Mario Zorrilla. Versión y dirección de Jorge de Juan. El mismo equipo que realizó La mujer de negro, que tuvo mucho éxito. Un tipo de espectáculo que tiene muchos seguidores (no hay más que recordar El circo de los horrores hace dos años). Argumento: una chica enferma, su amiga ha muerto en extrañas circunstancias, ella tiene pesadillas con un horrendo ser de ojos rojos. Su novio busca la ayuda de un profesor experto en ciencias ocultas. Viernes y sábado a las 20 horas en el Teatro Gayarre. Intérpretes: Precios: 19 euros (sala), 16 euros (palco) y 8 euros (anfiteatro).

TAFALLA. Gesteatral con Carrera de obstáculos. Viernes a las 20.30 horas en la Casa de Cultura de Tafalla. Precio: 6 euros.


EL SÁBADO.

CIVIVOX ITURRAMA.
Ciclo Espacio de DanZ. Civivox Iturrama. Entrada: 6 euros. Sábado a las 19:30 horas. Nats Nus Danza. En attendant l’inattendu. Esperando lo inesperado. Coreografía de Claire Ducreux y Toni Mira. 19:30 horas.

CINTRUÉNIGO. Micomicón Teatro (Madrid) ofrece Santa Perpetua. Dirección: Laila Ripoll. Mayores de 16 años. Sábado a las 20 horas. En el centro de Artes Avenida. Entrada 8 euros. Venta en taquilla todos los días de 18 a 20 horas y en las oficinas del Ayuntamiento.
- Domingo a las 20 horas en la Casa de Cultura del Valle de Aranguren (plaza Eguzki de MUTILVA). Precio: 6 euros.

ALSASUA. Un paseo por el musical. Sábado a las 20.30 horas en el centro cultural Iortia de Alsasua.


TEATRO ESTE DOMINGO.

SARRIGUREN.
Kolectivo Monstrenko: Tenemos que hablar. Domingo a las 19 horas en el colegio Maristas de Sarriguren. Precio: 4 euros. Se pueden adquirir desde una hora antes del comienzo de la actuación.

ESCUELA NAVARRA DE TEATRO. Ciclo FESTA 2011, con patrocinio del Gobierno de Navarra. Todas las funciones a las 20 horas. Entradas a 12 euros. Domingo 20 de noviembre. La compañía barcelonesa Pelmànec con Diagnóstico Hamlet. Hamlet transfigurado en un joven japonés contemporáneo que se confina en un armario para aislarse del mundo y evitar la presión de la sociedad y la familia.

Teatro familiar: Aracaladanza, Periferia, La Ortiga y Fundación Teatro Gayarre, oferta teatral diversa para los más pequeños

TEATRO PARA PÚBLICO FAMILIAR.

AUDITORIO BARAÑAIN. Aracaladanza con Nubes. Para niños a partir de 6 años. Sábado a las 20.30 horas en el Auditorio Barañáin. Precio: 8 euros. Danza.
- Domingo a las 18 horas en la Casa de Cultura de BURLADA. Precio: 3 euros.

ANSOAIN. Periferia Teatro con Guyi, guyi. Marionetas. Para niños de 3 a 6 años. Sábado a las 18 horas en el Teatro de Ansoáin. Precio: 3,60 euros.
-Domingo a las 18 horas en el centro cultural de NOAIN. Precio: 3 euros.

VILLAVA. La Ortiga ofrece Momo. Domingo a las 20 horas en la Casa de Cultura. Precio: 6 euros.

ALSASUA. Misión Imposible. El ratoncito Pérez contra la Bruja Caries, escrita y dirigida por Víctor Iriarte. Producción del Teatro Gayarre y Olazar Gestión con el patrocinio del Gobierno de Navarra. Domingo a las 17 horas en el Centro Cultural Iortia. Precio: 3 euros.

La Orquesta Sinfónica de Navarra pone música a la ópera "Romeo y Julieta", de Gounod, en la ABAO de Bilbao

La Orquesta Sinfónica de Navarra será la formación musical que estará en el foso durante las representaciones de la ópera Romeo y Julieta, de Charles Gounod, que regresa a Bilbao tras catorce años sin representarse en la capital bilbaína.

La Asociación bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO-OLBE) ha programado esta obra que se escenificará en el Palacio Euskalduna de Bilbao los días sábado 19, martes 22, viernes 25 y lunes 28 de noviembre.

Esta ópera, con prólogo y cinco actos, narra la historia de amor juvenil por antonomasia, donde se aúnan pasiones y odios, ofensas y perdón, amor y muerte. En esta ocasión, ABAO-OLBE ha reunido un dúo sublime para protagonizar a los enamorados más célebres con José Bros y Patrizia Ciofi. El tenor catalán, reconocido como uno de los máximos exponentes del repertorio belcantista romántico y uno de los más admirados en Bilbao, regresa a esta ciudad precisamente cuando cumple 20 años de carrera.

A su lado, la soprano italiana Patrizia Ciofi, que ya dio muestras de su involucración emocional en el canto de la Cleopatra de Giulio Cesare en la temporada 2008/2009, vuelve a Bilbao para meterse en la piel de Julieta, un papel que ya ha interpretado en la Ópera de Marsella.

Junto a ellos, debutan el bajo italiano Roberto Tagliavini, el barítono americano Daniel Belcher, el catalán Alex Sanmartí, la soprano Mary Ann Stewart y el bajo americano James Creswell. Un elenco euskaldun completa el cartel con Jon Plazaola, Itxaro Mentxaka, Fernando Latorre y Axier Sánchez.

Dirigirá a la Orquesta Sinfónica de Navarra el joven maestro catalán Josep Caballé-Domenech, que recientemente ha sido nombrado director musical de la Colorado Springs Philarmonic. El Córo de Opera de Bilbao, dirigido por Boris Dujin, completa el apartado musical.

Auzoa Teatro y su "Comida para peces", el grupo aficionado pamplonés más valorado en la Muestra Teatro de Aquí

Auzoa Teatro ha sido el grupo mejor valorado por el jurado de la XIV Muestra Teatro de Aquí del Ayuntamiento de Pamplona y realizará cuatro representaciones en los próximos meses en los civivox pamploneses, además de recibir 2.000 euros de ayuda.

La obra con la que participó en el certamen y que será la representada es Comida para peces, un texto dramático original de Javier de Dios que aborda el tema del mobbing, el acoso en el trabajo, ya que muestra una sociedad que se devora a sí misma. El texto fue premio Euskadi de Literatura 2006. Dirigidos por Laura Laiglesia, participan como actores Javier Chocarro, Rosa Nagore, Ander Percaz, Jorge Goñi y Sergio Albillo.

En este certamen fueron seleccionadas para participar nueve compañías que optaban a estar incluidas en el catálogo de grupos artísticos no profesionales que el Consistorio ofrece a los colectivos ciudadanos para sus programaciones festivas y sociales.

El concierto "de Año Nuevo" de Pamplona será el 6 de enero con entradas entre 34 y 38 euros

El próximo 6 de enero regresa a Pamplona el Gran Concierto de Año Nuevo, con la Strauss festival Orchestra, que repetirá en la cita.

El espectáculo será el próximo día 6 de enero a las 20 horas en Baluarte con un precio de entradas de 38 euros en sala y 34 euros en el palco

Este evento se viene celebrando en Pamplona desde hace 21 años de la mano de la empresa Global Servicios Culturales.

miércoles, 16 de noviembre de 2011

La Federación de Coros da su medalla de oro a los músicos José María Goicoechea, Lorenzo Ondarra y Javier Sagüés

La Federación de Coros de Navarra reconocerá con su medalla de oro a José María Goicoechea Aizcorbe, Lorenzo Ondarra Quintana y Javier Sagües Remón por su labor en beneficio de la música Coral a lo largo de su vida y su "entrega, dedicación, esfuerzo y trabajo". Los tres son religiosos.

La entrega consistirá en un sencillo acto presentado por Javier Pagola donde se incluirá un concierto especial en el que participarán el Coro de Antiguos Alumnos de la Escolanía Loyola, el Coro Liguori, el Coro San Miguel Txiki de Aoiz y Etxarriko Abestatza. Los participantes interpretarán algunas de las composiciones y arreglos de los tres homenajeados.

El lugar elegido será la Iglesia de la Asunción a partir de las 20 horas, donde la Junta de la Federación, a propuesta de su presidente Carlos Gorricho, agradecerá "la constante relación que esos profesores han mantenido con coros y agrupaciones musicales, prestándoles su apoyo, enseñando, componiendo y dirigiendo a los que han solicitado su apoyo".

El jesuita Javier Sagües, de 79 años, es fundador de la escolanía Loyola del colegio San Ignacio de Pamplona. Natural de Gallipienzo, dirigió este grupo de voces blancas durante treinta años a la vez que estuvo durante cinco años de organista en el Castillo de Javier. No se desvinculó del todo de las voces blancas ya que fue presidente de la Asociación de Niños Cantores de la zona norte y vicepresidente a nivel nacional. Para el antiguo director de la escolanía Loyola, "uno de sus miembros no tenía por qué ser un divo, porque todos forman un instrumento".

Por su parte, José María Goicoechea, de 87 años, es el fundador del coro Niños Cantores de Navarra en el año 1963, y de la coral Liguori, de la que es actual director. Ingresó en la Congregación de los Padres Redentoristas con estudios de música en 1942. Uno de sus mayores reconocimientos fue el primer premio nacional Unicef que recibió con los Niños Cantores de Navarra en el concurso de coros infantiles y juveniles en 1983. Goicoechea aseguraba que cuando pedía a un niño que dijera su nombre, "ya con eso sabía si eran contraltos o sopranos".

El tercer homenajeado será Lorenzo Ondarra, de 80 años, capuchino, organista y compositor nacido en Bacáicoa. Cursó los estudios musicales en el Conservatorio Municipal de Música de San Sebastián. En 1969 destacó por recibir el Premio Nacional de Música (compartido con Tomás Marco) por su obra Diálogos. El pasado mayo recibió un homenaje del Orfeón Pamplonés durante la jornada coral de la semana de la Música Vasca Musikaste.

Concierto en Familia el viernes dedicado a Chopin

Hoy miércoles se estrena un nuevo programa musical dentro del ciclo Conciertos Escolares y en Familia, que organiza el Gobierno de Navarra. El título de esta producción, dedicada a los jóvenes a partir de los 12 años, es Chopin, un pianista sin fronteras y cuenta con la intervención de la Orquesta del Conservatorio Profesional Pablo Sarasate y el pianista polaco Lukasz Stefan Krupinski, bajo la dirección de Koldo Pastor. El guión es de la pedagoga musical Uxue Úriz y participarán como narradores Uxue Uriz y Pablo Ramos.

El ciclo de Conciertos Escolares tendrá lugar en el Auditorio Barañáin, de miércoles a viernes en horario escolar. El viernes 18 de noviembre, a las 19,30 horas, tendrá lugar el Concierto en Familia abierto a todos los públicos.

El concierto recoge algunas de las piezas más conocidas de este músico polaco representante del romanticismo, como los fragmentos de la Marcha fúnebre; el estudio Viento de invierno Op. 25 nº 11; Nocturno nº 2 en MibM op. 9 nº 2; ; Preludio 'de la gota de lluvia' Op. 28 nº 15; Estudio en Mi M op. 10 'Tristesse' y el Concierto para piano y orquesta nº 2.

Actúa como solista Lukasz Krupinski, joven pianista polaco, ganador del Concurso Internacional de Szafarnia, lugar en el que residió el propio Chopin. Krupinski participó en uno de los conciertos de la gira que realizó por Polonia la Orquesta Sinfónica del Conservatorio Pablo Sarasate de Pamplona, en el año 2010. Asimismo, actuó en el Planetario de Pamplona, ambas cuestiones dentro de los actos de celebración del Bicentenario de Chopin.

Los Conciertos Escolares son gratuitos y forman parte de las actividades del centro escolar. El precio de las entradas para el Concierto en Familia es de 4 euros y se pueden adquirir en las taquillas del Auditorio de Barañáin a partir del día 16 de noviembre.

lunes, 14 de noviembre de 2011

In memoriam: María Jesús Valdés, actriz


Toda la profesión escénica sabe cómo la actriz María Jesús Valdés, una de las más inmensas que ha dado el teatro español contemporáneo, repetía una y otra vez en las últimas décadas que ella había tenido tres vidas. El pasado sábado, 12 de noviembre, esta mujer menuda, bellísima, coqueta, grande entre las grandes, misteriosa, seductora y humilde pasó a lo que quería que fuera su cuarta y última vida, ya que era creyente, tras fallecer el sábado en su domicilio de Raimundo Fernandez Villaverde, en Madrid, a una edad que ella quiso ocultar toda su vida, y cuya cifra oficial que circula en hemerotecas tampoco es la real.

Por deseo expreso de la actriz fue incinerada en Getafe antes de darse a conocer su fallecimiento producido a causa de un fallo cardiaco provocado por su hipertensión crónica. Se comportó al igual que en vida, donde siempre mantuvo una gran discreción en torno a ella y en más de una ocasión dijo: "Los homenajes me dan miedo, soy una persona temerosa, siempre tiemblo cuando salgo al escenario". Ha hecho todo lo posible para que su última despedida no se convirtiera en un homenaje, en un acto público, y lo ha conseguido.

La primera vida de esta actriz se desarrolló entre los años cuarenta y cincuenta del pasado siglo, cuando se convirtió, tras pasar por el Teatro Español Universitario, en la gran intérprete del teatro clásico abordando a Shakespeare, Lope, Calderón, Sófocles y otros tantos al tiempo que abordaba otros muchos títulos de autores contemporáneos que interpretó en escena como Emlyn Williams, Graham Greene, J. B. Priestley, Jaime Salom, Alfredo Mañas, Jean Anouilh, Anna Bonnacci y Peter Ustinov, entre otros.

Trabajó en los primeros años de su carrera bajo las órdenes de directores como Cayetano Luca de Tena, quien la convierte en primera actriz del Teatro Español en la época en que autores como Buero Vallejo se rinden ante su gran oficio, y su gran belleza, hasta el punto de escribir para ella La tejedora de sueños, mientras en la profesión se hablaba de un posible idilio entre el dramaturgo y la Valdés, como se la empezó a llamar en el oficio. Era un momento de gran éxito para la Valdés que también termina siendo reclamada para el doblaje y para el cine, en Catalina de Inglaterra y La laguna negra, ambas de Arturo Ruiz Castillo.

Hace ahora 58 años que se incorpora, también como primera actriz, a la Compañía del Teatro María Guerrero, pero meses después logra su gran sueño: crear su propia compañía con el inolvidable director escénico José Luis Alonso y con compañeros como Jesús Puente, Alicia Hermida, María Luisa Ponte, Julieta Serrano, Agustín González y Francisco Valladares, con quienes pone en pie obras de clásicos y modernos dramaturgos con las que obtienen rotundos éxitos.

Pero a finales de los años cincuenta su segunda vida la llama irresistiblemente. Deja drásticamente el teatro, cuando había logrado llegar a la cima a la que aspira todo intérprete. Lo hizo por amor. De ideas liberales e incluso en aquella época consideradas casi de izquierdas, se casó con Vicente Gil, el médico personal de Francisco Franco, con quien vivió más de 30 años, hasta que él falleció. Una etapa de su vida de la que no hablaba nunca, aunque un día comentó que estando en el domicilio privado de los Franco, en el Palacio del Pardo, había una pequeña cerámica en la que había un texto impreso de un autor clásico. La Valdés lo cogió e instintivamente lo leyó en alto. Se hizo un silencio y Carmen Polo, la mujer de Franco, comentó que era impresionante lo bien que leía y preguntaba qué dónde había aprendido. "Hubo unos segundos de tensión y Vicente cambió de tema, aunque seguro que ellos conocían perfectamente mi pasado", dijo Valdés, dejando claro hasta qué punto tenía que ocultar su profesión. Lo comentó allá por la década de 1990, en una de las pocas ocasiones que habló de esa etapa de su vida o de su relación con los Franco, de los que nunca dijo nada a pesar de que se sabía que no trataron especialmente bien a Vicente Gil, en la última etapa del dictador.

En esa etapa en la que ni tan siguiera hablaba con sus antiguas amigas del teatro, como muchas veces se lamentó su amiga la actriz María Asquerino, tuvo con Gil cuatro hijos, María Jesús, Vicente, María Elena y Avelina (que han terminado dándole siete nietos), aunque lo que sí confesaba era que mientras vivió esos años con su marido y tan cerca de El Pardo, nunca echó de menos la escena. Lo dejó todo por él, pero tras la muerte de Vicente Gil volvió a por todo. Y lo insólito es que inmediatamente se volvió a situar en la cima y fue otra vez considerada una de las grandes primeras actrices del teatro español.

"Ella siempre dijo que había tenido tres vidas, en la última cumplió perfectamente aquella máxima de Fray Luis de León, quien después de estar años en la cárceles de la Inquisición, cuando volvió a la cátedra empezó la lección magistral diciendo: "como decíamos ayer", como si no hubiera pasado el tiempo. Ella, después de cuarenta años regresó igual, no se había notado para nada el tiempo que había estado fuera del escenario, se fue como una primera actriz y regresó exactamente igual", comentó ayer Andrés Peláez, director del Museo Nacional del Teatro y profundo conocedor de la trayectoria de la Valdés.

Una vez se quedó viuda la rescató Adolfo Marsillach para dar clases en la Escuela de Teatro Clásico que en la década de 1980 montó el actor y director. Pero eso sólo fue un timidísimo inicio, al igual que su participación en unas desapercibidas representaciones en La dama del alba, de Alejandro Casona en 1991. Fueron experiencias que ella utilizó para medirse, para comprobar si seguía valiendo y teniendo memoria.

Pero ella consideraba que su vuelta real fue con El cerco de Leningrado, de José Sanchis Sinisterra, junto a la que terminó siendo su gran amiga Nuria Espert, en marzo de 1994, cuando Valdés dijo: "Anoche sentí como si el tiempo se hubiera detenido 35 años y yo nunca hubiera dejado de trabajar", comentó al terminar la representación.

Ayer, su compañera de reparto en aquel trabajo decía: "Estaba absolutamente genial y fue para mí un placer y una sorpresa porque a ella no la había visto cuando tuvo su compañía e hizo cosas importantísimas en el teatro español, yo cuando la vi de verdad fue en El cerco y era excepcional, con el humor más moderno, inteligente y loco que he visto nunca en un escenario, era una lección la que daba cada función que teníamos", señala Nuria Espert quien ayer comentaba, con profunda tristeza por la desaparición de su íntima amiga, que era una de las principales figuras del teatro español: "Lo fue siendo muy joven, desapareciendo durante muchos años y volviendo a serlo, cuando decidió regresar después de un paréntesis que dejó un enorme vacío en el teatro español; pero cuando volvió encontró su silla vacía porque nadie se había sentado en ella en todos esos años", comentó Espert quien calificó a la Valdés de "dulce, divertida, con grandes secretos y misterios que nunca desvelaba y con los que yo hacía bromas permanentemente, pero a fin de cuentas cuando desapareció en los cincuenta fue por voluntad propia, como lo ha hecho hace un tiempo, que volvió a repetir la hazaña, aunque por distintas razones; hasta el punto de que los amigos tuvimos que dejar de preguntarnos dónde estaba, y no servía de nada dejar mensajes en el contestador, porque su voluntad era desparecer de nuevo".

Desde su vuelta en 1994 mantuvo una presencia constante en los escenarios españoles con numerosos papales destacados en numerosas obras entre las que destacan La visita de la vieja dama, La muerte de un viajante o Carta de amor de Fernando Arrabal e intervino en media docena de películas entre las que destaca Juana la Loca (2001), de Vicente Aranda. Sin olvidar trabajos como en La casa de Bernarda Alba, que hizo con Calixto Bieito, donde el personaje lorquiano por primera era una Bernarda femenina y sensual, distinta a las vistas hasta ese momento.

También hizo una firme amistad con la joven actriz Silvia Marsó en Tres mujeres altas, poco antes de participar en Una noche con los clásicos, con Marsillach y Amparo Rivelles, con quienes se escapaba con frecuencia en los últimos años de vida del director y actor, para rememorar las juergas, inocentes e ingenuas, eso sí, que se pasaron los tres actores durante los dos años de gira. La visita de la vieja dama, de Friedrich Dürrenmatt y otros trabajos la llevaros a afirmar: "A veces pienso que no me merezco tanto, pero otras vivo todo esto como un premio por todo a lo que he tenido que renunciar. Pero las cosas siempre hay que hacerlas sin esperar recompensas".

Por sus trabajos en "su tercera vida" recibió el Premio de la Unión de Actores, el Premio Nacional de Teatro, el Premio Max de las Artes Escénica a la mejor actriz, y el Premio Mayte de Teatro, además de la medalla de Oro a las Bellas Artes, entre otros. Tras unos ensayos con Juan Carlos Pérez de la Fuente, con quien trabajó en varias ocasiones, de Óscar, o la felicidad de existir, de Eric Emmanuel Smith, no tuvo más remedio que abandonarlos por agotamiento y por la presiones de su médico. Las últimas veces que subió a un escenario fue junto a Manuel Galiana con el que ofrecía unos recitales de poesía sacra, acompañados en más de una ocasión por el Trío Mompou.

Rosana Torres, en El País (Lunes 14 de noviembre de 2011)

"Las orquestas sinfónicas, no, por favor", artículo en defensa de su pervivencia, por Paloma O'Shea

LA crisis nos ha puesto en la tesitura de tomar decisiones difíciles: puesto que no hay para atenderlo todo, es inevitable decidir qué gastos son imprescindibles y cuáles no. Las hoces están en alto y es el momento de afinar bien los golpes, porque cortar por donde no se debe puede tener consecuencias graves. El ejercicio es muy delicado y requeriría análisis sereno y visión de futuro; sin embargo, nuestros políticos se ven abocados a tomar estas decisiones en medio de una campaña electoral interminable y en plena agitación general, con cada sector social tratando de llevar el agua a su molino.

Lo importante, en cualquier caso, es preservar a toda costa las constantes vitales del país, aquellas funciones que lo mantienen vivo y le harán llegar en buenas condiciones a una época más positiva que, antes o después, tendrá que acabar viniendo. En mi opinión, una de esas funciones clave es la cultura y, más concretamente, la música. Sin ellas, la sociedad diluirá su conciencia colectiva y relajará los lazos que la mantienen estructurada. A fin de cuentas, es en la música y en las demás facetas de la cultura donde se concentra el espíritu de la nación y donde se representa con más claridad nuestra voluntad de convivir, de compartir derechos y deberes y de existir como sociedad organizada. Creo que no debemos tocar la cultura más que como ultimísimo recurso.

No digo que no haya que apretar cinturones y racionalizar gastos, porque, cuando vienen mal dadas, nos toca contribuir a todos, incluidos los músicos y los protagonistas de la cultura en general, pero sería un grave error desmantelar activos culturales como orquestas, teatros o festivales, porque el tiempo y el dinero que requeriría su reconstrucción posterior es inmenso en comparación con el ahorro que pueda producir hoy su cierre.

Los ex alumnos de la Escuela Reina Sofía, que están repartidos por las mejores orquestas, españolas y europeas, me alertan de los malos augurios que se ciernen sobre la Orquesta de Extremadura. Con diez años de vida, la OEX es una de las más jóvenes de España, pero está ya plenamente consolidada y su labor ha representado un gran avance en la vida cultural extremeña. Su supervivencia es muy importante, y no solo para Extremadura, sino para toda España, que desde hace ya unas cuantas décadas tiene depositada en el progreso de su vida musical buena parte de su ilusión como país e incluso de su dignidad como nación moderna, liberada de sus complejos históricos.

En pocos terrenos como en el de la música se visualiza con tanta claridad nuestro progreso colectivo, material, pero sobre todo espiritual. En treinta años, hemos pasado de tener tres o cuatro orquestas sinfónicas dignas de tal nombre a casi treinta; de dar conciertos donde se podía, a tocar en una red espléndida de auditorios; de ser el piano poco más que un adorno para jovencitas bien (¡y algo sabré yo de eso!) a ser una clave de la educación de todos. Durante este tiempo, decenas de miles de padres españoles se han esforzado en llevar a sus hijos a estudiar el violín, la flauta o el violonchelo y es esa presión social la que ha forzado una renovación de conservatorios y escuelas de música que ahora está dando sus frutos. Hace ya algunos años que vemos cómo acuden a las audiciones de la Escuela Reina Sofía jóvenes españoles de grandísimo nivel.

Los ciudadanos españoles han acudido con gran interés a los auditorios y teatros a abonarse a las temporadas de sus orquestas, porque un concierto ya no es un club selecto para privilegiados, sino un acto de cultura popular, donde todos pueden acceder de primera mano al universo de Beethoven, de Mahler, de Falla o del joven compositor de su tierra.

El censo actual de orquestas es una de las joyas de nuestro patrimonio colectivo. Sin contar las juveniles, que cada vez son más y suenan mejor, España cuenta hoy con 27 orquestas sinfónicas profesionales: cuatro en Andalucía, Cataluña y Madrid; dos en Asturias, Canarias, Galicia, País Vasco y Valencia; y una en Baleares, Castilla y León, Extremadura, Murcia y Navarra. Cada una de ellas es el resultado de un esfuerzo colectivo y del impulso de toda una sociedad. Tienen titularidades de todo tipo: desde las orquestas privadas, como la Sinfónica de Madrid, titular del Teatro Real, que es propiedad de los profesores que la integran, hasta las enteramente estatales, como la Nacional. Otras son autonómicas, provinciales, de ayuntamientos o de entes intermedios más o menos públicos, como RTVE. En cuanto a la calidad de su sonido, las hay de primer nivel mundial (¡no exagero en absoluto!) como la de la Comunidad Valenciana, y las hay de menor prestigio, pero al menos seis o siete alcanzan un gran nivel internacional y tienen discos suyos en las tiendas de todo el mundo. Al principio, en los ochenta, las nuevas orquestas se nutrieron de músicos extranjeros. Era lo natural, dado el triste estado en que se encontraban nuestros conservatorios. Después, se han ido españolizando poco a poco.

Para un país como el nuestro, que en cuanto a música llevaba siendo periférico desde Tomás Luis de Victoria -¡exactamente cuatro siglos!-, esa vitalidad de nuestra vida sinfónica es un triunfo extraordinario. Es una de las claves de la España moderna. Cada orquesta española no es solo un centro de cultura y de ocio, es una auténtica bandera de modernidad, una referencia de altura que los ciudadanos tienen presente en su lucha diaria por salir adelante y por ofrecer a sus hijos un país abierto, moderno y europeo.

Solía decir Carlos Gómez Amat, harto de ver pasar efímeramente por nuestros teatros a las grandes orquestas mundiales, que la única cultura que de verdad importa es la que se produce en casa. Pues, gracias a Dios, ahora, la cultura musical se está produciendo por fin en casa. Se incuba en nuestros conservatorios elementales, que se han multiplicado asombrosamente en número, se termina de madurar en los superiores, que tanto han progresado, y en centros de alta especialización como Musikene en San Sebastián, la ESMUC en Barcelona, la Escuela de Altos Estudios Musicales de Santiago, el Conservatorio de Zaragoza o la propia Escuela Superior de Música Reina Sofía que, aunque me esté mal el decirlo, abrió buena parte de estos caminos. Y, una vez madurada, esa cultura musical hecha en casa, esa que es la que de verdad interesa, se expresa principalmente la labor de nuestras veintitantas (primero 30, luego 27 y ahora veintitantas) orquestas sinfónicas, además de en la de nuestros teatros, festivales, grupos de cámara y grandes solistas.

No quisiera hacer corporativismo. No se trata de decir: a los músicos no los toquéis, porque son los míos; sino: no cortemos la música porque eso sería cargarse la mitad del esfuerzo de modernización y de europeización que los españoles llevamos treinta años haciendo. Porque cerrar una orquesta no es solo despedir a ochenta músicos y a media docena de empleados; es cortar el acceso a la maravilla de la música a miles de ciudadanos de todas las clases sociales y es cortar el camino profesional a los mejores de nuestros jóvenes, a los que se han entregado al arte musical creyendo en el esfuerzo, en el cultivo del talento y en la superación personal.

Cerrar un foco de creación cultural, como es la Orquesta de Extremadura, es echar a la basura el trabajo, la ilusión y el dinero de varias generaciones y significaría empezar a rendirse y a admitir el fracaso social. Aprieten a las orquestas, si hace falta, pero no corten por ahí. Por las orquestas, no, por favor.

PALOMA O'SHEA, PIANISTA Y MECENAS MUSICAL

"Misión imposible. El Ratoncito Pérez contra la Bruja Caries" el domingo 20 en Alsasua y el sábado 26 en Ansoain


Misión imposible. El Ratoncito Pérez contra la Bruja Caries
Una aventura dramático-higiénico-bucal recomendada por 9 de cada 10 dentistas consultados

Escrita, empastada y enjuagada por Víctor Iriarte
Con Pablo del Mundillo, Sofía Díez, Jesús Idoate, Virginia Cervera, Imanol Espinazo y Juan Sansegundo
Para niños a partir de 4 años.

Una producción de la Fundación Municipal Teatro Gayarre y Olazar en colaboración con el Gobierno de Navarra.

¡Están secuestrando a niños y niñas por toda Europa! Es un asunto gravísimo que se complica todavía más porque, desde hace cuatro semanas, ¡¡¡el Ratoncito Pérez no deja sus regalos debajo de la almohada!!! Todos los niños a los que se les ha caído un diente están tristes y sus papás y mamás muy preocupados: ¿Y si los niños, al no recibir sus regalos, ya no quieren hacerse mayores? Dos agentes especiales con mucho olfato del Comando MUERDE (Misiones Ultrasecretas y Especiales y Riesgosas y Detectivescas de Europa), con la ayuda de los hermanos Marisa y Samuel, se enfrentan a la malísima Bruja Caries. ¿Podrán resolver ellos solos el misterio o necesitarán la ayuda del Ratoncito Pérez?

DOS NUEVAS REPRESENTACIONES en los próximos días, tras el éxito del domingo en Sangüesa, donde se agotaron las entradas:

Centro Cultural Iortia de Alsasua. Domingo 20 de noviembre, a las 17 horas.

Teatro de Ansoain. Sábado 26 de noviembre, a las 18 horas.

Precios populares. Aprovecha la venta anticipada

¡¡¡No te la puedes perder!!!

La Orquesta Sinfónica de Lucerna (Suiza) interpreta la Sinfonía nº 39 de W.A. Mozart hoy lunes en el Auditorio BALUARTE

La Sinfónica de Lucerna, la orquesta más antigua de Suiza, ofrece en Baluarte un concierto hoy lunes 14 de noviembre (20.00 hrs.) dentro de la Temporada octubre 2011 – enero 2012 de Fundación Baluarte. La orquesta estará dirigida por James Gaffigan, uno de los jóvenes directores americanos con más talento y más futuro. En el programa, la Sinfonía nº 39 de Mozart, uno de los frutos del prodigioso verano de 1788 en el que el músico salzburgués compuso sus tres últimas sinfonías; el Concierto para violín y orquesta, de Aram Kachaturian, a cargo de Simone Lamsma, una de las violinistas más reputadas del panorama internacional actualmente; así como Obertura de la ópera La isla deshabitada, de Haydn, y Obertura de la ópera El rapto en el serrallo, de Mozart.

Las entradas se pueden adquirir por 32, 26 y 20€ a través de los canales habituales: taquilla de Baluarte, 902 33 22 11, Servicaixa y www.baluarte.com.

La veterana Orquesta Sinfónica de Lucerna, fundada en 1806, se ha ganado, a lo largo de los años, el reconocimiento internacional y ha contribuido al prestigio de Lucerna. La Orquesta distribuye su repertorio entre la tradición y la innovación, y su público aprecia su interés por la música contemporánea. La han dirigido, entre otros, Sir Neville Marriner y Leonard Slatkin, y con ella han colaborado muchos solistas reconocidos internacionalmente, como Julia Fischer, Hilary Hahn, Gidon Kremer o Lang Lang. La LSO ha tocado recientemente en el Teatro des Champs Elysées de París y en la Sala Barbican de Londres, y en la presente temporada 2010/11 ha debutado en Amberes, Milán, Baden-Baden, Turín y en el Gran Centro de las Artes de Pekín.

En Baluarte, el encargado de dirigir a la orquesta será el joven James Gaffigan (Nueva York, 1979). Durante tres años fue director adjunto de la Orquesta Sinfónica de San Francisco junto a Michael Tilson Thomas. La carrera internacional de Gaffigan empezó en 2004 al ganar el primer premio del Concurso Internacional de dirección Sir Georg Solti que se organiza en Frankfurt. Desde entonces ha trabajado en Europa con la Filarmónica de Munich, Deutsches Symphony Orchestra Berlín, Birmingham Symphony Orchestra, Netherlands Radio Philharmonic, Tonhalle Orchestra, Royal Liverpool Philharmonic, Bournemouth Symphony, Leipzig Radio y Rotterdam Philharmonic, entre otras. En América del Norte ha dirigido las orquestas de Toronto, Indianápolis, New World y New Jersey National Arts Centre Orchestra, Cleveland Orchestra, Minnesota Orchestra, Sinfónicas de Dallas, Detroit, Filadelfia, Chicago, Cincinnati, Houston, Baltimore, New Jersey, Colorado y la St. Paul Chamber Orchestra, entre otras.

La solista en el concierto será Simone Lamsma (Holanda, 1985). Empezó a tocar el violín con solo cinco años, con once se trasladó al Reino Unido para estudiar en la escuela Yehudi Menuhin con el profesor Hu Kun y continuó en la Royal Academy de Música de Londres, donde se graduó a los 19 años con los más altos honores. Hizo su debut con catorce años, tocando el Concierto de Paganini con la Northern Dutch Orchestra con Takuo Yuasa y desde entonces ha actuado por todo el mundo. Ha colaborado con renombrados directores como Sir Andrew Davis, Sir Neville Marriner, Lord Yehudi Menuhin, Yan Pascal Tortelier y Jaap van Zweden, y ha tocado con orquestas de primer nivel como London Symphony Orchestra, Academia de Saint Martin in the Fields, Royal Liverpool Philharmonic, Netherlands Radio Philharmonic, Residentie Orchestra de La Haya, Netherlands Philharmonic Orchestra, Cape Town Philharmonic Orchestra y Orquesta Sinfónica de Caracas.